Le védisme à Venise : origines, développement, style du genre pictural

Le terme vedutismo désigne le genre pictural né au XVIIIe siècle et consacré à la représentation fidèle de paysages et de vues urbaines. Le védisme a connu un grand succès à Venise au cours du XVIIIe siècle: les raisons de ce succès sont à chercher avant tout dans la coutume du Grand Tour: ce terme désignait le voyage effectué par les jeunes descendants de la noblesse européenne pour découvrir le continent, souvent sous la conduite d’un précepteur, et dont la destination favorite était l’Italie(lire ici le compte-rendu de la grande exposition sur le Grand Tour à Milan en 2021-2022). Les participants au Grand Tour étaient désireux d’emporter un souvenir de leur expérience, et le choix se portait souvent sur des portraits, tels que ceux “inventés” par Pompeo Batoni, dans lesquels le sujet était représenté sur fond de ruines antiques, de vues de villes italiennes ou de vues de villes (le terme vedutismo dérive d’ailleurs du mot “veduta”). Le fait que le védutisme ait trouvé un terrain fertile à Venise s’explique par le fait que la ville était l’une des plus populaires d’Italie pour ces riches mécènes, qui se sont également chargés de la diffusion de ces œuvres à l’intérieur du pays : de nombreux mécènes, encore une fois principalement anglais, demandaient à l’étranger des œuvres aux principaux artistes italiens de l’époque.

Le védutisme se fonde également sur la philosophie des Lumières, qui vise à étudier la réalité de la manière la plus objective possible, et la peinture védutiste répond parfaitement aux principes de ce mode de pensée, précisément parce que les vues sont un miroir fidèle de ce que les peintres ont vu devant eux. L’habitude du Grand Tour s’est elle-même répandue grâce à la philosophie des Lumières : le but du voyage est en effet d’apprendre. Cependant, le védutisme n’est pas un genre né au XVIIIe siècle (bien qu’il ait connu sa plus grande popularité au XVIIIe siècle).

Les origines du védutisme et les premiers peintres védutistes

Le premier artiste que l’on peut définir comme védoutiste est en fait Gaspar van Wittel (Amersfoort, 1653 - Rome, 1736), un peintre hollandais transplanté en Italie (son nom sera plus tard italianisé sous le nom de Gaspare Vanvitelli) qui, arrivé à Rome dans les années 1770, “invente” le genre de la vue urbaine.

Van Wittel a également produit des vues de Venise au cours de sa carrière, et surtout au début du XVIIIe siècle, mais elles n’atteignent pas le degré de réalisme de celles de Luca Carlevarijs (Udine, 1663 - Venise, 1730), qui fut le premier artiste à proposer ses vues à un public étranger de “touristes” de passage, prévoyant ainsi la fortune que connaîtrait le genre dans les années à venir. Carlevarijs réussit à obtenir des résultats d’une grande fidélité à la réalité également grâce à l’utilisation d’un instrument mécanique connu sous le nom de camera ottica, sorte d’ancêtre de l’appareil photo actuel : il s’agissait d’un instrument dont le but était précisément de renvoyer une image objective de ce que le peintre voyait, et ce n’est pas un hasard s’il fut largement diffusé à une époque caractérisée par la philosophie des Lumières. La camera ottica était une sorte de boîte qui pouvait prendre différentes dimensions (dans certaines chambres optiques, le peintre pouvait même entrer et s’asseoir) et qui, en laissant pénétrer la lumière par un trou, projetait sur une surface l’image que le peintre voulait reproduire. L’image, grâce à des miroirs, se reflétait ensuite sur la feuille de papier utilisée par le peintre. Toutefois, il convient de rappeler que la camera ottica constituait avant tout un moyen de prendre des notes et non de créer directement l’œuvre : celle-ci était en effet le résultat du remaniement, selon le goût et l’inclination personnels de l’artiste, de ce qu’il avait noté sur ses feuilles à l’aide de la camera ottica.

L’apogée et le succès du védutisme : Canaletto

L’artiste avec lequel le védutisme a atteint son succès international (à tel point qu’il a lui-même séjourné un temps en Angleterre, où il a peint des vues de villes et de campagnes locales) et son sommet de perfection est Antonio Canal dit Canaletto (Venise, 1697 - 1768). La raison pour laquelle Canaletto a eu plus de succès que Carlevarijs réside principalement dans sa plus grande sensibilité et dans son plus grand flair commercial. En effet, les vues de Canaletto se distinguent par une luminosité délicate et laconique(Piazza San Marco verso San Geminiano, vers 1735, Rome, Galleria Corsini), qui donne l’impression que sa Venise est plongée dans un été perpétuel, contrairement à Carlevarijs, qui ne manque pas de produire des vues aux couleurs de plus en plus ternes, peintes par temps nuageux. Les atmosphères de Canaletto, beaucoup plus aérées et surtout beaucoup plus évocatrices que celles du peintre frioulan, étaient plus appréciées du public. De plus, Canaletto a également l’intuition de créer des œuvres de petit format, plus facilement transportables. Par ailleurs, l’artiste vénitien a particulièrement bien réussi à peindre des scènes de fêtes qui se déroulaient sur les eaux de la lagune(Il Bucintoro al Molo il giorno dell’Ascensione, vers 1740, Turin, Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli), démontrant ainsi sa capacité à créer des vues plus spectaculaires que celles de Carlevarijs, tout en ayant la même aptitude innée à rendre avec une fidélité absolue ce qu’il voyait devant lui.

Un autre volet heureux de la production de Canaletto est celui des Capriccios: ce terme désigne les vues où des éléments tirés de la réalité (villes, paysages, monuments) sont mêlés à des éléments de fantaisie (souvent des ruines antiques, mais aussi des éléments modernes : le célèbre Capriccio Palladiano (vers 1758, Parme, Galleria Nazionale) où Canaletto représente le quartier du Rialto avec la basilique de Palladio à Vicence et avec une vue du pont du Rialto construit, mais selon le projet, jamais réalisé, par Palladio). C’est une façon de satisfaire le goût de ses commanditaires pour le pittoresque, terme utilisé à l’époque pour désigner ce qui est libre et imaginatif, mais aussi une façon pour l’artiste lui-même d’exprimer sa personnalité et son imagination. Si ce genre n’a pas été inventé par Canaletto, le peintre vénitien en a néanmoins été l’interprète le plus imaginatif et le plus original. Mais le flair de Canaletto s’exprime aussi dans la recherche de vues et de coins de Venise qui n’ont jamais été représentés par d’autres peintres védutistes, créant ainsi des vues tout à fait originales.

Les derniers représentants du védutisme : Bernardo Bellotto et Francesco Guardi

Le védutisme a connu ses derniers grands représentants en la personne de Bernardo Bellotto (Venise, 1721 - Varsovie, 1780) et de Francesco Guardi (Venise, 1712 - 1793). Neveu de Canaletto (il était le fils d’une sœur), le premier se distingua par un art qui, contrairement à celui de son oncle, était plutôt froid, à tel point qu’il trouva de meilleurs résultats, plus que dans les vues de Venise, dans les vues du continent(Veduta di Dresda, vers 1750, Dresde, Gemäldegalerie), qui suscitèrent l’intérêt de mécènes du nord de l’Europe(lire ici plus sur Bernardo Bellotto en Toscane) : Bellotto fut en effet peintre de cour à Dresde, Vienne et Varsovie, cette dernière ville où il passa la dernière partie de sa carrière et de son existence.

La sensibilité de Francesco Guardi, en revanche, est très différente et unique dans le panorama du védutisme : ce peintre, issu d’une famille du Trentin, a commencé par peindre des œuvres traditionnelles avec des sujets religieux, arrivant tardivement au védutisme, probablement entre les années 1850 et 1860. Nous ne le savons pas avec certitude car la biographie de l’artiste est peu documentée : le premier document le concernant date de 1750. Avec Francesco Guardi, la vue cesse d’être rendue de manière objective et extrêmement fidèle pour subir le “filtre” du sentiment de l’artiste. Il faut en effet souligner que, malgré son rôle hégémonique dans la culture et le faste des événements mondains, Venise traverse au XVIIIe siècle une crise qui se traduit par une perte considérable de prestige international et par des problèmes économiques (puisqu’elle perd une grande partie de son commerce). Tout cela aboutira à la perte de son indépendance millénaire en 1797. Néanmoins, la ville continue de vivre au rythme des fêtes et des divertissements.

L’âme de Francesco Guardi a ressenti cette décadence, qu’il traduit dans ses vues par des atmosphères qui perdent la luminosité claire typique de Canaletto pour devenir insaisissables et mélancoliques. Dans ses œuvres, les contours des palais, des bâtiments et des personnages deviennent moins nets, l’air se raréfie et devient plus lourd, au point que l’on semble presque percevoir l’air salé de la lagune, les personnages se déforment, l’eau de la mer rejoint souvent le ciel, suggérant un sentiment d’infini qui alimente l’angoisse de l’observateur(Il Bacino di San Marco avec l’île de San Giorgio Maggiore , vers 1785, Modène, Galleria Estense). Les vues de Francesco Guardi finissent donc par évoquer des sentiments de nostalgie et de mélancolie: une peinture très originale, la sienne, qui montre qu’il est possible d’exprimer ses sentiments même à travers une vue ou un caprice, au point d’anticiper d’une certaine manière certaines solutions du romantisme du XIXe siècle.

Le védisme à Venise : origines, développement, style du genre pictural

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