Le romantisme : origines et développement européen, thèmes et styles des grands peintres

Le romantisme est un mouvement littéraire, philosophique et artistique international de grande envergure qui a vu le jour en Europe entre la fin du XVIIIe siècle et le milieu du XIXe siècle. Il s’est rapidement répandu en réaction à l’idéal rationnel ferme prôné par les Lumières et en opposition au conditionnement artistique académique du néoclassicisme.

Dans les arts, héritant de la conscience des droits individuels que le XVIIIe siècle avait conquis et célébrait avec la Révolution française (1788-1799), parallèlement à une poétique croissante du sentiment, s’affirme le pouvoir de la liberté expressive, de l’imagination et de l’intuition personnelle. À la raison, à l’étude scolaire et à l’harmonie classique, s’ajoutent la capacité créatrice et la subjectivité de l’artiste, affirmant le profil du génie créateur non conformiste, tel qu’il est apparu tout au long du XXe siècle, dont l’esprit créatif est plus important que la stricte adhésion aux règles formelles et aux procédures traditionnelles. La sensibilité romantique a eu des résultats et des chronologies différents dans chaque domaine culturel, mais avec une prédilection commune pour le paysage et le monde de l’histoire, y compris l’histoire contemporaine, considérée dans une clé psychologique et intériorisée et avec des inclinaisons spécifiques pour l’évocation fantastique et visionnaire et les valeurs spirituelles et sentimentales.

Origines et développement du romantisme

L’art romantique s’est développé en Allemagne, puis en France, en Angleterre et en Italie, principalement dans le domaine de la peinture, bien qu’il ait également donné une impulsion à une nouvelle compréhension de la sculpture, de l’architecture et de la musique, et qu’il découle d’un sentiment littéraire incontournable. Les artistes qui se considèrent comme faisant partie du mouvement partagent une attitude à l’égard de la pratique artistique, de la nature et de l’humanité, sans s’appuyer sur des définitions ou des principes stricts. Les artistes romantiques de chaque discipline ont trouvé une voix dans de nombreux genres et une variété de styles, en étant capables de se libérer des dictats académiques et des goûts qui poursuivaient la beauté canonique classique dans la plupart des pays européens, pour explorer leurs propres états d’esprit et proclamer leur propre position et leur originalité.

Les attitudes fondamentales des artistes romantiques étaient les suivantes une appréciation approfondie des beautés de la nature ; une exaltation générale de l’émotion par rapport à la raison et des sens par rapport à l’intellect ; un repli sur soi et un examen approfondi de la personnalité humaine, de ses états d’esprit et de son potentiel mental ; une préoccupation pour le génie, le héros et la figure exceptionnelle en général et une focalisation sur ses passions et ses luttes intérieures ; un intérêt pour la culture populaire, les origines culturelles nationales et ethniques et l’ère médiévale, ainsi qu’une prédilection pour l’exotique, le lointain, le mystérieux, l’étrange, l’occulte, le monstrueux, le malade et même le satanique.

Les termes historiques de la période romantique peuvent être compris entre la chute de l’empire napoléonien, lorsqu’avec la Restauration l’absolutisme monarchique est revenu régner en Europe, pour devenir dominant dans les années 1820 et jusqu’aux environs des années 1940, lorsque le mouvement artistique du réalisme a fait rage à partir de la France, avec des exceptions dans les différents pays.Après les défaites militaires de Napoléon, une tentative anachronique de retour à l’Ancien Régime sévit, contrecarrant les idées de la Révolution française (1788-1799), tandis que le Romantisme soutient les luttes pour la liberté, l’égalité et la justice, et est étroitement lié à l’émergence du nationalisme, répondant à l’universalisme impérial par l’unicité des différentes monarchies européennes. Il était nécessaire de reconnaître le droit de chaque pays à se gérer de manière autonome au nom de sa patrie, en mettant l’accent sur les valeurs traditionnelles locales, dont l’art devenait le porte-parole, stimulant l’identité et la fierté nationales.

Lefolklore, les traditions et les paysages locaux ont constitué l’imagerie visuelle de nombreux peintres romantiques qui ont mis en lumière les injustices sociales à travers leurs compositions dramatiques, rivalisant avec les peintures d’histoire néoclassiques plus sérieuses acceptées par les académies nationales, auxquelles ils ont insufflé un appel au renouveau social et spirituel.

Puisque la valeur absolue et incontestable des règles classiques devait être remplacée par la libre créativité de la pensée, le romantisme a également coïncidé avec les tendances libérales de la première moitié du XIXe siècle, qui ont conduit aux fréquentes insurrections, culminant avec celles de 1848, qui ont vu presque toute l’Europe lutter contre ses souverains et qui, en Italie, ont pris la forme de la première guerre d’indépendance jusqu’à l’époque du Risorgimento. L’artiste romantique a vécu intensément tous les événements, y compris politiques, de son époque, se révélant être un rebelle au conformisme légaliste. Pour tenter de réagir à l’industrialisation galopante, les arts ont exprimé les valeurs symboliques de cette période culturelle, comme le besoin pour l’individu de retrouver la nature et un passé idéalisé, principalement médiéval, comme exemple d’une société gouvernée par un idéal chrétien de simplicité et d’intégrité morale, en vertu d’une spiritualité redécouverte au 19e siècle. Le terme " romantisme“ est en fait dérivé de ”romance", qui désignait des compositions littéraires telles que les romans de chevalerie médiévaux, qui décrivaient des événements fantastiques dans des cadres et des scénarios historiques.

En Allemagne, dans les décennies 1770-1780, un courant culturel préromantique, surtout littéraire, connu sous le nom de “Sturm und Drang” (Tempête et élan) s’était établi, qui prônait la valorisation des styles du Moyen Âge et de l’histoire spirituelle allemande, ainsi qu’une vocation pour les idéaux de l’irrationnel, le mythe de la nature, les émotions et la fantaisie, revendiquant le droit de l’homme à réaliser ses aspirations intimes sans lois ni conventions imposées. Les peintres les plus représentatifs du mouvement romantique sont Caspar David Friedrich en Allemagne, William Turner et John Constable en Angleterre, Jean-Louis-Théodore Géricault et Eugène Delacroix en France. L’Italie a également eu un représentant important de ce qu’on appelle le romantisme historique en la personne de Francesco Hayez.

Thèmes et styles des grands peintres européens

Dans de nombreux pays, les peintres romantiques s’intéressent à la nature et à la peinture de plein air. Les œuvres basées sur uneobservation minutieuse du paysage, du ciel et de l’atmosphère ont élevé et promu le genre à un niveau supérieur. Certains artistes mettent l’accent sur le fait que l’homme ne fait qu’un avec la nature, d’autres dépeignent le pouvoir et l’imprévisibilité de la nature sur l’homme. Dans tous les cas, ils s’attachent à dépeindre la réaction subjective, la vie intérieure en relation avec la nature environnante.

En fait, le concept philosophique esthétique du “sublime”, introduit au milieu du XVIIIe siècle par le philosophe anglais Edmund Burke et repris en 1790 par le philosophe allemand Emanuel Kant, s’est répandu, compris comme ce sentiment d’étonnement et de consternation face à la nature et à toutes les choses du monde, pas nécessairement liées à la beauté, capables de nous submerger émotionnellement. L’expérience du sublime a déclenché une réflexion cruciale pour le romantisme, comme en témoignent les peintures réalisées à cet effet. L’intérêt pour les phénomènes éphémères du monde naturel a conduit les peintres à se consacrer à une étude minutieuse de la lumière et de l’atmosphère et de leurs effets sur le paysage. Le souci de préserver la spontanéité de l’impression conduit à une révolution de la technique picturale, avec la notation rapide de l’esquisse, reproduite ensuite dans la composition finale.

En Allemagne, les principaux artistes romantiques se concentrent sur la peinture de paysages naturels. Le plus important d’entre eux est Caspar David Friedrich (Greifswald, 1774 - Dresde, 1840), un peintre qui a réussi à traduire sur la toile la relation de l’homme avec les forces de la nature, comprises comme une manifestation divine, sublime et monumentale.Avec ses tableaux, la peinture de paysage devient une allégorie de l’âme humaine, ainsi qu’un symbole de liberté et d’illimité qui critique subtilement l’étroitesse politique de l’époque. Friedrich a rompu de manière révolutionnaire avec les traditions de la peinture de paysage baroque et néoclassique. Il ne s’est jamais contenté de reproduire une vue objective, mais a plutôt donné l’occasion de contempler la présence de Dieu dans les œuvres naturelles, fasciné par le pouvoir symbolique et allégorique des éléments terrestres vus comme une émanation religieuse.

Aux thèmes et motifs naturels, il associe la présence humaine, le plus souvent dos au spectateur, et un sens de la spiritualité, notamment à travers des allégories de la solitude, de la mort, des idées sur l’au-delà et des espoirs de salut, ouvrant ainsi des contextes picturaux largement inconnus. Le motif de la “Rückenfigur” inclut le spectateur dans le processus d’interprétation (The Wayfarer in the Fog de 1818 est célèbre), une figure humaine solitaire vue de dos, surprise en train de contempler le paysage devant elle, permettant au spectateur de l’œuvre de s’identifier au personnage de l’œuvre. Avec son attitude de peintre mélancolique enclin à une religiosité mystique, Friedrich a contribué à consolider l’image de l’artiste romantique par excellence. Son attachement à la peinture de paysage comme alternative à la peinture religieuse ou historique traditionnelle a encouragé ses contemporains à reconsidérer le genre avec d’excellents résultats.

Les peintres romantiques anglais ont également privilégié le paysage. Leurs représentations n’étaient pas aussi dramatiques et sublimes que celles de leurs homologues allemands, mais étaient plus naturalistes, mettant l’accent sur des paysages plus bucoliques. Ces artistes mettent l’accent sur les effets transitoires de la lumière, de l’atmosphère et de la couleur pour dépeindre un monde naturel dynamique, capable d’évoquer l’admiration et la grandeur. John Constable (East Bergholt, 1776 - Londres, 1837) compte parmi les peintres paysagistes anglais les plus influents, combinant une observation minutieuse de la nature avec une profonde sensibilité, et se rebellant contre les pratiques standard de l’académie. Son utilisation de la couleur, avec ses taches juxtaposées et vibrantes, a influencé les grands paysagistes français, tels qu’Eugène Delacroix, qui s’est inspiré de Constable pour son rendu incomparable de la lumière chatoyante avec des touches de blanc.

La couleur a également été explorée de manière encore plus radicale par William Turner (Covent Garden, 1775 - Chelsea, 1851), l’un des plus grands peintres anglais de tous les temps. Turner était un artiste prolifique, mais excentrique et reclus, qui travaillait à l’huile, à l’aquarelle et à la gravure. En appliquant la couleur par touches de plus en plus rapides, il a créé une surface dynamique et empâtée qui lui a valu l’épithète de “peintre de la lumière”, qui a été déterminante pour les impressionnistes à la fin du XIXe siècle. Alors que Constable peint la fraîcheur de la nature, Turner en saisit la grandeur et, à l’instar de l’Allemand Friedrich, représente le désarroi de l’homme face à la majesté de ses phénomènes. Dans les œuvres de Turner, le paysage traditionnel se dissout dans des formes indéfinies qui annulent la consistance des objets, immergeant le spectateur à l’intérieur du tableau.

Contrairement à leurs confrères allemands et anglais, les peintres français disposent d’un répertoire de sujets plus large, incluant le portrait et la peinture d’histoire, suggérant plutôt le désir de l’homme de conquérir la nature. En effet, l’esprit de la Révolution française a fortement stimulé l’intérêt pour la représentation des événements historiques contemporains et les artistes ont cherché à représenter de manière authentique les moments cruciaux de leur époque. Le règne de la raison des Lumières étant perçu comme limitatif et mécaniste, les artistes se sont tournés vers des scènes de rébellion et de protestation. Après la fin des guerres napoléoniennes et l’exil de Napoléon, ils ont commencé à remettre en question le néoclassicisme de personnages tels que Jacques Louis David, le peintre le plus important de la Révolution. Si les personnages héroïques néoclassiques étaient idéalisés et posés, les romantiques les représentaient de manière dynamique, dans les moments les plus forts de la bataille.

Les artistes Théodore Géricault (Rouen, 1791 - Paris, 1824) et Eugène Delacroix (Charenton-Saint-Maurice, 1798 - Paris, 1863) ont dirigé et développé le mouvement romantique français. Leur peinture s’inspire de la vie réelle et décrit, à l’instar des paysagistes, des moments éphémères, du mouvement et du dynamisme dans des scènes construites avec des tons monumentaux et des éléments métaphoriques des sentiments de l’humanité de l’époque. Des chefs-d’œuvre importants tels que Le Radeau de la Méduse (1819) de Géricault, inspiré d’une histoire vraie de naufrage, et La Barque de Dante (1822) de Delacroix, ont porté le romantisme à l’attention d’un public plus large et international. Ces deux tableaux ont scandalisé les Salons parisiens où ils ont été exposés, en 1820 et en 1822. Le fait de s’écarter du style néoclassique favori et d’utiliser des sujets contemporains a indigné l’Académie et le grand public. La représentation des caractéristiques émotionnelles et physiques, ainsi que des différents états psychologiques, deviendront sa marque de fabrique.

Géricault entre dans l’histoire de l’art avec ses représentations des drames collectifs, de l’héroïsme individuel et de la souffrance, comme dans sa série de portraits de gens ordinaires et humbles, de pauvres, de vieillards et d’aliénés dépeints avec une intensité et une expressivité inégalées. Après la mort prématurée de Géricault en 1824, Delacroix est devenu le chef de file du mouvement romantique en raison de l’importance qu ’il accorde à la couleur comme mode de composition et à l’utilisation de coups de pinceau expressifs pour transmettre des sentiments. Son utilisation de la couleur était riche et sensuelle, ses compositions dynamiques et ses sujets exotiques et aventureux, allant de la vie arabe en Afrique du Nord, après son voyage d’inspiration, à la politique révolutionnaire dans son pays. Un exemple important en est la grande toile bien connue La Liberté guidant le peuple, réalisée à l’occasion des soulèvements révolutionnaires parisiens de juillet 1830, auxquels l’artiste a participé, et qui représente ce qu’il a vécu de première main, au-delà de son imagination narrative.

Toujours en Italie, le plus grand représentant de la peinture romantique, Francesco Hayez (Venise, 1791 - Milan, 1882), est connu pour ses thèmes tirés de l’histoire italienne et ses sujets du passé, dans une période de transition entre la culture visuelle néoclassique et celle, plus libre, du romantisme. Il a produit des œuvres symboliques, aux couleurs vives et à forte valeur patriotique, avec des reconstructions historiques véridiques, des références politiques et des accents sentimentaux, démontrant une nouvelle sensibilité dans le traitement des sujets historiques. La peinture d’une scène médiévale Vespri siciliani (1846) en est un exemple. Son répertoire comprend également des portraits de personnages célèbres de son époque, ainsi que des œuvres connues comme Le Baiser (1859), qui démontrent la primauté de la poétique sentimentale de l’époque.

Le romantisme : origines et développement européen, thèmes et styles des grands peintres

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