Le romantisme en Italie. Origines, développements, thèmes, artistes

La deuxième décennie duXIXe siècle a vu la naissance du romantisme, un mouvement à caractère européen né en opposition au néoclassicisme. À l’abstraction et à la rationalité de ce dernier, les romantiques opposent la force des passions et des sentiments. Mais il existe bien d’autres caractéristiques communes aux artistes du romantisme : il s’agit en effet d’un mouvement international qui a néanmoins connu diverses évolutions régionales (précisément parce que les romantiques ont réévalué les traditions populaires et folkloriques), mais avec une base commune, dont les principaux traits peuvent être identifiés dans le retour de l’homme à la nature (par opposition au néoclassicisme, qui a plutôt fait passer l’étude de la nature avant celle des maîtres anciens), une profonde religiosité la centralité des passions, la liberté personnelle de l’artiste face aux contraintes des académies, la redécouverte de l’irrationnel et l’importance donnée à l’imagination créatrice de l’artiste, la revalorisation du Moyen Âge, considéré non seulement comme une période de profond spiritualisme religieux, mais surtout comme l’époque où se sont formées les identités des peuples et la diversité des nations européennes. C’est également pour cette raison que le Moyen Âge a été opposé au régime de Napoléon, qui, dans son objectif d’établir un empire, a été perçu comme un système qui voulait écraser cette diversité.

Le romantisme, en raison de toutes ces caractéristiques, a donc connu différentes déclinaisons, souvent très différentes les unes des autres, à tel point qu’il n’est pas possible de parler d’un style romantique, mais plutôt de se référer au romantisme en tant que mouvement. En Italie, il est d’usage de parler de romantisme historique: le développement du romantisme dans notre pays a en effet coïncidé avec la période du Risorgimento, de sorte que l’une des tendances des artistes romantiques italiens a été d’aller “draguer” des épisodes de l’histoire italienne (le recours à l’histoire est un trait typique de nombreuses tendances romantiques) qui pouvaient servir de comparaisons avec la situation italienne de l’époque. L’art se caractérise donc par un engagement politique et civil considérable : c’est avant tout le sens qui caractérise le romantisme italien.

Francesco Hayez

Francesco Hayez (Venise, 1791 - Milan, 1882) est considéré comme un artiste clé du romantisme en Italie. Formé selon les schémas néoclassiques (qui se manifestent également dans une partie de sa production initiale), il a su donner vie à une poétique romantique forte qui a trouvé son plus grand engagement civique avant tout dans les peintures à sujets historiques, avec des épisodes tirés de l’histoire récente et ancienne (principalement de l’histoire médiévale). Avec ces tableaux, Hayez entendait diffuser les idéaux de liberté et de réaction à l’oppression qui étaient particulièrement d’actualité à un moment de l’histoire où une grande partie de l’Italie du Nord était sous la domination autrichienne. Le premier de ces tableaux à sujet historique est le Pietro Rossi à Pontremoli, exposé à Milan en 1820 : l’œuvre fait grand bruit car, pour la première fois en Italie, les sujets tirés de l’Antiquité classique sont abandonnés au profit de sujets tirés de l’histoire médiévale. Cependant, Hayez ne s’engage pas sur la “ligne de front”, en effet, nombre de ses œuvres sont favorisées par l’Empire autrichien, à tel point qu’il reçoit même une invitation à Vienne, ce qui lui vaut de nombreuses critiques. Cependant, s’il n’est pas possible de définir Hayez comme un artiste révolutionnaire, il ne fait aucun doute que ses peintures étaient porteuses des idéaux patriotiques profonds auxquels l’artiste croyait. L’engagement de Hayez doit donc être lu comme une tentative de sensibilisation à l’état d’oppression que connaissait l’Italie à l’époque, plutôt que comme un engagement à agir “en première ligne”.

Hayez devient rapidement l’artiste romantique le plus important d’Italie : cette poétique romantique atteint des résultats profondément touchants dans ses œuvres les plus chargées d’émotion (comme les différentes versions du tableau connu sous le nom de Baiser, par exemple celle de 1859, Milan, Pinacothèque de Brera : pour en savoir plus sur les versions de l’œuvre, cliquez ici). Vers la fin de sa carrière, qui coïncide avec la crise des idéaux du Risorgimento, le peintre réalise d’intenses portraits féminins allégoriques, souvent teintés de mysticisme et de religiosité. Francesco Hayez est également un excellent portraitiste, capable de réaliser des portraits intenses des personnages qu’il représente, mais il sait aussi décliner le genre du nu féminin avec des tonalités particulièrement sensuelles, avec un érotisme voilé qui renvoie deux siècles en arrière aux solutions de Guido Cagnacci(Ruth, 1835, Bologne, Collezioni Comunali). Autant de compétences qui font de Francesco Hayez l’un des artistes les plus complets du panorama romantique italien.

Autres représentants du romantisme en Italie

Rapidement, la peinture civilement engagée se répand dans toute l’Italie. Parmi les artistes romantiques, Pelagio Palagi (Bologne, 1775 - Turin, 1860) joue un rôle de premier plan, auteur de scènes historiques dont les protagonistes sont avant tout des personnages importants de l’histoire italienne (Frédéric II, Gian Galeazzo Sforza, Christophe Colomb) et qui dénotent un goût pour la description de l’architecture à lire dans une tonalité néogothique (Palagi n’était en effet pas seulement peintre mais aussi architecte). Ces caractéristiques sont résumées dans La découverte de la réfraction de la lumière par Isaac Newton (1827, Brescia, Pinacothèque Tosio Martinengo). Le " renouveau gothique " est une tendance spécifique de l’art romantique (en particulier de l’architecture), qui s’est surtout répandue en Angleterre, mais qui a également trouvé des adeptes ailleurs : étant donné l’importance que les artistes romantiques attachaient à la civilisation médiévale, leurs décors et leurs scènes devaient également s’inspirer de l’art gothique, qui était considéré comme l’expression artistique la plus élevée et la plus intéressante produite au cours du Moyen-Âge.

Une déclinaison remarquable du romantisme en Italie a été la " veduta" romantique, portée à son plus haut degré par l’école de Posillipo. Au XVIIe siècle, la peinture de paysage et de vedute avait trouvé son plus grand représentant à Naples, en la personne de Salvator Rosa, et cette tradition s’était depuis lors enracinée dans la ville napolitaine. Au cours du XIXe siècle, plusieurs artistes étrangers séjournèrent à Naples, comme Joseph Mallord William Turner et Anton van Pitloo (ce dernier s’étant installé définitivement à Naples), qui renouvelèrent la peinture de paysage locale dans un sens romantique, avec une poétique fondée sur l’adhésion immédiate à la réalité (grâce à un style de peinture plus rapide que le style traditionnel, composé de coups de pinceau rapides qui rendaient immédiatement les effets de la lumière et de la couleur) et sur le rendu évocateur (les couleurs avec lesquelles les atmosphères étaient peintes devaient susciter des sentiments chez les observateurs). Le nom d’“école de Posillipo” a été donné à ce groupe d’artistes napolitains par leurs détracteurs, principalement des artistes des Académies : les peintres paysagistes opposés aux contraintes de la peinture académique se réunissaient dans le quartier napolitain de Posillipo.

Après la disparition de Pitloo, qui fut l’une des personnalités ayant donné à l’école son plus grand élan, le plus grand représentant de ce groupe d’artistes fut Giacinto Gigante (Naples, 1806 - 1876), qui sut créer des paysages caractérisés par un fort lyrisme évoqué par l’utilisation habile de la couleur(Marina di Posillipo, vers 1845, Rome, Galleria Nazionale d’Arte Moderna). En outre, Gigante s’approprie la tendance typiquement romantique à peindre certains des aspects les plus inquiétants de la nature, ce qui répond pleinement à la poétique du sublime: ce terme désigne quelque chose qui suscite l’inquiétude, voire l’horreur et la peur chez le spectateur. Le concept de sublime, théorisé par l’écrivain anglais Edmund Burke, s’opposait au beau: pour Burke, le sublime était représenté, par exemple, par les idées de vide, de silence, d’infini et de solitude. Dans les paysages de Giacinto Gigante, le goût du sublime est évoqué par la nature sauvage, par les falaises menaçantes, par le ciel orageux, par l’immensité de la mer qui disparaît à l’horizon. Cependant, le peintre napolitain n’atteint pas le degré de “terribilità” atteint par la peinture de paysage de nombreux autres artistes romantiques, surtout du nord de l’Europe : l’art de Giacinto Gigante offre souvent des paysages rassurants, toujours caractérisés par un lyrisme vivant.

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