Le postimpressionnisme: le baptême de l'art contemporain. Développements, thèmes et styles

Le post-impressionnisme définit les tendances artistiques qui se sont développées en France, avec d’importantes influences dans le reste de l’Europe, à peu près entre 1880 et le début du XXe siècle, et qui ont suivi et en même temps dépassé l’expérience de l’impressionnisme. Alors que la dernière exposition officielle des impressionnistes a eu lieu en 1886, les activités des artistes dont les œuvres ont marqué le début du nouveau siècle se sont succédé de manière peu chronologique. La plupart des artistes dits post-impressionnistes ont d’abord adhéré au mouvement impressionniste, mais se sont ensuite tournés vers un style autonome et progressivement plus ambitieux et subjectif. Le terme, d’origine anglaise, désigne conventionnellement non pas un groupe organisé avec un manifeste programmatique, mais plutôt les expressions hétérogènes de différents peintres, comprises comme des évolutions de la découverte impressionniste de la décomposition de la lumière et des couleurs. Il s’agit d’un climat artistique qui implique des artistes aux intérêts et aux tempéraments différents, qui sont devenus des noms absolus dans l’histoire de l’art, tels que Paul Cézanne et Georges Seurat, Paul Gauguin et Vincent van Gogh, dont les orientations et les chefs-d’œuvre ont eu un impact esthétique de grande portée qui a déterminé les courants ultérieurs.

À la représentation imitative de sujets tirés de la vie bourgeoise et de la nature, les postimpressionnistes ont préféré l’expérimentation personnelle avec des résultats autonomes et des directions différentes, valorisant toutefois cette liberté par rapport à la tradition et aux diktats de l’art académique qu’ils venaient d’expérimenter, et reconnaissant leur dette à l’égard des couleurs de l’impressionnisme et de la technique qui consiste à les utiliser avec des coups de pinceau brefs. Bien que déterminés à dépasser leurs prédécesseurs, chaque peintre poursuit sa propre quête d’une nouvelle définition de la forme, sans nécessairement partager les mêmes objectifs stylistiques que les autres. Ils ont exposé ensemble à certaines occasions, mais ont surtout peint seuls dans leurs propres ateliers, contrairement aux impressionnistes qui avaient entretenu des relations étroites en tant que groupe en peignant en plein air.L’historiographie de l’art a regroupé les différents styles post-impressionnistes en deux courants: d’une part un style structuré ou géométrique qui a conduit au cubisme, et d’autre part une expressivité non géométrique qui a conduit à l’expressionnisme abstrait.

Roger Fry et l’“invention” du postimpressionnisme

Le terme “postimpressionnisme” est utilisé depuis la première décennie des années 1900. Il a été inventé par l’artiste et critique d’art anglais Roger Fry (Londres, 1866-1934) pour désigner le travail des peintres de la région française à la fin du XIXe siècle. Il a été introduit, après la création des œuvres en question, dans un essai en 1906 et est ensuite devenu le titre de la première exposition qui a décrété l’arrivée de certains représentants importants de l’impressionnisme dans un nouveau langage artistique.

Manet et les post-impressionnistes est l’exposition collective organisée aux Grafton Galleries de Londres en 1910, également appelée "l’année des post-impressionnistes", qui présente des peintures de Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839 - 1906), Georges Seurat (Paris, 1859 - Gravelines, 1891), Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839 - 1906) et Georges Seurat (Paris, 1859 - Gravelines, 1891). Gravelines, 1891), Paul Gauguin (Paris, 1848 - Hiva Oa, 1903) et Vincent Van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890), en commençant par les œuvres du père de l’impressionnisme Édouard Manet ( Paris, 1832 - 1883), un nom déjà connu en Angleterre à l’époque. Paul Signac, Pablo Picasso, Henri Matisse, Odilon Redon, Maurice Denis et Félix Vallotton, entre autres, ont participé à cette exposition sur la peinture française contemporaine. Tous ces peintres français, hormis le Hollandais Van Gogh et l’Espagnol Picasso installés à Paris, ont scandalisé la scène artistique anglaise, qui restait ancrée dans un art de l’imitation, à l’opposé de la personnalisation et de l’abstraction vers lesquelles la France et le reste de l’Europe s’orientaient.

Manet, considéré comme le premier artiste moderne, non seulement parce qu’il avait choisi des sujets de son temps mais aussi parce qu’il avait remis en cause les techniques traditionnelles de représentation, dessinait alors les noms, inconnus en Angleterre, de ceux que l’on définissait comme les"quatre évangélistes du post-impressionnisme", Cézanne, Seurat, Gauguin et Van Gogh, alors qu’à l’époque les artistes avaient déjà disparu. Leur identité de groupe était donc posthume, représentative du changement dans l’approche autonome de l’œuvre d’art. Leurs caractéristiques communes étaient la recherche de la solidité de l’image, par opposition à la peinture fluctuante des impressionnistes, et la certitude et la liberté de la couleur. Malgré les critiques que l’exposition et le commissaire ont suscitées, Roger Fry a choisi de réintroduire une deuxième exposition post-impressionniste en 1912, en soutenant la considération internationale que les protagonistes méritaient et en élargissant l’horizon avec des œuvres d’artistes britanniques et russes. Un signe de ce qui avait été une véritable démarcation stylistique.

Développement des tendances post-impressionnistes

Après une phase de dissension agitée parmi les impressionnistes, tout comme Cézanne qui peignait dans l’isolement à Aix-en-Provence dans le sud de la France, Paul Gauguin s’est exilé en 1891 à Tahiti en Polynésie française, et Van Gogh a peint dans la campagne d’Arles, quittant le centre névralgique de Paris. Seurat étant mort prématurément à l’âge de 31 ans, sa méthode stylistique est reprise et diffusée par Paul Signac (Paris, 1863 - 1935). En fait, le besoin de renouer avec une nature authentique et la fascination pour des cultures lointaines, moins développées industriellement, considérées comme plus proches de la spiritualité et des forces élémentaires du cosmos que les centres urbains “artificiels” de leurs homologues européens, s’enracinaient chez les intellectuels occidentaux comme un héritage du romantisme du début du 19e siècle.

Cézanne, également connu sous le nom de “Maître d’Aix” en raison de l’agréable ville où il s’est installé dans le sud de la France, est considéré comme la pierre de touche de la qualité et de l’innovation artistiques de la fin du XIXe siècle. Abandonnant la technique de l’“impression” des effets de lumière évanescents en 1878, son approche confère à ses sujets une permanence monumentale et chaque élément de la toile est examiné sous des angles multiples, dont les propriétés matérielles sont recombinées par l’artiste non pas comme une copie, mais comme ce qu’il appelle “une harmonie parallèle à la nature”. Le peintre s’est attaqué à la question fondamentale de la profondeur spatiale, cherchant une synthèse dans les formes géométriques, une première tentative de simplifier les objets et les figures en se concentrant sur la définition des volumes, qui a inspiré plus tard le cubisme de Georges Braque et de Picasso dans sa première phase de développement. Les coups de pinceau de Cézanne avec des couleurs séparées ont fait école pour beaucoup.

En 1884, Seurat a fait preuve d’une intention similaire à celle de Cézanne en peignant des tableaux qui se concentraient sur la composition et approfondissaient la science de la couleur. S’inspirant de la pratique impressionniste de la couleur rompue et de la juxtaposition de couleurs complémentaires, il cherche à obtenir une luminosité par des formules optiques avec de minuscules points de couleurs contrastées choisies et placées côte à côte, pour se fondre à distance dans une couleur dominante. Cette technique très théorique, appelée"pointillisme“ en italien puntillismo ou pointillisme, est reprise par de nombreux peintres contemporains et constitue la base du style pictural appelé ”divisionnisme“ ou ”néo-impressionnisme".

Même Gauguin, après avoir exposé avec les impressionnistes jusqu’en 1886, les a abandonnés pour rechercher une esthétique plus instinctive, s’éloignant du monde artistique urbain et sophistiqué de Paris et manifestant un “primitivisme” de plus en plus marqué dans ses choix de vie et sa vision artistique. Il trouve son inspiration dans l’iconographie tribale, s’éloignant des conventions occidentales, dans les vitraux et les manuscrits médiévaux, et explore le potentiel expressif de la couleur et de la ligne de contour, d’où naît la technique du"cloisonnisme". Il évolue progressivement vers des harmonies de couleurs de plus en plus exotiques et sensuelles lorsqu’il part vivre chez les Tahitiens. Gauguin recherche une relation directe avec le monde naturel et aborde sa peinture comme une méditation sur le sens de l’existence humaine. Les significations symboliques et très personnelles sont particulièrement importantes dans sa quête de voyage et d’exploration, représentant une synthèse entre les éléments formels et l’idée ou l’émotion qu’ils véhiculent.

Il en va de même pour Van Gogh qui, arrivé à Paris en 1886 pour assister à la dernière exposition des impressionnistes, a rapidement adapté leurs techniques et leurs couleurs pour exprimer ses réactions émotionnelles, ses souvenirs et ses idées. Dans ses œuvres de la maturité, devenues des icônes de l’histoire de l’art, les coups de pinceau courts de l’impressionnisme se transforment en lignes courbes et vibrantes de couleurs qui décrivent sa vision du paysage naturel, des gens et de lui-même. Sa relation avec Gauguin était importante et, avant que ce dernier ne parte pour Tahiti, les deux artistes ont vécu à Arles pendant quelques mois en 1888 et ont travaillé ensemble, s’influençant mutuellement.

Thèmes et styles des grands peintres

Dans le post-impressionnisme, de nombreux artistes se sont engagés dans des styles vifs en matière de composition, de couleur et de contenu symbolique. L’accent mis sur l’expressivité signifie que la vie urbaine n’est plus le sujet dominant. Cézanne se consacre surtout aux natures mortes(La table de cuisine, 1889-1890), aux portraits(Madame Cézanne dans le fauteuil jaune, 1888-1890) et aux paysages (La montagne Sainte-Victoire, vers 1905), s’efforçant toujours d’articuler uneorganisation compositionnelle, convaincu que la nature peut être décrite “dans les termes du cylindre, de la sphère, du cône”, c’est-à-dire des composants géométriques les plus simples. En utilisant des plans de couleur pour créer ces formes, il a combiné des parties de figures au premier plan avec des éléments de l’arrière-plan, la surface et la profondeur ensemble. De nombreux historiens de l’art considèrent d’ailleurs Les grandes baigneuses (1900-1906) comme son chef-d’œuvre, dans lequel il utilise cette technique de construction de l’image avec des lignes et des formes géométriques grâce à un mélange dense de couleurs, appliquées avec un couteau à palette plutôt qu’avec un pinceau. Les corps, les arbres et le paysage sont des plans de couleur qui composent une scène pouvant être lue simultanément et consécutivement, sur plus de 2 mètres de long. L’effet visuel des baigneurs, clairement définis dans leurs contours noirs mais se confondant avec les branches des arbres du paysage situé à l’arrière, représente un changement visuel qui annonce l’avenir de la peinture moderniste.

Seurat a développé un style pictural scientifique fait de points et de marques, chacun d’une couleur unique, habilement juxtaposés pour se composer aux yeux du spectateur. La grande toile Un dimanche après-midi sur l’île de la Grande-Jatte (1884-1886) en est un exemple. Seurat y applique la couleur en champs denses de petits points pour imiter l’aspect vif et vibrant de la lumière naturelle, qui est également le résultat de la fusion de diverses couleurs précises. L’un des premiers exemples de réaction artistique au mouvement impressionniste. Vue de près, la peinture apparaît comme presque abstraite, semblable à une broderie. Lorsqu’on l’observe à une distance convenable, elle devient plus nette. Seurat a soigneusement positionné chaque point par rapport aux autres afin de créer l’effet optique désiré. Il cherche ainsi à donner une structure et une rationalité à ce qu’il perçoit comme une désorganisation dans la vision des impressionnistes, bien qu’il s’inspire d’éléments qui leur sont propres, comme le rendu de l’ombre et de la lumière et des sujets tels que les loisirs de la bourgeoisie parisienne(Spectacle du cirque, 1887-1888).

Paul Signac suit de près les traces de Seurat dans ces explorations(Entrée du port de Marseille, 1911) en agrandissant les petits points pour en faire des carrés ou des rectangles de couleur.

Gauguin développe d’autres idées de dépassement de la peinture antérieure avec la théorie du"synthétisme". Selon ses principes, la forme visuelle finale est déterminée par une synthèse de l’apparence extérieure des éléments naturels et des considérations esthétiques que les corps et la nature éveillent en lui. Gauguin rejette l’ombrage, le modelé et la perspective d’un seul point de vue, utilisant la couleur pure, les lignes fortes et la bidimensionnalité plate pour susciter un impact émotionnel viscéral. Recherchant, comme il le disait, un certain degré de liberté spirituelle et de candeur primitive, il a acquis de l’expérience en Bretagne, dans le nord de la France, auprès de communautés religieuses rurales et s’est immergé dans divers paysages des Caraïbes, se formant également aux dernières idées françaises sur la peinture et la théorie des couleurs, qui ont inspiré des œuvres telles que La vision après le sermon (La lutte de Jacob avec l’ange) de 1888. Le tableau dépeint une vision révélatrice de Jacob luttant avec un ange, dans laquelle la foule des fidèles vivant la vision est au premier plan, et la lutte biblique apparaît sur un fond rouge, représentant l’émotion religieuse. Comme le montrent cette œuvre et d’autres comme Le Christ jaune de 1889, le peintre a progressivement expérimenté de nouvelles approches de la couleur, ouvrant la voie à un nouveau style de peinture appelé"symbolisme“. Une nouvelle manière d’appréhender la peinture qui combine l’observation du quotidien et le symbolisme mystique, fortement influencée par les aspects populaires des arts ”primitifs" d’Afrique, d’Asie et de Polynésie française. Lorsque, dans sa dernière période, il commence à peindre des portraits de femmes tahitiennes(Manao Tupapau. L’esprit des morts veille, 1892), il révèle sa capacité à suggérer des significations plus profondes derrière les apparences superficielles de la réalité. Une peinture précisément synthétique qui fonctionne comme une réflexion symbolique, plutôt que simplement documentaire. Le rejet par Gauguin de sa famille européenne, de la société et du monde artistique et urbain parisien pour une vie ailleurs est devenu un modèle pour le rôle de l’artiste mystique et errant(D’où venons-nous? Qui sommes-nous? Où allons-nous?, 1897).

Van Gogh a également incarné le rejet de l’observation optique impressionniste au profit d’une représentation chargée d’émotion qui fait appel au cœur du spectateur en utilisant une application impulsive et gestuelle de la peinture et des couleurs symboliques pour exprimer des émotions subjectives. Il est certainement considéré comme l’un des artistes les plus doués et les plus perturbés émotionnellement de l’ère moderne, bien qu’il ait été sévèrement sous-estimé de son vivant.

Le premier chef-d’œuvre réévalué, Les mangeurs de pommes de terre, de 1885, représentait déjà une aberration à l’époque où il a été peint, en raison de la palette de couleurs ternes et du choix de dépeindre les conditions de vie sordides des paysans, alors que les impressionnistes avaient dominé l’avant-garde parisienne pendant plus d’une décennie avec leurs palettes claires et leurs scènes de richesse bourgeoise. Van Gogh, quant à lui, s’oriente vers des couleurs saturées et des coups de pinceau larges évoquant le tumulte intérieur, sous l’influence de diverses sources, notamment sa passion pour les représentations stylisées des estampes japonaises Ukiyo-e.

En combinant des influences aussi diverses que les coups de pinceau lâches des impressionnistes et les contours forts des gravures sur bois japonaises, Van Gogh est parvenu à un mode d’expression vraiment unique dans ses peintures. En utilisant la technique de l’empâtement, ou de la superposition de peinture humide, il a structuré une surface dans le sens de la profondeur et de la force émotionnelle. Dans son œuvre, les contours sombres et épais et les aplats de couleur se distinguent également. Il reste fidèle à la peinture en tons sombres jusqu’à ce qu’il rencontre Seurat et Signac à Paris, qui l’initient à la doctrine des contrastes complémentaires.

Il réinterprète, avec une touche personnelle reconnaissable, certains genres traditionnels comme la peinture de fleurs, dont la série des Tournesols est célèbre, l’autoportrait, qu’il réalise en grand nombre, et le portrait(Portrait de Joseph Roulin, 1888), sans oublier le paysage(Champ de blé aux corbeaux, 1890), dans lequel les lignes et les textures en relief jouent un rôle fondamental(Nuit étoilée, 1889). Il a exprimé dans ses plus de deux mille œuvres une vision personnelle de la nature, qui implique presque toujours l’intervention et la présence de l’homme. Des maisons, des villages et des champs dans lesquels le travail de l’homme est évident, dont il réussit à rendre figurativement la dignité en tant que travailleur à tous les niveaux. Des paysans(Semeur au coucher du soleil, 1888) aux prostituées, se représentant et dépeignant des personnages dans leurs actions et leurs rôles dans la société, même lorsqu’ils ne sont que des habitués des cafés de nuit(Terrasse du café le soir, place du Forum à Arles, 1888). Le tempérament instable et lunatique de Van Gogh, qui l’a conduit à lier l’art et la vie à l’extrême(Autoportrait à l’oreille bandée, 1889), est devenu le symbole de l’image de l’artiste torturé. L’histoire de son talent incompris a servi d’exemple à de nombreux artistes du 20e siècle.

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