Le Caravage, la vie, l'œuvre, le style et les nouveautés du grand Michelangelo Merisi

Michelangelo Merisi dit Le Caravage (Milan, 1571 - Porto Ercole, 1610) est l’un des plus grands peintres de l’histoire de l’art. Au début de sa carrière, il quitte Milan, sa ville natale, pour s’installer à Rome où il travaille pour le cardinal Francesco Maria del Monte et d’autres importants mécènes. En raison de son tempérament facilement irritable et violent, il fut le protagoniste d’une série d’événements négatifs, dont un meurtre qui, à partir de 1606, l’obligea à quitter Rome et à se déplacer continuellement, en fuite, d’abord à Naples, puis à Malte, ensuite en Sicile et de nouveau à Naples : de là, il partit avec l’espoir de retourner à Rome, mais il tomba malade et mourut sur la plage de Porto Ercole.

Quelle a été la grandeur et l’importance du Caravage dans l’histoire de l’art ? L’historien de l’art Vittorio Sgarbi, qui a consacré de nombreux ouvrages de vulgarisation à l’artiste lombard, affirme dans l’introduction de son livre Il punto di vista del cavallo : Caravaggio (2014, Bompiani editore) que le Caravage est grand "parce qu’il est difficile de croire que ses idées ont été conçues il y a quatre siècles. Tout dans ses tableaux, de la lumière à la coupe de la composition, suggère un art que nous reconnaissons, un ensemble de sensibilités et d’expériences qui ne sont pas celles du XVIIe siècle mais celles de tous les siècles où l’homme a été présent et central ; on peut l’appeler peinture de la réalité, et c’est à cela qu’elle doit son incessante actualité". Ainsi, se trouver devant un tableau du Caravage, c’est s’immerger dans la réalité, car l’artiste a voulu la reproduire de manière totalement mimétique, comme personne avant lui ne l’avait fait.

Dans une certaine mesure, le Caravage anticipe la photographie, née au XIXe siècle mais préfigurée par Michelangelo Merisi dès le début du XVIIe siècle, “refusant, souligne Sgarbi, de représenter la réalité telle qu’elle devrait être, comme une projection de sentiments, d’un Bien et d’un Mal entendus comme des valeurs symboliques”. Le Caravage observe et reproduit la réalité telle qu’elle est, telle que nous la voyons dans une bonne photographie. Qui plus est, il ne s’agit pas d’une photographie au sens d’un portrait posé, mais d’une photographie à la recherche d’une réalité qui nous surprend, de l’instant décisif dont parle un grand photographe comme Henri Cartier-Bresson : la photographie comme attente et capture du moment où la réalité est en train de se déterminer".

Ottavio Leoni, Portrait du Caravage (1615-1620 ; fusain noir et pastels sur papier bleu, 234 x 163 mm ; Florence, Biblioteca Marucelliana)

Biographie du Caravage

Michelangelo Merisi, dit Le Caravage, naît le 29 septembre 1571 à Milan (et non dans le village de Caravaggio, dans la région de Bergame, comme on l’a toujours pensé), de Fermo Merisi et Lucia Aratori (noms qui inspireront plus tard les protagonistes des Promessi Sposi de Manzoni). En raison de la peste qui sévit dans la ville lombarde en 1577, l’artiste et sa famille s’installent dans le village de Caravaggio où le petit Michelangelo passe son enfance. Mais son père et son oncle tombent malades et meurent peu après. À l’âge de treize ans, Michelangelo est envoyé par sa mère dans l’atelier de Simone Peterzano (Venise, 1535 - Milan, 1599), peintre maniériste et élève de Titien Vecellio. Il reste environ quatre ans dans l’atelier de Peterzano, où il a l’occasion d’apprendre les enseignements des peintres lombards et vénitiens. C’est probablement en 1592, peu après la mort de sa mère, que l’artiste décide de quitter la région. Selon Giovan Pietro Bellori, historien de l’art et biographe du baroque italien, son déménagement serait dû à uneaccusation de meurtre à laquelle il voulait échapper, mais nous n’en avons pas la certitude. Bien que l’on pense qu’il se soit immédiatement installé à Rome, selon le témoignage du barbier Pietro Paolo Pellegrino, il est arrivé dans la capitale des années plus tard, en 1597 (il y a donc un écart de cinq ans dans la biographie de l’artiste). Selon le récit de Bellori, le Caravage se rend d’abord à Venise, où il subit les influences stylistiques de Giorgione et du Titien, et ce n’est que plus tard qu’il se rend à Rome.

Dans les milieux romains, il rencontre le peintre sicilien Lorenzo Carli, qui l’accueille et l’engage dans son atelier de la Via della Scrofa. Une fois sa collaboration avec Carli terminée, il fréquente pendant quelques mois l’atelier de Giuseppe Cesari dit Cavalier d’Arpino (Arpino, 1568 - Rome, 1640), l’un des plus grands peintres du maniérisme tardif. Après avoir été renvoyé de l’Ospedale della Consolazione pour cause de maladie, Caravage rencontre en 1597 le cardinal Francesco Maria del Monte qui devient son mécène pendant quelques années.

Au cours de ces années, sa renommée à Rome grandit et sa peinture commence à être connue de la noblesse romaine, créant des remous avec ses innovations radicales, mais obtenant aussi un succès considérable. Grâce aussi à sa collaboration avec le cardinal, il abandonne les petits formats pour se consacrer à des œuvres plus complexes et plus grandes. En 1599, il reçoit la commande de trois tableaux représentant des épisodes de la vision de saint Matthieu (vocation et martyre) destinés à être placés dans la chapelle Contarelli de l’église San Luigi dei Francesi à Rome. Ces tableaux marquent le début de sa carrière artistique et lui permettent d’accéder à des commandes importantes comme la Nativité avec les saints Laurent et François d’Assise

(le tableau, réalisé en 1600, était destiné à Palerme et est aujourd’hui perdu : pour en savoir plus sur l’œuvre, cliquez ici), la Crucifixion de saint Pierre (1600-1601), la Conversion de saint Paul (1601) et Saint-Matthieu et l’ange (1602).

En raison de son caractère irascible, il est dénoncé à plusieurs reprises pour rixes et violences et emprisonné à plusieurs reprises entre 1600 et 1606. En 1606, au cours d’une de ces rixes, le Caravage tue un de ses rivaux, Ranuccio Tommasini da Terni, au cours d’une partie de pallacorda, mais le motif est probablement financier. Le Caravage est condamné à être décapité, un thème récurrent dans ses œuvres futures dans lesquelles il se représente comme l’homme décapité. Après cette terrible condamnation, Caravage s’enfuit à Naples avec l’aide de connaissances telles que Filippo I Colonna. Il s’installe à Naples en 1606 et y reste environ un an. Au cours de cette période, il réalise des œuvres telles que La Flagellation du Christ (1607), Salomé avec la tête du Baptiste (1607), David avec la tête de Goliath (1607), La Crucifixion de saint André (1607) et La Vierge au rosaire (vers 1605). En 1607, il s’installe à Malte dans l’espoir de devenir chevalier et d’obtenir ainsi l’immunité contre la peine de décapitation. L’artiste y peint la Décapitation de saint Jean-Baptiste (1608) et SaintJérôme écrivant (1607-1608). Enfin, le 14 juillet 1608, il reçoit le titre de Chevalier de Grâce. Peu après sa nomination, à la suite d’une nouvelle querelle, il est immédiatement incarcéré à la prison de Sant’Angelo à La Valette dont il parvient à s’échapper en arrivant à Syracuse où il est aidé par son ami Mario Minniti (Syracuse, 1577 - 1640), un peintre sicilien qu’il avait déjà rencontré lors de son séjour à Rome. En Sicile, il poursuit sa production artistique avec la création d’œuvres telles que le Seppellimento di santa Lucia(1608), la Resurrezione di Lazzaro (1609) et l’Adorazione dei pastori(1609).

En 1609, l’artiste retourne à Naples et peint quelques chefs-d’œuvre tels que Saint Jean-Baptiste couché (1610), la Négation de Saint Pierre (1610), Saint Jean-Baptiste (1610) et David avec la tête de Goliath (1610) dans lequel il se représente lui-même à la place de Goliath. Parmi ses dernières œuvres figurent les trois toiles pour l’église Sant’Anna dei Lombardi à Naples, perdues en 1805. Le dernier tableau du Caravage semble être le Martyre de sainte Ursule (1610). Il meurt à l’âge de trente-huit ans à Porto d’Ercole des suites d’une maladie le 18 juillet 1610.

Caravage, Corbeille de fruits (1594-1598 ; huile sur toile, 31 x 47 cm ; Milan, Pinacoteca Ambrosiana)

Caravage, Appel de saint Matthieu (1599-1610 ; huile sur toile, 322 x 340 cm ; Rome, église San Luigi dei Francesi)

Caravage, Nativité avec les saints Laurent et François (1600 ; huile sur toile, 268 x 197 cm ; Palerme, anciennement à l’Oratoire de San Lorenzo, volé en 1969)

Caravage, Judith et Holopherne (1602 ; huile sur toile, 145 x 195 cm ; Rome, Galeries nationales d’art ancien, Palazzo Barberini ; Photo de Mauro Coen)

Caravage, La bonne fortune (1597 ; huile sur toile, 115 x 150 cm ; Rome, Musées du Capitole - Pinacoteca Capitolina)

L’art du Caravage

Malgré la vie agitée du Caravage, un trait de sa personnalité qui fascine le public, sa peinture est l’une des plus novatrices de toute l’histoire de l’art. Tout en s’inspirant d’artistes tels que Titien ou Raphaël, le Caravage est l’un des plus importants représentants du naturalisme, un style basé sur l’étude et la représentation de la réalité. En effet, le peintre lombard dépeint des scènes authentiques, fruit de sa fréquentation de la vie quotidienne. Les protagonistes de ses œuvres sont presque toujours des personnes humbles, presque jamais des modèles professionnels. Grâce à l’utilisation habile de l’ombre et de la lumière, ses tableaux sont chargés d’une atmosphère presque théâtrale qui concentre l’attention uniquement sur les sujets. La plasticité des visages représentés est soulignée par la perfection de son clair-obscur qui met en valeur l’épaisseur et le volume des figures.

Au cours de la première période de sa carrière artistique, il a surtout peint des natures mortes. La plus connue de ces représentations est certainement la Corbeille de fruits (1596), considérée comme la première nature morte de l’histoire de l’art italien : l’unique sujet du tableau est une corbeille de fruits. Sur un fond clair et lumineux, une corbeille remplie de différentes sortes de fruits émerge, représentée dans sa vérité (en effet, elle présente des imperfections naturelles telles que des feuilles mangées par des insectes ou des pommes rongées par les vers). C’est également à cette époque que l’artiste peint le Bacchus malade (1596-1597), probablement un autoportrait de lui-même. C’est au cours de ces années que le peintre a été hospitalisé pour une courte maladie et le tableau semble avoir été exécuté pendant sa convalescence. Le sujet représenté est un Bacchus malade qui révèle sa maladie par son teint pâle et bleuté, illustré de manière naturaliste.

Après s’être lié d’amitié avec le cardinal Francesco Maria del Monte, l’artiste entre dans le cercle des plus importants mécènes romains et reçoit la commande de trois tableaux illustrant les événements de saint Matthieu pour la chapelle Contarelli de l’église San Luigi dei Francesi à Rome. Parmi les compositions, le tableau le plus important est la Vocation de saint Matthieu (1599). La toile montre le moment précis où le Christ appelle Lévi (saint Matthieu) à l’apostolat. La scène se déroule à l’intérieur, alors que Lévi est assis à une table avec d’autres personnes. En raison de l’atmosphère lugubre, l’appel du Christ est accentué par l’unique rayon de lumière, provenant de la fenêtre dans le coin supérieur droit, qui éclaire son visage et le met en valeur. La lumière symbolise ainsi la grâce divine et simplifie la lecture du tableau. Pierre et le Christ, représentés à droite du tableau, désignent Lévi lui-même, qui réagit à son tour avec une expression incrédule et étonnée. À Rome, il reçoit de nombreuses commandes, dont la Conversion de saint Paul (1601). L’œuvre est commandée par Monseigneur Tiberio Cerasi qui lui commande deux toiles représentant la Conversion de saint Paul et la Crucifixion de saint Pierre. Le tableau représente le moment de la vocation de saint Paul, qui tombe de son cheval après avoir été ébloui par la vision du Christ sous la forme d’une lumière qui lui suggère de se convertir et de devenir son témoin. La scène montre trois personnages, saint Paul allongé sur le sol, le cheval au premier plan et un vieil homme sur le côté.

En 1599, l’artiste peint Judith et Holopherne, un tableau commandé pendant son séjour à Rome par Ottavio Costa. La scène du tableau représente le passage biblique de la décapitation d’Holopherne par Judith, qui dans le tableau prend l’apparence de Fillide Melandroni, l’ami du Caravage. Outre les deux protagonistes du côté droit, il y a une troisième figure, une servante âgée qui contraste avec la beauté de Judith. Comme souvent dans les tableaux du maître, l’arrière-plan est sombre et ne semble pas révéler de détails, mais cherche seulement à mettre davantage en valeur les protagonistes de la scène et l’expression de leur visage.

Réfugié à Naples en 1607, il peint la première version de David avec la tête de Goliath . Là encore, la scène est tirée d’un épisode biblique typique dans lequel David, après avoir décapité Goliath, tient la tête dans sa main en signe de victoire et de triomphe. Le visage de l’homme décapité exprime toute la tension et la souffrance qu’il a vécues tandis que David, derrière lui, est représenté avec une expression si fière et orgueilleuse qu’il tient encore la tête du mort dans sa main en signe de victoire. Le thème de la décapitation était cher à l’artiste : il s’est lui-même réfugié à Naples pour éviter la condamnation. Entre 1609 et 1610, l’un de ses derniers tableaux est la deuxième version de David avec la tête de Goliath . Espérant être proclamé chevalier, il s’installe à Malte où il peint l’une de ses trois représentations de Saint Jérôme écrivant (1608). Le tableau, comme son titre l’indique, représente saint Jérôme en train d’écrire à l’intérieur d’une cellule monastique. Il limite les effets picturaux du tableau pour se concentrer uniquement sur la spiritualité de saint Jérôme. De la période maltaise date également sa seule œuvre signée : la Décapitation du Baptiste (lire un compte rendu détaillé de cette peinture ici). De retour à Naples après être passé par la Sicile, il peint le tableau Martyre de sainte Ursule (1610) sur commande du banquier Marcantonio Doria, qui est probablement son dernier tableau.

Caravage, Décapitation du Baptiste (1608 ; huile sur toile, 361 x 520 cm ; La Valette, Co-cathédrale Saint-Jean)

Caravage, David avec la tête de Goliath (1609-1610 ; huile sur toile, 125 x 100 cm ; Rome, Galleria Borghese)

Caravage, Madone des pèlerins (1604-1605 ; huile sur toile, 260 x 150 cm ; Rome, basilique Saint-Augustin ; photo de Giuseppe Schiavinotto, Rome)

Caravage, Salomé avec la tête du Baptiste (1607 ou 1610 ; huile sur toile, 91,5 x 106,7 cm ; Londres, National Gallery)

Où voir les œuvres du Caravage ?

Pour voir les œuvres du Caravage, un voyage à Rome s’impose. Ses œuvres les plus importantes sont exposées dans les plus anciennes églises de Rome, comme l’église Sant’Agostino qui abrite la Madone des Pellegrini (1604) ou l’église San Luigi dei Francesi qui abrite le triptyque des Histoires de saint Matthieu (1600). L’église Santa Maria del Popolo, quant à elle, abrite la Crucifixion de saint Pierre (1600). Toujours à Rome, les œuvres suivantes sont exposées à la Galleria Borghese: Jeune homme à la corbeille de fruits (1593), Bacchus malade (1593), Madone des Palafrenieri (1605-1606), Saint Jérôme (1605-1606), Saint Jean-Baptiste (1610) et David à la tête de Goliath (1610).Judith et Holopherne (1957) se trouve plutôt au Palazzo Barberini, dans la Galerie nationale d’art ancien. Dans les musées du Capitole, en revanche, on peut voir Ragazzo morso da un ramarro (1596-1597).

De sa période napolitaine, seules deux œuvres sont encore visibles dans la ville : Les Sept Œuvres de Miséricorde (1606-1607) conservées au Pio Monte della Misericordia de la Piazza Riaio Sforza et la deuxième version de la Flagellation du Christ (1607-1608) peinte pour l’église de San Domenico Maggiore et aujourd’hui conservée au musée de Capodimonte. En Sicile, ses œuvres sont conservées au musée régional de Messine, qui abrite la Résurrection de Lazare (1609) et l’Adoration des bergers (1609), ainsi qu’au palais Bellomo de Syracuse, qui abrite le Seppellimento di Santa Lucia (1608). En Italie, ses œuvres se trouvent également à la Galerie desOffices où l’on peut admirer Méduse (1595-1598), Le sacrifice d’Isaac (1598) et Bacchus (1595). À Crémone, le Museo Civico ’Ala Ponzone’ abrite le San Francesco . La seule œuvre du Caravage à Milan, sa ville natale, est la Corbeille de fruits, conservée à la Pinacothèque Ambrosienne. À Gênes, au Museo di Palazzo Bianco, se trouve un Ecce Homo , qui a fait l’objet de nombreux débats et qui n’a pas été reconnu par plusieurs spécialistes comme étant une peinture du Caravage.

Les œuvres du Caravage sont également exposées dans certains des plus grands musées internationaux, dont le musée du Louvre à Paris où se trouve l’œuvre Bonne fortune de 1596-1597, le musée du Prado à Madrid qui abrite le tableau David et Goliath (1597-1598). Enfin, si vous vous rendez à Malte, les deux chefs-d’œuvre maltais du peintre sont incontournables à La Valette : Saint Jérôme écrivant et La Décapitation du Baptiste.

Le Caravage, la vie, l'œuvre, le style et les nouveautés du grand Michelangelo Merisi

Avertissement : la traduction en français de l'article original italien a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.