L'expressionnisme. Origine, développement et principaux représentants du mouvement

L’expressionnisme est l’un des principaux courants artistiques du début du XXe siècle et a eu pour centre d’irradiation l’Allemagne dans les années qui ont précédé la Première Guerre mondiale, pour prendre forme dans diverses orientations et groupes d’artistes, notamment autrichiens, français et russes, qui partageaient une utilisation libre et subjective du médium artistique. Dès la dernière décennie du XIXe siècle, des personnalités comme le peintre français Paul Gauguin, le néerlandais Vincentvan Gogh, le belge James Ensor et le norvégien Edvard Munch avaient transformé les principes académiques de l’impressionnisme dans un sens expressionniste, en révolutionnant la composition canonique du tableau et en utilisant la couleur, non plus seulement en fonction du rendu des phénomènes lumineux et atmosphériques, mais comme un instrument privilégié pour exprimer une charge émotionnelle personnelle intense.

Le courant expressionniste s’établit vers 1905-1911, en même temps que le fauvisme français et le cubisme analytique , sous l’impulsion de groupes d’artistes tels que Die Brücke (“Le pont”) et Der Blaue Reiter (“Le cavalier bleu”), dans l’atmosphère de malaise et d’agitation qui précède la guerre. Les épicentres du mouvement étaient quelques villes allemandes telles que Dresde, Munich et Berlin, avant de s’étendre à toute l’Europe. Les expressionnistes allemands du groupe Die Brücke, menés par Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, 1880 - Davos, 1938), Fritz Bleyl (Zwickau, 1880 - Bad Iburg, 1966), Erich Heckel (Döbeln, 1883 - Radolfzell am Bodensee, 1938), et d’autres artistes de l’époque, ont été les premiers à s’intéresser à l’expressionnisme allemand. Radolfzell am Bodensee, 1970) et Karl Schmidt-Rottluff (Rottluff, 1884 - Berlin, 1976), ont fait un usage intense de la couleur et de la ligne dans des scènes urbaines et des portraits souvent grotesques, montrant des sentiments d’aliénation du monde moderne. Alors que le futurisme italien, dans les mêmes années, regardait avec confiance les réalisations techniques de la civilisation occidentale, les expressionnistes allemands se tournaient principalement vers l’intériorité, les angoisses et les espoirs de la société de leur temps.

L’expressionnisme a démontré la nécessité d’explorer le côté intérieur et sombre de la conscience et de l’expressivité humaines et de retrouver des sentiments d’authenticité et de spiritualité apparemment perdus. Il s’affirme avec les membres de Der Blaue Reiter, Vassily Kandinsky (Moscou, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944), Franz Marc (Munich, 1880 - Verdun, 1916), Gabriele Münter (Berlin, 1877 - Murnau am Staffelsee, 1916), et d’autres artistes. Murnau am Staffelsee, 1962) et d’autres, une quête plus mystérieuse et spirituelle qui cherche à communiquer la vie immatérielle de l’homme, anti-naturaliste et anti-figurative qui mènera à l’abstractionnisme.

Origine et développement des groupes expressionnistes en Europe

L’école expressionniste allemande trouve ses racines dans les œuvres de Gauguin, Van Gogh, Ensor et Munch, qui ont chacun développé un style de peinture très personnel entre 1885 et 1900. Ces artistes ont utilisé les possibilités expressives pour explorer des thèmes dramatiques et émotionnels ou simplement pour célébrer la nature avec une intensité hallucinatoire. Détachés de la représentation littérale de la réalité, ils ont confié à la peinture leurs visions et leurs états d’âme les plus subjectifs.

La principale vague de l’expressionnisme s’est manifestée en 1905, lorsqu’un groupe d’étudiants allemands dirigé par Ernst Ludwig Kirchner a formé une association libre appelée Die Brücke (“Le pont”) dans la ville de Dresde. Le groupe comprend Fritz Bleyl, Erich Heckel et Karl Schmidt-Rottluff, des artistes bohèmes en révolte contre la tradition académique qui veulent insuffler à l’art allemand une nouvelle vigueur stylistique par le biais d’une expression hautement libérée et spontanée, mais organisée et partagée. Les premiers membres de Die Brücke sont bientôt rejoints par les Allemands Max Pechstein (Zwickau, 1881 - Berlin, 1955) et Otto Müller (Liebau, 1874 - Breslau, 1930) et le Danois Emil Nolde (Emil Hansen ; Nolde, 1867 - Seebüll, 1956). Influencés par leurs prédécesseurs post-impressionnistes, ils s’intéressent également aux sculptures sur bois africaines et aux œuvres d’artistes du Moyen Âge et de la Renaissance tels qu’Albrecht Dürer ou Matthias Grünewald. Leur peinture mûrit en effet dans des années où les références culturelles changent: l’Europe entière redécouvre les “primitifs”, les arts des peuples lointains, Afrique, Océanie, Amérique du Nord, Extrême-Orient, qui supplantent le classicisme eurocentrique. Ces jeunes artistes, polémistes à l’égard de la société contemporaine, veulent construire un “pont” entre le passé et le présent qui réunirait “tous les éléments révolutionnaires et agités”. Leur nom vient d’une citation du philosophe allemand Friedrich Nietzsche dans Ainsi parlait Zarathoustra (1883-85): “Ce qui est grand dans l’homme, c’est qu’il est un pont et non une fin”.

1906 est l’année où, tandis que le fauvisme triomphe à Paris au Salon des Indépendants (Matisse y expose La gioia di vivere), démontrant un intérêt commun pour l’utilisation intense et passionnée de la couleur, les œuvres du groupe Die Br?cke sont réunies et exposées pour la première fois à Dresde dans la fabrique de lustres de Karl-Max Seifert. À cette occasion, les prémisses idéologiques du mouvement sont précisées dans le tract-manifeste créé par Kirchner selon la technique de la gravure sur bois, qui accompagne l’exposition et résume leur rupture en faveur d’une esthétique plus libre et orientée vers la jeunesse. “Avec foi dans l’évolution, dans une nouvelle génération de créateurs et de connaisseurs”, affirme le manifeste, “nous appelons tous les jeunes à se rassembler. Et en tant que jeunes, qui incarnent l’avenir, nous voulons libérer nos vies et nos membres des pouvoirs les plus anciens et les plus établis. Celui qui donne son impulsion créatrice directement et sincèrement est l’un des nôtres”. Bien que sans programme contraignant, Die Brücke se veut donc une union de forces qui lutte contre la stagnation de l’art au nom de la liberté créatrice de l’artiste.

Par rapport aux Fauves, les Allemands se distinguent par une plus grande angoisse existentielle et un esprit critique à l’égard de la société. Les artistes de Dresde utilisent des formes déformées et des couleurs stridentes et peu naturelles, suivant une esthétique de l’art médiéval allemand dont ils tirent des techniques graphiques telles que la gravure sur bois. Leur élément stylistique fondamental est l’abandon de la recherche de la tridimensionnalité, du faux espace et du faux volume par rapport à l’expérience émotionnelle directe que suscite le monde. De 1907 à 1911, le groupe passe une grande partie de son temps à Dresde, organisant des expositions et utilisant l’atelier de Kirchner comme lieu de rencontre, jusqu’à ce qu’il se dissolve en 1913 en raison des différences artistiques qui sont apparues entre les membres et surtout à la suite du déménagement de certains d’entre eux à Berlin en 1911. En quelques années, Die Brücke est devenu populaire parmi les jeunes artistes, au point d’inspirer d’autres groupes et mouvements d’avant-garde. C’est précisément en 1911 que le groupe Der Blaue Reiter (“Le Cavalier bleu”) se forme à Munich à partir d’une scission de certains membres de la Neue Künstlervereinigung München (Nouvelle association d’artistes). L’événement déclencheur est le refus d’une exposition du tableau Le Jugement dernier (1910) de l’un d’entre eux, Vassily Kandinsky.

Outre le Russe Kandinsky, dont la personnalité est orientée vers la recherche de rythmes purs de formes et de couleurs comme expression d’états d’âme, le groupe comprend les Allemands Franz Marc, Gabriele Münter, August Macke (Meschede, 1887 - Perthes-lès-Hurlus, 1914), les Russes Alexej von Jawlenskij (Toržok, 1864 - Wiesbaden, 1941) et Marianne von Werefkin (Tula, 1860 - Ascona, 1938), ainsi que le Suisse Paul Klee (Münchenbuchsee, 1879 - Muralto, 1940). Cet internationalisme conduit le groupe à organiser plusieurs expositions itinérantes, ce qui en fait une force indispensable à la promotion de la peinture d’avant-garde. Le groupe partageait un penchant pour l’abstraction, le contenu symbolique et l’allusion spirituelle, cherchant à exprimer des aspects émotionnels à travers des représentations structurées aux couleurs vives. Leur nom provient d’une œuvre de Kandinsky de 1903 représentant un cavalier à cheval et des Chevaux bleus peints par Marc en 1911, un motif récurrent dans leur œuvre qui symbolise le passage de la réalité tangible au monde spirituel et sert ainsi de métaphore à la pratique artistique. Pour les autres membres également, cette idée de l’art pictural est devenue centrale pour dépasser la représentation réaliste et plonger dans l’abstraction. Bien que Der Blaue Reiter n’ait pas eu de véritable manifeste, les artistes du groupe ont produit un Almanach, Der Blaue Reiter Almanach, qui a été publié au début de l’année 1912 et qui comprenait plus de 140 œuvres d’art, dont des œuvres de Van Gogh, Cézanne et Gauguin, ainsi que 14 articles et essais théoriques. Le groupe était uni dans ses innovations esthétiques, influencé, pour eux comme pour les artistes de Die Brücke, par les formes d’art médiévales et primitivistes, le fauvisme et le cubisme de l’époque. Cependant, lorsque la Première Guerre mondiale éclate en 1914, Marc et Macke sont enrôlés dans le service militaire allemand et tués peu après, et les membres russes du groupe, Kandinsky entre autres, sont tous contraints au rapatriement. Der Blaue Reiter se dissout peu après.

L’élasticité du courant de l’expressionnisme a fait que de nombreux artistes au-delà des frontières de l’Allemagne ont été identifiés comme expressionnistes, même si les groupes allemands ne se sont jamais désignés comme tels et que le terme a été largement utilisé pour une variété de styles dans les premières années du siècle. Des artistes autrichiens comme Oskar Kokoschka et Egon Schiele se sont inspirés de l’expressionnisme allemand, bien qu’ils soient indépendants d’un groupe organisé. Tous deux cherchent à exprimer la décadence de l’Autriche moderne par des représentations tout aussi expressives du corps humain, avec des lignes sinueuses, des couleurs chargées et des figures déformées, chacun interprétant le courant stylistique de manière individuelle. Comme en France, Georges Rouault, connu pour son expression avec des couleurs intenses et de lourdes couches de peinture, le russo-français Marc Chagall, qui a exposé à Berlin en 1914 et a eu un impact sur les expressionnistes allemands, Chaim Soutine, un Russe à Paris, qui a été l’un des principaux soutiens du développement de l’expressionnisme parisien.

Après la Première Guerre mondiale, cependant, l’expressionnisme a commencé à s’essouffler et à se fragmenter, bien que les réalisations stylistiques aient persisté dans l’entre-deux-guerres, en particulier en Allemagne, où la crise politique et sociale s’est aggravée. Lorsque Hitler prend le pouvoir en 1933, ses victimes, comme des millions de personnes, sont aussi les peintres expressionnistes, allemands et étrangers, pour leur rébellion contre les lois bourgeoises qui restreignent l’autonomie de l’artiste. Leur art est considéré comme "dégénéré“, ils sont eux-mêmes traités comme des ”dégénérés", leurs œuvres sont retirées des musées et des collections. Entre-temps, le courant de la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité) apparaît comme une réponse directe aux principes fortement émotionnels de l’expressionnisme. Mais le courant baptisé par les Allemands au début du XXe siècle, lié aux qualités spontanées, instinctives et hautement émotionnelles de chaque artiste, se manifestera à nouveau bien plus tard dans le XXe siècle avec l’expressionnisme abstrait et le néo-expressionnisme.

Le style des principaux expressionnistes

L’expressionnisme allemand présente deux facettes. Le groupe Die Brücke, qui opère d’abord à Dresde puis à Berlin, est l’une des premières influences des artistes munichois Der Blaue Reiter, mais les représentants des deux groupes poursuivent des objectifs très différents. Reconnaissant l’importance des couleurs franches introduites par les Fauves français, les artistes de Die Brücke utilisent des couleurs intenses et marquées pour renforcer l’expressivité de leurs figures simplifiées. Mais pour Kandinsky et ses artistes, ces mêmes couleurs devaient aller au-delà de la représentation et résonner plus haut dans l’âme humaine. Bien que Der Blaue Reiter soit né de la même aliénation du monde moderne qui avait profondément touché Die Brücke, la réponse n’a pas été de traiter ce sentiment par des représentations troublantes d’une expérience traumatisante, mais de tenter de le transcender par des moyens artistiques abstraits. Les deux groupes ont trouvé leur inspiration dans les formes d’art primitif, mais l’un a introduit un certain niveau d’expressivité brute et angoissée, tandis que l’autre l’a supplanté par des compositions plus harmonieuses de couleurs et de formes non objectives.

Die Brücke utilise dès le départ toute une série de ressources stylistiques: la bidimensionnalité, l’utilisation de couleurs et de contours violents, l’immédiateté “gestuelle” du signe et du coup de pinceau ; ils développent un style reconnaissable à son âpreté, sa hardiesse et son intensité visuelle. Les œuvres présentent des scènes de rue, des paysages naturels et des portraits de sujets contemporains dans des atmosphères chargées et instables. Des images provocantes de la société moderne avec des prostituées modèles et d’autres personnages, des citadins aliénés par l’expérience de la vie urbaine.

Parmi les œuvres les plus marquantes du courant Die Brücke, celles du chef de file Kirchner englobent tous ces motifs: de Marzella (1910), où l’artiste représente un jeune corps nu solitaire, dépeint sans complaisance hédoniste et resserré dans un contour dramatique marqué, à Scène de rue à Berlin (1913), où deux prostituées aux visages masqués dominent le centre de la rue entre des hommes que l’on ne distingue pas. La première œuvre aux larges touches de couleur juxtaposées aux formes synthétisées du corps, où la réalité est présente et reconnaissable, non pas cependant dans son apparence, mais lue par l’artiste, pénétrée au-delà de ce que voit l’œil commun: la représentation d’un modèle adolescent déjà conscient de la tragédie du monde. La seconde, qui fait partie d’une série de scènes de rue berlinoises, où les contours et les formes se confondent presque, soulignant le brassage des personnes et des biens dans un Berlin où, devenu métropole, on peut tout acheter, y compris la disponibilité de ces prostituées, au milieu d’une foule citadine de plus en plus nombreuse et de plus en plus anonyme.

De nombreuses œuvres des représentants de Die Brücke expriment l’agitation et, en général, une sorte d’intensité frénétique des sentiments en réponse aux possibilités et aux contradictions de la modernité. Les qualités formelles de leur art ont sans aucun doute été conditionnées par la vie urbaine, mais aussi par leurs fréquents voyages hors de la ville, dans les lacs et les forêts d’Allemagne. Ils ont peint de nombreux nus, adoptant le naturisme, la philosophie de la nudité sociale introduite par les cercles intellectuels allemands vers la fin du 19e siècle, dans le cadre de leur rejet radical des normes sociales bourgeoises. Corps scabreux dans les intérieurs domestiques des villes et dans la nature. L’un de leurs apports les plus originaux est la réintroduction de la gravure sur bois, qui permet de donner une violence à leur langage délibérément rebelle. Par la juxtaposition brutale des blancs et des noirs dans des formes compactes et simplifiées, c’est l’un des moyens d’expression les plus efficaces et les plus utilisés, dont un excellent exemple se trouve dans les Baigneuses d’ Otto Müller de 1912.

Les œuvres de Der Blaue Reiter constituent le pendantabstrait du style figuratif déformé de Die Brücke. Tout en prêtant attention au primitivisme et à la pratique de la gravure sur bois (Franz Marc, La vache jaune, 1911 ; couverture de l’Almanach Der Blaue Reiter, 1911-1912), l’innovation de leur peinture réside dans l’idée que les couleurs et les formes conduisent à un contact avec les valeurs spirituelles. Cela se comprend par l’adjectif “bleu”, qui renvoie à la conviction de Kandinsky et de Marc que le bleu, avec ses nuances, est la couleur qui symbolise le mieux la capacité à dépasser la condition terrestre.

Ils utilisent des couleurs non pas naturalistes, comme dans Die Brücke, mais avec des effets résolument plus lyriques et évocateurs, chacun interprétant les formes avec son propre regard, comme une rébellion subjective contre la réalité. Un premier exemple total se trouve dans l’œuvre de Kandinsky, l’Église de Murnau de 1909, qui semble exprimer un sentiment dominant de mystère et de silence, faisant allusion à l’église de Murnau en Bavière sans vraiment en décrire les détails. Lorsque Kandinsky écrit en 1910 le traité Le spirituel dans l’art, publié fin 1911 et traduit de l’original allemand en français et en anglais, il s’impose comme un théoricien révolutionnaire de l’art. Pour Kandinsky, la mission de l’artiste moderne est d’amener le spectateur à une transcendance spirituelle grâce à son expression abstraite, ou non objective, fondée sur la connaissance de l’effet de l’œuvre non seulement sur l’œil, mais aussi sur l’âme, un principe qu’il appelle “nécessité intérieure”. La suggestion la plus décisive de Kandinsky a été de démêler les liens entre les composantes visuelles et les éléments extra-visuels sans manifestation tangible ou figurative, tels que l’émotion, la pensée, l’abstrait par excellence.

À la recherche d’un langage pour exprimer leur approche abstraite, les artistes du groupe dirigé par Kandinsky ont établi des parallèles entre la peinture et la musique, nommant souvent leurs œuvres “compositions”, “improvisations” et “études”, tirées de la terminologie musicale, explorant la synesthésie, en tant qu’association entre les sens dans la perception de la couleur, du son et d’autres stimuli. Créée à l’époque où il travaillait pour Der Blaue Reiter, Composition VII (1913) est largement considérée comme l’un des plus grands chefs-d’œuvre de Kandinsky. Il s’agit de sa plus grande peinture à l’huile sur toile, mesurant deux mètres sur trois, et présentant un éventail de couleurs et de formes qui ne composent pas des images immédiatement reconnaissables, mais profondément évocatrices. Le peintre définissait ses abstractions picturales comme des “visions intérieures” dont la forme et la structure sont similaires à celles d’une symphonie.

Parmi d’autres, l’artiste Paul Klee, musicien et dessinateur expérimental, a lancé une exploration coloristique révolutionnaire dans sa période Der Blaue Reiter. Inspiré par les écrits de Kandinsky, il dépasse ses premières œuvres en noir et blanc et se consacre à une étude intense de la couleur et de l’abstraction(Dans le style de Kairouan, 1914) qui fait de lui un membre central du groupe. Si certains artistes rejettent l’expressionnisme après ces expériences, d’autres continueront à développer ses innovations stylistiques.

L'expressionnisme. Origine, développement et principaux représentants du mouvement

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