L'aube de la Renaissance à Florence : origines, développement, style

Utilisé pour la première fois en 1855 par Jules Michelet, le terme Renaissance s’est imposé, notamment grâce à l’ouvrage le plus connu de Jacob Burckhardt, La civilisation de la Renaissance en Italie (1860), pour désigner la période de “rupture” avec la tradition gothique apparue en Italie, et en particulier à Florence, au début du XVe siècle. La rupture n’a cependant pas été aussi marquée, car pendant plusieurs années, les tendances gothiques et de la Renaissance ont coexisté. Aujourd’hui, la civilisation de la Renaissance est davantage considérée comme une continuation et une évolution (bien que marquée et animée par des principes et des modèles différents) de la civilisation médiévale que comme un point de rupture irrémédiable.

L’une des principales tendances de la Renaissance est la redécouverte de l’antiquité classique, qui imprègne déjà une partie de l’art gothique (en particulier la sculpture), mais avec des différences substantielles. Par ailleurs, la récupération de l’art classique à la Renaissance a été totale: les formes, les contenus, les modes, les symboles et les techniques de l’art antique ont été imités et pratiqués par les artistes de la Renaissance. Deuxièmement, l’art ancien est considéré comme une occasion d’étudier la modernité et d’observer les règles: en sculpture, par exemple, l’art ancien est le point de départ de l’étude des figures, des corps, de l’anatomie. De plus, la naissance de la perspective scientifique, dont les canons ont été élaborés par un architecte, Filippo Brunelleschi (Florence, 1377 - 1446), est intervenue après une longue étude par ce dernier de l’architecture antique. Troisièmement, le classicisme de la Renaissance est perçu comme une manière de représenter l’homme dans sa réalité.

Naissance de la Renaissance à Florence

Pourquoi Florence est-elle le lieu où l’on peut dire que la Renaissance est née ? À Florence, et en Toscane en général, la redécouverte de l’Antiquité avait déjà jeté ses bases deux siècles auparavant, à travers l’œuvre de sculpteurs et d’hommes de lettres(Dante Alighieri et Francesco Petrarch avaient en effet initié l’étude de la littérature antique) pour trouver son aboutissement avec l’œuvre des humanistes, tels que Coluccio Salutati et Leonardo Bruni, qui donnèrent à Florence un élan considérable à l’étude des sources classiques. De plus, Florence n’est pas, au début du XVe siècle, dominée par une seigneurie ou une cour qui dicte les goûts, mais possède une forme républicaine de gouvernement qui favorise l’essor d’une bourgeoisie riche et puissante qui finance et protège les artistes. En conséquence, les mécènes et les patrons sont souvent en concurrence les uns avec les autres, et cette concurrence donne lieu à une saine rivalité entre les artistes qui tentent de proposer de nouveaux schémas et modèles (même s’ils ne sont pas toujours bien compris par un mécénat encore culturellement lié aux caractéristiques stylistiques du gothique tardif). C’est de cette bourgeoisie qu’émergeront plus tard les Médicis qui, en 1434, avec Cosimo l’Ancien, “s’empareront” de la ville, établissant de facto une seigneurie qui ne manquera pas d’encourager les arts, et même d’en favoriser le développement. Tels sont, en substance, les facteurs qui ont permis à Florence de jouer un rôle de premier plan dans le processus qui a donné naissance à la Renaissance telle que nous la concevons aujourd’hui.

Nous avons parlé de Filippo Brunelleschi, le “père” de la Renaissance en architecture : c’est lui, comme nous l’avons dit, qui a sanctionné la naissance de la perspective scientifique, la plus grande innovation qui a séparé l’art gothique de l’art de la Renaissance, et il a créé une série d’édifices directement inspirés de l’art classique. Le plus célèbre d’entre eux est sans aucun doute la coupole du Dôme de Santa Maria del Fiore à Florence(pour en savoir plus sur la coupole, cliquez ici), qui trouve son origine dans le Panthéon de Rome. Le premier artiste à appliquer la perspective scientifique de Brunelleschi en peinture (par exemple dans la Trinité, 1425-1427, Florence, Santa Maria Novella) est Tommaso di Mone Cassai, plus connu sous le nom de Masaccio (San Giovanni Valdarno, 1401 - Rome, 1428), qui, malgré sa très courte parabole (il est mort à seulement vingt-sept ans), est considéré comme le “père” de la Renaissance en peinture. Sa nouveauté a été telle qu’elle a influencé toute une génération d’artistes, et c’est lui qui a marqué la séparation entre l’art gothique et l’art de la Renaissance en peinture, s’assurant ainsi un rôle de premier plan dans toute l’histoire de l’art occidental. Ce rôle, en sculpture, revient plutôt à Donato de’ Bardi plus connu sous le nom de Donatello (Florence, 1386 - 1466) : le détachement de la sculpture gothique coïncide chez Donatello avec la représentation de la réalité naturelle, apprise à travers l’étude de l’art antique. Si Brunelleschi et Masaccio adoptent un point de vue “scientifique”, qui est l’une des âmes de la Renaissance, Donatello aborde l’art avec l’autre âme de la Renaissance, celle du naturel. L’étude de l’anatomie par le sculpteur florentin et la gamme d’expressions qu’il réussit à donner à ses œuvres ne font plus partie du répertoire de l’art depuis l’antiquité, et ces résultats sont obtenus même dans les œuvres que Donatello réalise à côté de celles d’origine classique (comme le Monument à Gattamelata à Padoue, réalisé entre 1445 et 1453), ou celles qui s’éloignent des instances les plus classiques de la Renaissance (comme la Madeleine du Museo dell’Opera del Duomo à Florence, vers 1453-1455 : lire un article sur l’œuvre ici), qui s’inscrivent pourtant légitimement dans la modernité en raison de leur réalisme intense et presque extrême.

Artistes “transitoires” : Lorenzo Ghiberti, Beato Angelico

À côté des trois “pères” de la Renaissance, apparaissent les figures d’un certain nombre d’artistes qui, formés dans le style gothique tardif, donnent immédiatement à leurs œuvres d’art l’empreinte de la Renaissance. Les principaux noms sont ceux de Lorenzo Ghiberti (Florence, v. 1380 - 1455) pour la sculpture et de Beato Angelico (Florence, v. 1395 - Rome 1455) pour la peinture. Plus âgé que Donatello et Masaccio respectivement, le premier a voulu donner une tournure Renaissance à son art encore caractérisé par l’élégance et la préciosité du gothique tardif. Le point culminant de ce processus de modernisation se trouve dans les reliefs des Portes du Paradis (1425-1452) du Baptistère de Florence (mais les panneaux originaux se trouvent au Museo dell’Opera del Duomo à Florence), où le sculpteur applique, d’une part, la perspective scientifique de Brunelleschi (1425-1452) et, d’autre part, le style de l’artiste (1425-1453), en s’inspirant du style de la Renaissance. la perspective scientifique de Brunelleschi (il concourt avec Brunelleschi en 1401 dans le célèbre concours pour la porte nord du Baptistère, considéré comme l’un des moments fondateurs de la Renaissance, mais surpasse son rival avec une composition stylistiquement plus en retrait que celle de l’architecte) et, d’autre part, le stiacciato inventé par Donatello. Le stiacciato est une technique qui donnait une impression de profondeur aux reliefs en diminuant le débordement du relief par rapport à l’arrière-plan au fur et à mesure que le sujet s’éloigne du point de vue du spectateur.

Guido di Pietro, devenu Fra’ Giovanni da Fiesole et connu aujourd’hui sous le nom de Beato Angelico, a suivi un parcours similaire : il a d’abord été un peintre du gothique tardif, formé sur les exemples de Gherardo Starnina et de Lorenzo Monaco, mais au contact de Masaccio, son art a radicalement changé et il a su fusionner le plasticisme vigoureux de la matrice de Masaccio (ainsi que l’application de la perspective scientifique à la peinture) avec la délicatesse du colorisme et l’élégance typiques du gothique tardif. En outre, Beato Angelico se pose en innovateur d’iconographies enracinées depuis des siècles : c’est lui, par exemple, qui élimine le fond d’or des polyptyques, comme on peut le voir dans le Retable de Saint-Marc (vers 1440, Florence, Museo Nazionale di San Marco).

Le fait que le climat propice au développement de la Renaissance ait été créé à Florence n’a pas pour autant permis aux trois artistes à l’origine des innovations de connaître un grand succès, et la cause en est avant tout le manque d’ouverture à la nouveauté de la part des mécènes : Masaccio ne travaille pas pour des mécènes prestigieux (son seul grand mécène à Florence est le marchand Felice Brancacci), Donatello doit travailler un temps à Padoue, Brunelleschi perd le concours de 1401, remporté par Ghiberti, parce que les mécènes ne sont pas encore “prêts” pour la charge novatrice de son œuvre, et voit certains projets refusés. Et Beato Angelico lui-même a dû proposer progressivement les nouveautés de son art à ses mécènes encore attachés aux caractéristiques stylistiques du gothique tardif. Il ne faut pas oublier, par exemple, qu’en 1423, sept bonnes années après la réalisation du San Giorgio Renaissance de Donatello (Florence, musée du Bargello) et alors que Masaccio est occupé à la chapelle Brancacci, Gentile da Fabriano réalise son chef-d’œuvre, l’Adoration des Mages, l’un des sommets du gothique international.

L'aube de la Renaissance à Florence : origines, développement, style

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