L'art informel. Histoire, styles, artistes

Dans les années 1940 et 1950, après la Seconde Guerre mondiale, l’art international s’est caractérisé par un nouveau courant esthétique, l’Art Informel, qui s’est exprimé par diverses tendances, principalement non figuratives, destinées à influencer les développements ultérieurs de l’art contemporain des années 1960 à nos jours. Le critique Michel Tapié (Senouillac, 1909 - Courbevoie, 1987) a été le premier à étudier et à regrouper ces tendances sous le terme “Art Informel”. L’art informel concerne principalement la peinture dont la pratique, éloignée de tous les schémas du passé, se concentre sur le geste, le signe et la matière, mis en œuvre par l’artiste de manière expressive. À travers l’acte de peindre lui-même, la technique, les couleurs et les matériaux sur la toile deviennent plus déterminants, la théorie et le contenu le sont moins.

En réponse aux atrocités et aux traumatismes de la guerre, les artistes d’Europe, des États-Unis et du Japon ont réagi aux conventions picturales antérieures, qu’il s’agisse des œuvres naturalistes et figuratives traditionnelles ou du style géométrique qui caractérisait l’abstractionnisme du début du XXe siècle, pour adopter une nouvelle façon de concevoir la peinture : réalisée sans composition de formes, avec des techniques nouvelles et une spontanéité et une irrationalité influencées par le surréalisme. La voie des résultats informels avait également été ouverte par les expériences du dadaïsme et de l’expressionnisme européens.

Comme le décrit Tapié, il s’agissait d’une série de styles et d’artistes qui ne cherchaient pas à faire partie d’un mouvement mais “quelque chose de beaucoup plus rare, en tant qu’individus authentiques”. L’Art Informel décrit donc le climat culturel et artistique de la société internationale du milieu du siècle, et rassemble une intéressante diversité d’expressions sans règles ni modèles constitués, ce qui rend sa définition large et ouverte ; il englobe tout, de l’Art Brut à la Peinture Matérielle, du Tachisme à l’Abstraction Lyrique, qui convergent dans l’Expressionnisme Abstrait Américain, jusqu’aux expérimentations des groupes CoBrA et Gutai.

Les représentants de ce courant sont nombreux à en souligner les multiples solutions, parmi les plus représentatives : Jean Fautrier (Paris, 1898 - Châtenay-Malabry, 1964) et Jean Dubuffet (Le Havre, 1901 - Paris, 1985), Georges Mathieu (Boulogne-sur-Mer, 1921 - Boulogne-Billancourt, 2012), Hans Hartung (Leipzig, 1904 - Antibes, 1989) et Wolstein (Leipzig, 1921 - Antibes, 1989). Antibes, 1989) et Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze ; Berlin, 1913 - Paris, 1951), Antoni Tàpies (Barcelone, 1923 - 2012), Asger Jorn (Vejrum, 1914 - Aarhus, 1973), Dubetuff (Le Havre, 1901 - Paris, 1985), Georges Mathieu (Boulogne-sur-Mer, 1921 - Boulogne-Billancourt, 2012). Aarhus, 1973), Karel Appel (Amsterdam, 1921 - Zurich, 2006), Jackson Pollock (Cody, 1912 - Long Island, 1956) et Willem de Kooning (Rotterdam, 1904 - New York, 1997). New York, 1997), les Italiens Alberto Burri (Città di Castello, 1915 - Nice, 1995), Emilio Vedova (Venise, 1919 - 2006), Giuseppe Capogrossi (Rome, 1900 - Rome, 1972), entre autres.

Origine et développement de l’informel

Officiellement consacré à Paris par les deux expositions Vehémences confrontées et Signification de l’Informel en 1951-1952, l’art informel a connu des années auparavant ses premiers représentants avec les artistes français Jean Fautrier et Jean Dubuffet et l’Allemand Hans Hofmann, actif aux États-Unis. Dubuffet, promoteur de l’Art Brut, et Tapié s’étaient rencontrés au milieu des années 1940 et avaient visité ensemble l’exposition de Fautrier, Les Otages, en 1945 à la Galerie René Drouin à Paris, qui avait fasciné la communauté intellectuelle et suscité l’engagement de Tapié dans la promotion de ce nouvel Art autre.

Les œuvres de Fautrier, réalisées au cours des deux années précédant l’exposition, pendant la guerre, sont d’une expressivité nouvelle et radicale, décrivant dans un style très personnel les atrocités que les soldats allemands font subir aux prisonniers (les otages, en fait) dans une cour de prison que l’artiste pouvait observer depuis l’hôpital psychiatrique voisin où il s’était réfugié en tant que partisan antinazi. L’homme politique et écrivain André Malraux a qualifié ces œuvres de “plus beau monument aux morts de la Seconde Guerre mondiale”. Pour exprimer sa vision intérieure de l’horreur, Fautrier avait commencé à utiliser des empâtements terreux et rugueux sur la toile, composant des formes abstraites avec des gestes évidents. Ces toiles incarnent les principes de l’Art Informel, qui interprète ainsi le traumatisme et le malaise existentiel de l’Europe d’après-guerre.

Dans les années qui suivent, Tapié commence à organiser des expositions et à rédiger des catalogues, comme il le fera tout au long de sa carrière. En 1947, il devient consultant pour la galerie Drouin et soutient le lancement de l’"Abstractionlyrique" de Georges Mathieu. Mathieu, quant à lui, est extrêmement fasciné par les œuvres du peintre Wols, qui présente son style connu sous le nom de“Tachisme”, et l’invite à participer à la première de ses “expositions de combat”, avec laquelle il veut affirmer que la nouvelle forme de peinture “n’a rien à voir avec ce qui continue à être exposé comme contemporain”. Pour Mathieu, les œuvres et les toiles sont de “véritables champs de bataille” que le peintre aborde “avec le même élan et la même fureur qu’un vrai combat”.

En 1948, l’artiste danois Asger Jorn organise le groupe CoBrA avec Carl-Henning Pederson, Pierre Alechsinky, Corneille Beverloo, Karel Appel et l’écrivain Christian Dotremont, qui lui donne le nom dérivé des premières lettres des villes d’origine des fondateurs, Copenhague - Bruxelles - Amsterdam. Les idéaux du groupe sont nés en réaction aux blessures de la Seconde Guerre mondiale, liés à “un art de l’immédiateté”, expression de l’inconscient et des pulsions enfantines, coïncidant avec les objectifs globaux d’Art Informel. Nombre de ces artistes s’installent à Paris et y rencontrent Tapié, qui, voyant dans leurs œuvres des exemples d’un art nouveau et différent, commence à promouvoir également leur travail.

Au début des années 1950, Dubuffet et Jorn avaient entamé leur quête personnelle vers l’abstraction, conscients des innovations outre-Atlantique des Américains Jackson Pollock, Willem de Kooning et d’autres. Grâce à Tapié, la première exposition personnelle de Pollock lui-même a lieu au Studio Paul Fachetti à Paris en 1951, et en 1952 a lieu l’exposition collective “Un art autre” qui, avec une publication du même titre, fait le point sur les tendances de l’art de l’après-guerre et constitue la base de cette nouvelle évolution esthétique internationale. Les œuvres d’artistes français et de CoBrA, entre autres, ont été réunies à cette occasion.

Parallèlement, aux États-Unis, comme nous l’avons mentionné, le courant des expressionnistes abstraits s’était établi au milieu des années 1940, une génération d’artistes vivant principalement à New York, suivis par les critiques Harold Rosenberg et Clement Greenberg qui vantaient l’identité américaine de leur nouveau phénomène de peinture non-figurative. L’art informel européen a rapidement été défini aux États-Unis comme l’expressionnisme abstrait, se déclinant en deux grands courants picturaux, celui de l’“Action Painting” , auquel appartiennent notamment Pollock, de Kooning et Franz Kline, et celui de la“Colour Field Painting”, auquel appartiennent les œuvres de Mark Rothko, Clyfford Still et Barnett Newman.

Parallèlement, fortement influencé par l’expressionnisme abstrait, se forme en 1954 le groupe japonais Gutai Art Association, dirigé par Jiro Yoshihara, composé d’une vingtaine de jeunes artistes d’Osaka, unis à leurs collègues internationaux par le désir de créer une nouvelle imagerie dans le vide laissé par les atrocités de la guerre et les conséquences de la bombe atomique.

Tapié soutient alors les Gutai, considérant leur proposition artistique “libre du formalisme conventionnel, appelant à quelque chose de frais et de nouveau-né” et les implique, à commencer par le travail de Jiro Yoshihara, dans les expositions Sekai konnichi no bijutsuten (Exposition d’art contemporain mondial) dans le grand magasin Takashimaya à Tokyo en 1956-1957, qui seront les premières à montrer l’art informel à Tokyo. la première à montrer l’art informel au Japon à travers dix-sept œuvres de la collection personnelle de Tapié et dans d’autres en 1958, dont l’exposition à la Martha Jackson Gallery de New York, qui est la première du groupe hors du Japon.

Entre-temps, le critique français avait atterri à Turin, en Italie, en 1956, où il rencontra la ferveur de nombreux peintres, parmi lesquels Emilio Vedova, Giuseppe Capogrossi et le révolutionnaire Alberto Burri, ainsi que de nombreux autres acteurs importants de l’art informel italien, furent significatifs de cette saison. Tapié choisit de rester dans la capitale du Piémont et organise en 1959 et 1962 deux grandes expositions, la première “Arte Nuova” et la seconde “Structures et Style”, avec lesquelles il fait le point sur la peinture européenne, américaine et japonaise de la fin de la décennie. Au début des années 1960, en effet, l’Art Informel, alors que la société avait laissé derrière elle la période de l’après-guerre, était sur le point d’être dépassé par des impulsions artistiques ultérieures, également dans le domaine de la peinture, bien que de nombreux artistes adhérents aient continué à produire des œuvres influentes.

Alors que Tapié fonde l’ICAR (International Center of Aesthetic Research) à Turin, la capitale de l’art contemporain de Paris est devenue New York. À l’ICAR, il continue de promouvoir les œuvres d’artistes italiens et turinois aux côtés d’artistes tels que Dubuffet, Hofmann, Tàpies, Pollock et les Gutai, dans un important dialogue d’échange international. Tapié est à l’origine de la renommée internationale d’artistes novateurs tels que Lucio Fontana.

Styles et tendances de la peinture informelle

Comme nous l’avons dit, le mouvement informel n’était pas un mouvement artistique homogène et présentait même des tendances opposées, chaque artiste s’exprimant de la manière la plus libre, la plus spontanée et la plus expressive possible pour lui-même. C’est une voie qui, dans l’après-guerre, a déterminé que l’art devait repartir de l’individu, de la relation unique de l’auteur avec son œuvre, partagée par les écrivains et les intellectuels du courant philosophique de l’existentialisme européen. Malgré des différences stylistiques, de nombreux artistes ont abordé les thèmes de la guerre, de la souffrance et du traumatisme, de l’irrationalité et de la liberté, pour tenter de faire face aux événements historiques et de réinventer une nouvelle voie, de façonner une nouvelle société.

Dans la peinture devenue “informelle”, sans figures reconnaissables, sans perspective ni géométrie, on peut identifier au moins trois courants que les principaux protagonistes ont en commun : l’informel gestuel, l’informel gestuel et l’informel matériel. Le premier, l’action painting, pour lequel l’œuvre correspond à l’acte de peindre lui-même et va au-delà de la peinture exécutée, où la couleur est donnée à la toile avec des gestes instinctifs, non canoniques et avec l’artiste en mouvement par rapport au support ; dans toutes ses déclinaisons, il est largement basé sur l’abstraction de gestes qui contenaient souvent des histoires personnelles et des intentions différentes. Des explorations existentielles des expressionnistes abstraits américains aux “combats” de Georges Mathieu ou aux dessins d’Asger Jorn, la peinture gestuelle a cependant permis aux artistes d’embrasser la spontanéité. Le groupe gestuel a pour protagoniste américain Jackson Pollock et sa technique du " dripping ", c’est-à-dire l’application de gouttes de couleur sur de grandes toiles étalées sous lui qui, comme d’autres, travaillait debout. En Europe, l’un des principaux artistes est Wols, le principal pionnier du tachisme ( tache ), dont la peinture est basée sur l’application de la couleur par plaques, en utilisant du pigment directement à partir d’un tube. Wols avait créé son propre langage pictural en utilisant la peinture de manière innovante et non traditionnelle, “de minces glacis de couleur, des bouillies croustillantes, des pigments éclaboussés et versés, des coulées directes de peinture liquide, des bords grattés, des grattages au dos et des coups de pinceau, même des marques faites avec les embouchures circulaires des tubes de peinture”. Souvent comparées à Jackson Pollock, les peintures de Wols sont plus petites et plus contrôlées que les peintures au goutte-à-goutte de Pollock.

Parmi les Cobras, avec Jorn, le traitement de la peinture par Karel Appel suggère la caractéristique fondamentale de cette approche informelle, la spontanéité comme dans les dessins d’enfants, de malades mentaux et dans l’art populaire, une expression colorée de l’intensité émotionnelle.

Parmi les nombreux artistes de l’informel gestuel, on trouve l’Italien Emilio Vedova, qui peint presque violemment sur de grandes surfaces assemblées.

D’autres artistes encore ont utilisé des motifs et des signes récurrents, par opposition aux coulures ou aux taches, comme éléments graphiques reconnaissables mais sans signification spécifique, créant de nouveaux alphabets visuels indéchiffrables et non conceptuels dans lesquels la composante calligraphique est évidente. Écrire sur la toile comme sur une feuille de papier non conventionnelle avec des touches de couleur ou d’encre.

Parmi les artistes les plus importants de la peinture gestuelle, on trouve Wols, Georges Mathieu, l’un des peintres les plus célèbres et les plus prospères de France, qui a ouvert la voie à l’abstraction lyrique, Hans Hartung et, entre autres, l’Italien Giuseppe Capogrossi.

L’approche calligraphique de Mathieu a marqué l’école et l’accent mis sur la rapidité d’exécution était une manière de se connecter à une expression intuitive immédiate : aucune forme ou référence préexistante, des mouvements non planifiés par l’artiste, presque dans un état d’extase : une peinture libre avec un effet “lyrique”, utilisant souvent des couleurs riches, évoquant le monde naturel et une sorte d’équilibre dans les images créées.

La peinture matérielle , en revanche, et c’est la tendance la plus visible en Europe, est exécutée à partir de la couleur avec des matériaux hétérogènes et inhabituels, allant de mélanges spéciaux à de véritables inserts tridimensionnels, à la disposition de l’artiste au moment de la création.

Le véritable changement apporté par les peintres matiéristes a été de dépasser la forme en appliquant, comme cela n’avait pas été fait avant eux, des matériaux pauvres tels que la poussière et le sable, les pierres, le papier journal et le tissu ou le verre, à d’autres novateurs pour l’époque, tels que les matières plastiques.

Le Matiérisme s’impose au début des années 1940 et compte parmi ses grands interprètes Jean Dubufett qui, à l’instar des surfaces peintes épaisses de Fautrier, travaille sur des"hautes pâtes", car il utilise un mélange dense dans lequel il incorpore diverses choses, dont de la terre et du ciment ou de l’asphalte. Grâce à cette technique, la toile plate se transforme en une surface tactile en relief qui s’étend dans l’espace.

C’est dans cette direction qu’ont travaillé l’Espagnol Antoni Tàpies et, en Italie, Alberto Burri, qui a commencé à peindre pendant la Seconde Guerre mondiale avec des outils de fortune dans un camp de prisonniers au Texas, puis s’est imposé, laissant de côté les pinceaux, avec des tableaux réalisés à partir de sacs de chanvre présentant des déchirures, des coutures, des taches, des brûlures, et à partir de la juxtaposition de ce qu’il ramassait aussi dans les ordures. “Si je n’ai pas un matériau, j’en utilise un autre”, dit l’artiste, qui intègre dans ses compositions du bois brûlé, de la tôle et du plastique. Ses œuvres ne peuvent donc plus être classées dans les catégories traditionnelles de la peinture ou de la sculpture.

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