Joan Miró : la vie, l'œuvre et le style de l'artiste surréaliste catalan

Joan Miró i Ferrà (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983) a été l’un des auteurs les plus importants de tout le XXe siècle et a consacré sa carrière à une expérimentation artistique continue. Son histoire a souvent été comparée à l’avant-garde surréaliste, dont il a fait partie de 1924 à 1929. Cependant, Miró a rompu avec le mouvement après seulement quelques années, en raison du schématisme rigide imposé par le théoricien le plus important de l’association : André Robert Breton (Tinchebray, 1896 - Paris, 1966). L’imposition d’un style contrastait fortement avec l’expérimentation continue de Joan Miró dans les domaines techniques et stylistiques.

L’imagination artistique de Joan Miró s’est nourrie d’influences diverses, à commencer par les plus anciennes, comme les peintures rupestres primitives, les œuvres africaines et catholiques catalanes. Parmi ses modèles figurent également les peintures des grands maîtres nordiques du XVe siècle, comme Hieronymus Bosch (’s-Hertogenbosch, 1453 - 1516) et les œuvres plus modernes de l’expressionniste Edvard Munch (Løten, 1863 - Oslo, 1944). Mais ses deux plus grandes sources d’inspiration sont les œuvres et les théories de ses collègues surréalistes et celles du grand maître Pablo Picasso ( Malaga, 1881 - Mougins, 1973). Joan a utilisé ces modèles pour créer son style, caractérisé par un fort spiritualisme et une recherche incessante d’un langage universellement compréhensible.

La vie de Joan Miró

Joan Miró i Ferrà est né à Barcelone du mariage de l’orfèvre Miquel Miró Adzerias et de Dolores Ferrà i Oromí. Après un bref apprentissage comme employé de bureau, Miró s’inscrit à l’académie privée de Francisco Galí (Barcelone, 1880 - 1965) à Barcelone. Ce dernier est un maître novateur qui aide Miró à développer les principes de base de sa peinture, tels que la perception intuitive des formes et une sensibilité extraordinaire.

Plus tard, Joan s’inscrit à l’Académie libre de dessin du Cercle artistiquede Sant Lluc à Barcelone. Dans la ville catalane, Miró fait la connaissance d’autres jeunes artistes et des œuvres de certains des plus grands maîtres européens. L’une des occasions les plus importantes fut l’exposition organisée à Barcelone en 1916 par le galeriste français Ambroise Vollard (Saint-Denis, 1866 - Versailles, 1939), où furent exposés quelques-uns des chefs-d’œuvre de Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890) et de l’avant-garde expressionniste des Fauves. Lors de cette exposition, le jeune Joan est impressionné par l’expressivité accentuée des œuvres. C’est également au cours de ces années que Miró entre en contact avec l’avant-garde artistique Dada, dont il admire la volonté de rompre avec la tradition et d’initier une recherche artistique en constante évolution.

En 1919, Joan Miró s’installe pour la première fois à Paris, où il découvre un environnement entre innovation et tradition. Dans la capitale française, le jeune Catalan passe ses journées à discuter avec Pablo Picasso et à étudier les chefs-d’œuvre anciens du Louvre.

La rencontre la plus importante de son séjour à Paris est celle de l’avant-garde surréaliste et de ses représentants. La relation entre le surréalisme et Miró est très particulière, car l’artiste catalan n’a jamais adhéré pleinement au mouvement, mais est toujours resté à ses côtés et en partie autonome. Parmi les pierres angulaires du mouvement, Joan s’approprie celle de l’automatisme psychique, c’est-à-dire la transcription en peinture de ses propres pensées, sans le filtre de la raison. En 1925, Joan Miró participe à sa première exposition surréaliste à la galerie Pierra, qui connaît un succès considérable.

Cependant, à la suite d’une série de conflits idéologiques, Miró décide de quitter le mouvement surréaliste en 1929, bien qu’il ne s’en détache jamais complètement, du moins sur le plan idéologique.

Le 12 octobre 1929, Joan Miró épouse Pilar Juncosa à Palma de Majorque et tous deux s’installent à Paris, où l’artiste entame une importante phase d’expérimentation technique. En effet, au cours de ces années, Joan crée de nombreux collages et constructions, avec lesquels il initie le"meurtre de la peinture“ en signe de rébellion contre les techniques picturales traditionnelles. Par ”meurtre de la peinture", Miró entendait le désir de dépasser la technique traditionnelle de la peinture à l’huile pour rechercher de nouvelles méthodes en réponse aux besoins contemporains.

Le début des années 1930 est une période faste pour l’artiste catalan, qui donne naissance à sa fille María Dolores et expose dans diverses galeries du monde entier, ce qui lui vaut une reconnaissance internationale.

Cette période florissante de la peinture de Miró est interrompue par la situation historique et politique de la fin des années 1930. Au cours de cette période, Joan pressent que quelque chose de terrible est sur le point de se produire et ses craintes se concrétisent en 1929, lorsque la dictature de Francisco Franco (Ferrol, 1892 - Madrid, 1975) est instaurée. Ces bouleversements influencent également son art, qui s’habille d’un réalisme cru aux tonalités acides, qualifié de"tragique" par la critique, d’où naissent des œuvres inquiétantes et lugubres.

La guerre l’éloigne de plus en plus de la réalité et le pousse à fuir la vie quotidienne. Ce sentiment d’éloignement et son expérimentalisme permanent se retrouvent dans la série des Constellations, que le peintre et historien Roland Algernon Penrose (Londres, 1900 - Chiddingly, 1984) a qualifiée de “l’un des épisodes les plus brillants de sa carrière”. Pendant la réalisation de ces compositions, Miró retourne en Espagne en 1941, à Montroig, où il peut affiner son style, caractérisé par la création d’un langage universel et commun.

À partir de 1944, Joan Miró aborde une nouvelle technique artistique, la céramique, avec laquelle il réalise ses premières sculptures en 1946. Le Catalan avait déjà réalisé des constructions, mais avec ce nouveau matériau, il a pu créer des sculptures monumentales, caractérisées par une simplicité formelle typique des œuvres primitivistes.

Entre 1947 et 1948, Miró se rend pour la première fois aux États-Unis, où il rencontre le célèbre peintre Paul Jackson Pollock (Cody, 1912 - Long Island, 1956), l’inventeur du dripping, et le marchand d’art Aimé Maeght (Hazebrouck, 1906 - 1981, Saint-Laurent-du-Var), qui commence à s’occuper de la vente des œuvres de Miró en Europe.

Entre 1956 et 1958, Joan réalise les deux peintures murales en céramique pour le siège de l’Unesco à Paris, l’une représentant le soleil, l’autre la lune. Pour les deux murs, Miró s’est inspiré du Parc Güell d’Antoni Gaudí i Cornet (Reus, 1852 - Barcelone, 1926) à Barcelone et des peintures rupestres de la grotte d’Altamira. Pour réaliser les peintures murales, après un premier projet infructueux avec des carreaux de faïence, l’artiste catalan a choisi de poser des carreaux irréguliers pour créer un fond, sur lequel il a peint les images à l’aide d’un balai en feuilles de palmier. L’opération est très compliquée, mais le résultat final est acclamé par le public et les institutions, au point que Miró reçoit le prix international Guggenheim.

À la fin de sa vie, Joan Miró continue de se consacrer à l’expérimentation, passant d’une technique artistique à l’autre. Par exemple, à partir de 1966, il se consacre à la réalisation de sculptures en bronze, pour lesquelles il se procure les matériaux à couler à partir d’objets mis au rebut, afin de combiner l’une des techniques artistiques les plus anciennes et les plus nobles avec l’humilité des objets inutiles.

Outre les sculptures en bronze, l’artiste se confronte à des matériaux inhabituels et commence à brûler ou à déchirer des toiles avant de les peindre, faisant preuve d’une grande ténacité même à l’âge de soixante-treize ans.

En 1968, Joan reçoit un diplôme honorifique de l’université Harvard de Cambridge et de nombreuses expositions sont organisées en son honneur. Enfin, en 1975, la Fundació Joan Miró est inaugurée à Barcelone, où plus de dix mille pièces sont rassemblées. L’artiste catalan meurt en 1983 à Palma de Majorque.

Style et chefs-d’œuvre de Joan Miró

La formation de Joan Miró se caractérise par l’étude des œuvres d’art de son pays, celles des primitifs, mais aussi les grands chefs-d’œuvre des artistes contemporains.

Dans une première phase, entre 1917 et 1923, Joan se consacre à la création d’œuvres à caractère descriptif et naïf. Dans ces toiles, on retrouve la forte relation entre l’artiste et l’histoire de sa patrie, la Catalogne, qui revendique depuis des siècles son indépendance vis-à-vis de l’Espagne. Les paysages catalans et leurs habitants deviennent les protagonistes de ses œuvres et la dimension populaire se confond avec la dimension poétique et politique. Le style est calligraphique, parfois même descriptif, comme dans l’œuvre Le jardin et l’âne (1918). Dans ce tableau, Miró représente un paysage typique de la campagne catalane, dans lequel les couleurs chaudes et familières de sa patrie se mêlent à l’imagerie cubiste. En effet, le ciel est décomposé en plusieurs bandes de couleur et la disposition géométrique des champs crée une mosaïque composite et artificielle. En outre, Miró semble annoncer le monde féerique et onirique qui se déchaînera plus tard avec son adhésion à l’avant-garde surréaliste.

Vers 1924, Joan Miró se rapproche de l’avant-garde surréaliste, qui conditionne à jamais son style. À partir de ce moment, ses œuvres se colorent d’images polychromes et imaginatives, dans lesquelles les sujets catalans sont remplacés par des créatures vivantes et carnavalesques. Le manifeste artistique de cette phase se trouve dans le tableau Le carnaval d’Arlequin (1924). La toile a été réalisée pendant une phase d’extrême pauvreté dans la vie de Miró, qui l’a contraint à souffrir de la faim. Selon les dires du peintre, la faim et l’isolement dans son atelier lui ont causé de nombreuses hallucinations, qu’il a tenté d’immortaliser dans ses œuvres, comme dans le cas du Carnaval d’Arlequin. L’œuvre dépeint un intérieur dans lequel de nombreuses créatures polymorphes sont représentées au son de quelques notes de musique. Parmi les différents éléments se trouve l’escalier, l’un des sujets les plus récurrents dans l’imaginaire de Miró, symbole d’une expérimentation artistique continue. Le protagoniste de l’œuvre est Arlequin, un personnage comique couvert de différentes couleurs, qui aime jouer des tours. En réalité, il s’agit d’unautoportrait métaphorique de l’auteur, qui se représente comme un hôte enjoué prêt à quitter la fête qu’il a organisée, parce qu’il s’ennuie d’une invention désormais dépourvue de nouvelles idées créatives.

Dans la phase qui suit son adhésion partielle au mouvement surréaliste, Miró étudie de nouvelles formes de représentation, afin de dépasser les modèles établis. La peinture de cette phase se vide de l’élément figuratif, laissant une large place aux fonds monochromes et aux figures stylisées, parfois accompagnées d’inscriptions. L’un des plus grands chefs-d’œuvre de cette période est le Portrait de Madame K. (1924), dans lequel la figure figurative semble se décomposer et se styliser.

La période qui suit la décomposition des sujets picturaux est celle de l’expérimentation d’œuvres polymatérielles, composées de matériaux inhabituels. Il s’agit de compositions réalisées avec des objets qui font écho à un sujet spécifique à travers une série d’allusions sensorielles ou métaphoriques. Par exemple, dans la série des Danseurs espagnols, les figures ou les silhouettes qui rappellent les danseurs n’apparaissent jamais. Cependant, l’essence des danseurs est suggérée par des éléments des compositions, comme la petite image d’une pantoufle faite à partir d’un journal ou d’une plume très légère.

Après une première phase de bouleversement, due aux événements de la guerre qui a secoué toute l’Europe, Joan Miró a réussi à retrouver un état de calme, ce qui l’a conduit à l’exécution de la série des Constellations. Il s’agit de vingt-trois peintures à la détrempe sur papier, réalisées entre 1940 et 1941, dans lesquelles l’artiste dialogue avec les corps célestes qui le fascinent depuis l’enfance. Parmi les différentes représentations de constellations apparaissent certains des sujets typiques de l’imagination de Miró, comme les arabesques, les femmes, les notes de musique, les oiseaux et les gammes. Parmi les vingt-trois œuvres, il convient de souligner l’une des dernières peintures à la détrempe de Joan : L’oiseau merveilleux révèle l’inconnu à un couple d’amoureux. Dans ce chef-d’œuvre, l’artiste relie les différentes figures au moyen d’une ligne très fine, ce qui accentue le lien intrinsèque entre chaque image, y compris les moins importantes en apparence.

À la fin de sa carrière, Miró se passionne pour la culture japonaise, qu’il découvre à l’occasion d’expositions à Tokyo et à Kyoto. En particulier, ce qui impressionne Joan, c’est la découverte de l’extrême proximité entre sa poétique et leshaïkus (courts poèmes japonais au sens très profond). Un parallèle entre ces poèmes et son art peut être observé dans le tableau The Gold of Blue (1967), dans lequel une grande tache bleue est équilibrée par de plus petites taches noires sur un fond d’or brillant. Dans cette œuvre, la découverte de la culture japonaise se mêle à certains symboles typiques de l’art de Miró, comme les constellations et sa passion pour la musique.

Joan Miró est l’un des artistes européens les plus importants du XXe siècle. Il a consacré sa vie à l’expérimentation de nouvelles techniques et à la recherche d’un langage universel immédiatement compréhensible par tous.

Où voir les œuvres de Joan Miró

En raison de la grande renommée du maître catalan, les chefs-d’œuvre de Joan Miró sont conservés dans plusieurs pays européens et au-delà. En 1975, la Fundació Joan Miró a été inaugurée à Barcelone, abritant quelque 10 000 œuvres, dont des sculptures, des peintures, des dessins, des peintures à la détrempe et des tapisseries. Toujours en Europe, l’une des villes où l’on trouve de nombreuses œuvres de l’artiste catalan est Paris, où les œuvres sont principalement réparties entre le Musée du Louvre et le Musée national d’Art moderne, Centre Georges Pompidou. Outre les chefs-d’œuvre conservés dans ces deux musées, la ville abrite également les deux peintures murales réalisées par Miró pour le siège de l’Unesco. Toujours en France, on trouve le Labyrinthe (1961-1981), réalisé pour le jardin de la Fondation Maeght à Saint-Paul-de-Vence par Josep Lluis Sert, auquel Miró a contribué par plusieurs statues.

Enfin, plusieurs œuvres de Joan Miró sont conservées dans de nombreux musées aux États-Unis. Ainsi, à New York, vous pouvez admirer des chefs-d’œuvre de l’artiste catalan au Solomon R. Guggenheim Museum et au Museum of Modern art, tandis qu’à Buffalo, à l’Albright-Knox Art Gallery, c’est le Carnaval d’Arlequin qui est conservé.

Joan Miró : la vie, l'œuvre et le style de l'artiste surréaliste catalan

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