Jackson Pollock, la vie et l'œuvre du grand expressionniste abstrait

La figure la plus représentative de l’art américain des années 1940 et 1950 est Jackson Pollock (Cody, 1912 - Long Island 1956), un homme agité et rebelle, dépendant de l’alcool, dont il ne put se passer jusqu’à la fin de sa vie et qui le conduisit à une mort prématurée. Il fut l’un des principaux représentants de l’expressionnisme abstrait, l’un des artistes les plus connus en Amérique, auquel le magazine Life a même consacré une page. Soutenu très tôt par la collectionneuse Peggy Guggenheim, , l’irascible Pollock a fait une percée majeure dans l’art abstrait avec sa technique du dripping.

Intéressé par l’histoire américaine, l’artiste se penche sur la culture amérindienne, qui influence grandement son œuvre, et est également influencé par le surréalisme, dont les principaux représentants se rendent à New York après la Seconde Guerre mondiale, apportant des éléments novateurs à la peinture américaine. Pollock a également adhéré à la psychanalyse de Carl Gustav Jung , pour qui, à un niveau inconscient, toute l’humanité partage des archétypes collectifs, ou des formes primaires qui ont la même signification pour tous. Pollock a rencontré et épousé le peintre Lee Krasner, avec qui il s’est installé à Long Island, bien que la fidélité du peintre ait été de courte durée.

Jackson Pollock

La vie de Jackson Pollock

Jackson Pollock est né le 28 janvier 1912 à Cody, dans le Wyoming, dans une famille d’origine modeste. Il passe sa jeunesse entre l’Arizona et la Californie. En 1929, il rejoint son frère à New York, où ils s’installent tous deux et fréquentent l’Art Students League, où ils reçoivent l’enseignement du peintre Thomas Hart Benton , l’un des principaux représentants du réalisme américain. Ce qui frappe le jeune Pollock, ce n’est pas tant la préférence de Benton pour les paysages américains que son utilisation de la couleur et sa forte indépendance, deux éléments qui caractérisent l’art de Pollock. De 1935 à 1943, il travaille comme muraliste pour le Federal Art Project dont les objectifs sont de créer des opportunités d’emploi pour les artistes chômeurs et défavorisés, de produire des œuvres d’art pour orner les bâtiments publics et d’éduquer le peuple américain à l’art. C’est à cette époque que l’artiste américain s’intéresse aux grands maîtres mexicains, qui se consacrent d’ailleurs à la peinture murale. Parmi eux, José Clemente Ozorco, Diego Rivera et David Alfaro Siqueiros : ce dernier a une forte emprise sur Pollock car l’artiste mexicain a introduit l’utilisation de la couleur pure lors d’un séminaire à New York.

Dès les années 1940, Pollock jouit d’une certaine reconnaissance grâce au soutien du critique Clement Greenberg, l’un de ses principaux soutiens, et des collectionneurs et galeristes Betty Parsons et Peggy Guggenheim. En 1943, le MoMa (Museum of Modern Art) achète une œuvre de Pollock, The She-Wolf (1943), à la suite de l’exposition de l’année précédente, Art of This Century qui s’est tenue au musée-galerie de Peggy Guggenheim ; Peggy Guggenheim elle-même offre à Pollock un contrat qui durera jusqu’en 1947. Au début des années 1940, il participe également à l’exposition Abstract and Surrealist Art in America, qui se tient à la Brandt Gallery de New York. La première exposition personnelle de l’artiste américain a lieu en 1950, organisée par Peggy Guggenheim au Museo Correr de Venise, mais Jackson n’y participe pas car il n’aime pas voyager en dehors des États-Unis. Après l’exposition individuelle vénitienne, Pollock se rend à Paris au Studio Paul Facchetti, où il présente ses drippings au public français en 1952. En 1945, Jackson rencontre et épouse la jeune peintre Lee Krasner, avec laquelle il ouvre une petite maison-atelier près de Long Island. C’est là que Pollock commence à expérimenter sa célèbre technique de peinture, qui consiste à peindre spontanément en faisant couler de la peinture directement sur la toile. Les toiles sont disposées sur le sol (et déjà la position n’est pas conventionnelle), et l’artiste commence à utiliser la technique qui accompagnera le nom de Pollock : la technique dudripping . Cette nouvelle façon de procéder et le rapport novateur avec la toile ont jeté les bases de l’action painting, également appelée peinture gestuelle ou, plus généralement, expressionnisme abstrait: il s’agit d’un style de peinture “tout terrain” qui se fonde davantage sur les éléments picturaux (toile, couleur et espace) que sur les sujets représentés. L’expressionnisme abstrait est également associé à d’autres artistes de l’école américaine tels que Mark Rothko, Franz Kline, Willem de Kooning et Barnett Newman . Les années 1945 à 1950 sont les plus créatives et les plus intenses de Pollock, et c’est à cette époque que l’on trouve ses toiles les plus célèbres, Enchanted Forest (1947), Number One (1948), One (1950). La réputation de l’irascible peintre grandit de jour en jour, renforcée par la couverture que lui consacre le magazine américain Life, le 8 août 1949, et qui pose la question suivante : “Est-il l’un des plus grands peintres des États-Unis ?”: cette question reçoit une réponse affirmative de la part des collectionneurs qui commencent à acheter les œuvres du jeune peintre. Après une carrière artistique aussi fervente, Pollock meurt à l’âge de quarante-quatre ans, le 11 août 1956, dans un accident de voiture provoqué par son état d’ébriété.

Jackson Pollock, La louve (1943 ; huile, gouache et plâtre sur toile, 106,4 x 170,2 cm ; New York, MoMA)

Jackson Pollock, La femme lunaire (1942 ; huile sur toile, 175,2 x 109,3 cm ; Venise, The Peggy Guggenheim Collection)

Jackson Pollock, Forêt enchantée (1947 ; huile et émail alkyde sur toile, 221,3 x 114,6 cm ; Venise, The Peggy Guggenheim Collection)

Le style et les principales œuvres de Jackson Pollock

À première vue, les toiles de Pollock peuvent apparaître comme des labyrinthes, des formes sinueuses qui s’enroulent sur elles-mêmes, une explosion irrépressible de couleurs dans laquelle le regard du spectateur se perd dans cet espace qui semble ne pas avoir de centre. Pourtant, Pollock, par le simple fait de déplacer la toile du chevalet et de la poser sur le sol, puis de faire couler la couleur en utilisant uniquement le principe du hasard, a montré qu’il était possible d’avoir un autre rapport à la toile et plus généralement à l’art. Un rapport différent de celui, froid et rationnel, qui caractérisait les œuvres d’un artiste aussi fondamental pour l’art américain que Piet Mondrian: le rapport de Pollock était plus direct, impulsif et presque viscéral. Les premières années de Pollock sont presque un exercice sur les œuvres des grands maîtres tels que Michel-Ange, Tintoret et Rubens , comme en témoignent de nombreux dessins conservés à la Fondation Pollock-Krasner à New York : de ces premiers dessins émerge déjà l’énergie intrinsèque perceptible dans les torsions des corps, l’anatomie et la force qu’ils dégagent.

Au début des années 1940, Pollock s’intéresse à l’exploration de sujets primitifs et de thèmes mythologiques, dont l’exemple le plus représentatif est La louve (1943) : l’animal représenté ici pourrait faire allusion à la louve qui a allaité Romulus et Remus, selon la légende qui raconte la fondation de Rome. Pollock a expliqué en 1944 que"la Louve est née parce que je devais la peindre". Bien qu’à cette époque Pollock n’ait pas encore atteint le stade où il utilise la technique du dripping qui l’a rendu célèbre dans le monde entier, il est déjà possible d’observer des éclaboussures de couleur sur la toile, dont certaines parties présentent des formes sans lignes ni couleurs dans lesquelles on peut sentir un premier pas vers l’abstraction. La louve, qui s’avance vers la gauche, est faite d’épaisses lignes noires et blanches. Son corps est couvert de lignes lourdes, de taches et de marques calligraphiques illisibles. Les protagonistes des premières œuvres sont donc des sujets totémiques qui réunissent l’imagerie surréaliste, à laquelle Pollock s’est brièvement intéressé, et la peinture murale sur toile. Dans l’œuvre The Moon Woman (1942), Pollock est influencé par le poète Charles Baudelaire et le symbolisme français. Au centre, une femme solitaire émerge de l’arrière-plan et, sur les côtés, des symboles mystérieux liés à l’archétype de la féminité. Le corps fuselé rendu par un simple coup de pinceau noir contraste avec le visage inquiétant qui rappelle les figures féminines représentées par Picasso dans Demoiselles d’Avignon (1906-07). Il est d’ailleurs probable que Pollock ait vu l’exposition que le Museum of Modern Art de New York lui a consacrée en 1942. De ces premières œuvres émergent des thèmes intimement liés à la nature, à la magie et au symbolisme, des caractéristiques qui subsistent néanmoins dans la production artistique plus mûre du peintre. Dans les années qui suivent, la tendance à l’abstraction s’affirme de plus en plus, comme dans Number 1 (1948). L’œuvre est exposée pour la première fois à la Betty Parson Gallery de New York la même année. Les ventes sont décevantes et les critiques négatives, mais ce n’est que l’année suivante que le magazine Life présente Pollock les bras croisés, une cigarette à la bouche, sous la question : “Est-il le plus grand artiste des États-Unis ?”

En se déplaçant sur la toile, l’artiste laisse couler la couleur sur la surface pour dégager une forte énergie : les lignes noires et blanches convergent, créant un réseau complexe de couleurs. La façon dont la couleur s’étend sur le plan suggère la vitesse et la force de la progression de l’artiste, comme dans Silver over black, white, yellow and red (1949). Dans Number 8 (1949), en revanche, la ligne de Pollock prend des formes différentes, le critique Frank O’Hara expliquant que l’artiste, par sa capacité à amincir, épaissir et étendre l’un des éléments les plus simples comme la ligne, a pu annuler l’espace, la profondeur et la hiérarchie des éléments picturaux.

Les surfaces de Pollock sont physiquement présentes, entraînant le spectateur dans une confrontation directe avec le champ abstrait de la toile. Autumn Rhythm , réalisée en 1950, est l’une des œuvres les plus célèbres du peintre. Le pigment a été appliqué par les moyens les plus divers : couteaux, bâtons et mains. Il n’y a pas de point central, chaque partie de la surface a la même signification. Les dimensions (266 x 525 cm) sont également d’une grande importance, car le spectateur, confronté à une peinture aussi écrasante, se sent envoûté. En suivant les lignes tourbillonnantes et luxuriantes, on peut presque imaginer la “danse rituelle” de Pollock. Il y a dans ces œuvres un manque de prévoyance , qui ne se traduit cependant pas par un manque de contrôle, car Pollock, comme il l’a dit dans diverses interviews, gérait le flux de peinture. Pour Pollock, l’art doit véhiculer un contenu significatif et révélateur. En 1945, une exposition à la galerie Pierre Matisse présente des peintures de Joan Miró, un artiste que Pollock admire beaucoup et qui a probablement donné une impulsion à l’art de l’artiste américain. Les toiles admirées par Pollock sont les Constellations, une série d’œuvres réalisées entre 1940 et 1941 et composées de plusieurs formes dispersées sur la toile et reliées par une fine ligne, qui évoquent une métaphore stellaire. Certains critiques ont affirmé que Miró était un précurseur direct des œuvres que Pollock exécuterait plus tard.

Lavander mist (1950) incarne la percée artistique réalisée par l’artiste américain au début des années 1950. L’œuvre a été peinte près de Long Island, dans la maison-atelier où il vivait avec sa femme. Pour l’artiste, évoquer des textures de couleurs aussi lyriques et équilibrées était presque un acte rituel. En fait, Pollock a appris à connaître les indigènes de son pays, qui considéraient la peinture comme un rituel. En tant qu’artiste autochtone, Pollock a signé Lavander Mist de ses empreintes de main dans le coin supérieur gauche de la toile. La technique de l’allover (total, partout) a permis à l’artiste d’obtenir un espace homogène, dépourvu de hiérarchie, où tout se confond : la surface et la profondeur, le haut et le bas. Il est légitime de considérer le rapport de Pollock à la toile comme une anticipation de l’art de laperformance, qui a connu sa plus grande vitalité entre les années 1960 et 1970. Comme dans les performances, la valeur expressive des toiles de Pollock est donnée par le corps, l’esprit et les sentiments.

Jackson Pollock, Number 1 (1948 ; huile et peinture sur toile, 172,7 x 264,2 cm ; New York, MoMA)

Jackson Pollock, Lavander mist (1950 ; huile, émail et aluminium sur toile, 221 x 299,7 cm ; Washington, National Gallery of Art)

Où voir les œuvres de Jackson Pollock

La plupart des œuvres de Jackson Pollock sont visibles au musée Guggenheim de New York(The Moon woman, 1942, et quelques-unes de ses plus célèbres drippings ), Autumn Rhythm, (1950) au Metropolitan Museum, et Lavander Mist (1950) à la National Gallery de Washington. La National Gallery of Australia possède l’une des œuvres les plus célèbres de Pollock : Blue Poles (1952), bien que l’achat de l’œuvre ait suscité une certaine controverse car le directeur, James Mollison, n’était pas autorisé à acheter des œuvres de plus d’un million de dollars, et il n’a donc obtenu le tableau qu’avec l’approbation du Premier ministre de l’époque, Gough Whitlam. L’Italie possède également certaines des œuvres célèbres de Pollock : à la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea de Rome, on peut voir Watery Paths (1947), Painting A (1950), Square Composition (with horse) de 1937-38.

Jackson Pollock, la vie et l'œuvre du grand expressionniste abstrait

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