Giorgio Vasari : vie, œuvres, importance historiographique

Tous ceux qui étudient l’histoire de l’art l’ont certainement rencontré un jour ou l’autre : Giorgio Vasari (Arezzo, 1511 - Florence, 1574), en tant qu’auteur des Vies, un traité qui rassemble les biographies de nombreux artistes importants du Moyen Âge jusqu’à l’époque de l’artiste d’Arezzo, et donc jusqu’au début du XVIe siècle, est une source indispensable pour étudier l’histoire de l’art du XIIIe au XVIe siècle. Vasari était cependant un génie aux multiples facettes : il n’était pas seulement un important écrivain sur l’art, mais aussi un architecte (c’est à lui que l’on doit la construction des Offices à Florence) ainsi que l’un des plus grands et des plus prolifiques peintres de son temps.

Vasari était l’un des artistes les plus recherchés de son temps, à une époque où les rivalités étaient de mise, et dans la deuxième édition de ses Vies (de 1568), où une large place est réservée aux artistes contemporains, l’artiste d’Arezzo n’hésite pas à réserver des mots très durs à l’égard de ses confrères : Par exemple, de Baccio Bandinelli, l’un des rivaux les plus amers de Giorgio Vasari, il écrit qu’il était “très grossier en paroles”, que “dire toujours du mal et blâmer les choses des autres était une cause que personne ne pouvait souffrir”, qu’il “discutait volontiers de tout”. Sur Benvenuto Cellini, tout en appréciant plusieurs de ses œuvres, Vasari fait une opération de discrédit très subtile : Cellini était un grand admirateur de Michelangelo Buonarroti (dans son autobiographie, il l’appelle le “ divinissimo Micheagnolo ”, et affirme qu’il a toujours étudié sa manière, sans jamais s’en écarter), et Vasari, dans ses Vies, ne compare jamais Cellini à Michelangelo, car, pour Vasari, Cellini n’aurait pas été digne d’être comparé à Michelangelo. Les relations entre les deux hommes étaient très tendues, Cellini apostrophant par exemple Vasari dans un de ses textes en le traitant de “botolo impie”. Cependant, Vasari avait aussi plusieurs amis, dont Bartolomeo Ammannati, Bastiano da Sangallo et Benvenuto Garofalo, et fut longtemps un artiste de la cour des Médicis.

Grand architecte et peintre maniériste non moins important, Vasari a également contribué à la diffusion de la manière toscane en Vénétie, inspirant de grands artistes vénitiens (Tintoret surtout). Vasari avait également un atelier dans lequel des artistes importants tels que Giovanni Stradano (nom italianisé du peintre flamand Jan van der Straet), Jacopo Zucchi et Francesco Morandini dit Poppi ont été formés. En somme, un grand protagoniste de la Toscane du XVIe siècle.

Jacopo Zucchi (attribué), Portrait de Giorgio Vasari (1571-1574 ; huile sur panneau, 100,5 x 80 cm ; Florence, Galerie des Offices)

Biographie de Giorgio Vasari

Giorgio Vasari est né à Arezzo le 30 juillet 1511. Il se forme dans sa ville natale auprès de Guillaume de Marcillat, un artiste français actif à Arezzo et spécialisé dans le travail du verre. En 1524, il déménage très jeune à Florence (sur les conseils du cardinal Silvio Passerini de Cortona, tuteur d’Ippolito et d’Alessandro de’ Medici) où il étudie avec Andrea del Sarto. Peu après, en 1531, il se rend à Rome avec Francesco Salviati pour étudier les œuvres de l’Antiquité classique. Sa première œuvre connue date de 1532, l’Enterrement du Christ conservé à Arezzo à la Casa Vasari (sa résidence aujourd’hui transformée en musée et que l’on peut visiter), un tableau commandé par les Médicis.

L’artiste est donc déjà bien implanté dans le cercle des Médicis, à tel point qu’en 1534, à seulement vingt-trois ans, il réalise le portrait du duc de Florence, Alessandro de’ Medici. En octobre 1540, l’important banquier Bindo Altoviti lui commande ce qui est peut-être son tableau le plus connu, l’Immaculée Conception, dont une réplique autographe est conservée aux Offices en dimensions réduites, pour un usage privé (l’œuvre a cependant été reproduite de diverses manières en raison de sa grande fortune). En 1541, Vasari s’installe à Venise à l’invitation de son ami et concitoyen Pietro Aretino(pour en savoir plus sur l’importance de Pietro Aretino pour les arts, cliquez ici). À Venise, outre les décors de la Talanta de Pietro Aretino, Vasari exécute les décorations du Palazzo Corner-Spinelli. En 1542, l’artiste retourne à Arezzo où il commence à peindre à fresque les pièces de sa maison : l’œuvre est achevée en 1548. Entre-temps, en 1546, il s’est installé à Rome pour travailler pour le cardinal Alessandro Farnèse, pour lequel il a exécuté les fresques du salon du palais de la Cancelleria, avec des scènes célébrant le pontificat de Paul III Farnèse. Le salon est également connu sous le nom de “salle des cent jours” parce que Giorgio Vasari s’est vanté de l’avoir achevée en exactement cent jours (on raconte que Michel-Ange, apprenant que la salle avait été peinte en si peu de temps, a répondu sarcastiquement “ça se voit”).

En 1550, Vasari publie chez l’éditeur Torrentini sa première édition des Vies des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes, l’un des textes fondamentaux de toute l’histoire de l’art. L’année suivante, il est de retour à Rome où, jusqu’en 1554, il travaille avec Bartolomeo Ammannati, son grand ami et contemporain, à la Villa Giulia. Et en 1554, Vasari retourne à Florence au service de Cosimo I, qui lui confie la construction du palais des Offices, le grand chef-d’œuvre de Giorgio Vasari dans le domaine de l’architecture. Le palais devait abriter des bureaux administratifs (d’où son nom). Les travaux commencent en 1560 et s’achèvent en 1580, après la mort de Giorgio. Entre-temps, en 1562, l’artiste commence à exécuter le célèbre grand cycle de fresques du Salone dei Cinquecento du Palazzo Vecchio, célébrant les exploits de Cosimo I de’ Medici, qui deviendra grand-duc de Toscane en 1569. L’œuvre est achevée en 1565. En 1568, Vasari publie la deuxième édition des Vies chez l’éditeur Giunti, l’enrichissant de biographies d’artistes contemporains et de sa propre autobiographie. Entre 1570 et 1572, il peint Persée et Andromède pour François Ier de Médicis et, en 1572, il est chargé de peindre les fresques destinées à décorer l’intérieur de la coupole de Brunelleschi dans le Dôme de Santa Maria del Fiore à Florence(pour en savoir plus sur l’histoire et l’importance de la coupole de Brunelleschi, cliquez ici). Cependant, en raison de son décès deux ans plus tard, Vasari n’a pas été en mesure d’achever l’œuvre et la commande a été reprise par Federico Zuccari. L’artiste meurt à Florence le 27 juin 1574.

Giorgio Vasari, Déposition (1532 ; huile sur panneau, 144 x 113 cm ; Arezzo, Casa Vasari)

Giorgio Vasari, Portrait d’Alessandro de’ Medici (1534 ; huile sur panneau, 157 x 114 cm ; Florence, Galerie des Offices)

Giorgio Vasari, Immaculée Conception (1541 ; tempera sur panneau ; Florence, Santi Apostoli). Ph. Francesco Bini

Salon des Cinquecento. Ph. Crédit Targetti Sankey

Les principales œuvres d’art de Giorgio Vasari

L’œuvre la plus ancienne de Giorgio Vasari conservée à la Casa Vasari d’Arezzo est l’Enterrement du Christ, une œuvre commandée par les Médicis en 1532. Vasari lui-même la décrit dans sa vie comme “un Christ mort porté par Niccodemo Gioseffo et d’autres à l’enterrement et derrière les Marie en pleurs”. L’œuvre est importante car elle permet à l’observateur de se faire une idée précise du principal peintre dont Giorgio Vasari, alors âgé de 21 ans, s’est inspiré pour ce tableau et, plus généralement, de celui qui l’a inspiré à cette époque, à savoir Rosso Fiorentino (en particulier, ce tableau est fortement redevable à la Déposition de Rosso dans l’église de San Lorenzo à Sansepolcro, en Toscane : l’œuvre de Rosso date de 1528 et Vasari en reprend le cadre). Rosso a également inspiré la Déposition dans l’église de la Santissima Annunziata à Arezzo, que les spécialistes datent d’environ 1536-37, où Vasari reprend le schéma de la célèbre Déposition de Rosso dans la Pinacoteca Civica de Volterra, avec la croix très haute au centre, les deux échelles appuyées de manière très précaire sur les bras de la croix et les personnages grimpant de manière encore plus précaire pour déposer le corps de Jésus. En revanche, son œuvre peut-être la plus connue date de 1541, l’Immaculée Conception, commencée en octobre 1540 à la demande du banquier florentin Bindo Altoviti, qui souhaitait la réserver à la chapelle familiale de l’église des Santi Apostoli (une précieuse réplique autographe de taille réduite, destinée à la dévotion privée, est aujourd’hui conservée aux Offices). Il s’agit d’une allégorie complexe de l’Immaculée Conception: la Vierge, conformément à la tradition iconographique habituelle dérivée d’un passage de l’Apocalypse de saint Jean, est représentée avec la lune et a également un pied sur la tête du diable, en signe de victoire. Le diable est représenté sous la forme d’un être mi-homme, mi-serpent, avec des ailes, enroulé autour de l’arbre de la connaissance au pied duquel sont représentés les deux premiers pécheurs, Adam et Ève, nus, et aux branches des arbres une série de rois et de prophètes, Abraham, Isaac, Moïse, David et ainsi de suite, signifiant qu’ils dérivent tous des deux premiers pécheurs. Stylistiquement, il s’agit d’une peinture pleinement maniériste : le dynamisme et la vigueur de certains personnages sont inspirés de Michel-Ange, tandis que le colorisme et le goût pour les poses contorsionnées dérivent de l’étude des œuvres de Rosso Fiorentino.

Fondamental pour Vasari fut ensuite son voyage à Venise, où il fut invité par son concitoyen, l’homme de lettres Pietro Aretino, car il était appelé à réaliser l’appareil scénique d’une de ses comédies, et de l’aveu même de Vasari, ce fut pour lui une occasion importante de voir en personne les œuvres de Titien. Mais ce n’est pas tout : en chemin, l’artiste s’arrête à Parme et à Mantoue où il découvre les œuvres de Correggio et de Giulio Romano, des auteurs dont Vasari s’inspire pour enrichir sa manière. Le séjour de Vasari à Venise, où il arrive en décembre 1541, dure moins d’un an, mais il lui suffit pour réaliser quelques œuvres importantes comme les décorations du Palais Corner-Spinelli, qui embellissent le plafond d’une des salles du Palais et qui sont aujourd’hui dispersées dans diverses collections. En revanche, les allégories de la Patience et de la Justice, qui se trouvent dans la Gallerie de l’Accademia, sont restées à Venise, auxquelles s’ajoute l’allégorie de l’Espérance, récemment redécouverte.

Les fresques du Palazzo Vecchio sont d’une grande importance pour comprendre la carrière artistique de Giorgio Vasari : l’artiste a en effet été chargé de réaliser des peintures dans les Quartiers des Éléments, les Quartiers de Léon X, le Salone dei Cinquecento et le studiolo de François Ier. Les fresques les plus importantes sont celles du Salone dei Cinquecento, réalisées entre 1562 et 1565. Le Salone doit son nom au Conseil des Cinq-Cents, un organe politique similaire au Maggior Consiglio de Venise, qui existait à l’époque de Savonarole : le Salone avait été commandé par Savonarole lui-même pour accueillir les réunions du Conseil, après quoi il fut transformé en salle de réception et de représentations théâtrales lors du retour des Médicis. Vasari l’a décoré de scènes de batailles au cours desquelles les Florentins ont vaincu leurs ennemis, en particulier les Siennois et les Pisans. Sur les murs, les scènes représentées par Vasari racontent donc quelques exploits importants des Médicis : la conquête de Sienne, la conquête de Porto Ercole, la bataille de Marciano della Chiana, la bataille de San Vincenzo, le siège de Livourne et le siège de Pise. Les batailles contre Sienne sont d’ailleurs très récentes : la République de Sienne s’est finalement rendue à Florence en 1559. Il s’agit d’un appareil très scénique : il s’agit de grandes fresques, grandioses et festives, qui ont constitué l’une des entreprises les plus exigeantes de Giorgio Vasari. Il s’agit en outre d’une œuvre totalement maniériste. Un maniérisme qui trouve ses racines chez Michel-Ange, Pontormo et Rosso Fiorentino : on y voit des scènes très peuplées, qui dans certains passages semblent presque contre-nature (les couleurs elles-mêmes semblent tout sauf réalistes : ce sont les couleurs évanescentes typiques du premier maniérisme toscan), on y trouve le dynamisme, le goût des poses étranges, on y trouve la vigueur des figures de Michel-Ange, les vêtements très ajustés qui révèlent la musculature des personnages, également typiques du maniérisme. C’est en somme l’œuvre la plus théâtrale et la plus scénique de Vasari.

En peinture, Vasari propose un maniérisme très somptueux qui prend pour modèle, d’une part, la vigueur de Michel-Ange qui revient dans beaucoup de ses œuvres et, d’autre part, les deux premiers grands maniéristes florentins, Pontormo et Rosso Fiorentino, avec lesquels il partage parfois un goût pour le bizarre, reprenant aussi certains de leurs schémas de composition et différentes solutions chromatiques. Il s’agit d’un style capable d’atteindre des sommets fortement rhétoriques et magniloquents : les tableaux semblent presque des oraisons traduites en peinture (surtout dans le cas des œuvres de célébration et des commandes publiques), avec des solutions scénographiques visant presque à susciter l’étonnement. Le goût pour l’extravagance est illustré par une autre œuvre célèbre, Persée et Andromède: peinture tardive, elle a été exécutée entre 1570 et 1572 sur commande du grand-duc François Ier pour son studiolo au Palazzo Vecchio, où elle se trouve encore aujourd’hui. L’œuvre raconte le mythe de Persée et Andromède : selon l’histoire, le dieu de la mer, Neptune, voulait punir la mère d’Andromède, qui se vantait de sa fille en affirmant qu’elle était plus belle que les Néréides, les nymphes de la mer. Le dieu vengeur enlève Andromède et l’attache nue à un rocher, où elle est menacée par un monstre marin : elle sera libérée plus tard par le héros Persée. Il s’agit d’un tableau très particulier pour le goût du bizarre qui se manifeste encore dans plusieurs détails, pour l’érotisme subtil qui imprègne la composition (on le remarque surtout dans les figures des deux nymphes enlacées à gauche), et pour le soin avec lequel Vasari décrit les détails, qui détournent un peu l’attention de l’épisode principal.

Giorgio Vasari, Allégorie de l’espoir (1542 ; huile sur panneau, 178,4 x 79,4 cm ; Venise, Gallerie dell’Accademia)

Giorgio Vasari, Immaculée Conception (1541 ; tempera sur panneau, 58 x 40 cm ; Florence, Galerie des Offices)

Giorgio Vasari, Bataille de Marciano della Chiana (1563-1565 ; fresque ; Florence, Palazzo Vecchio, Salone dei Cinquecento)

Giorgio Vasari, Persée et Andromède (1570-1572 ; huile sur tableau noir, 117 x 100 cm ; Florence, Palazzo Vecchio)

Les Vies de Giorgio Vasari et leur importance historiographique

Les Vies constituent l’une des pierres angulaires de la littérature sur l’histoire de l’art. Elles ont été publiées en deux éditions, l’une en 1550 (par l’éditeur Torrentini, d’où la première édition connue sous le nom de “torrentiniana”) et l’autre, augmentée, en 1568 (par l’éditeur Giunti, d’où l’édition connue sous le nom de “giuntina”). Les Vies sont une œuvre fondamentale pour plusieurs raisons : la première est d’avoir rassemblé systématiquement une collection de biographies de tous les auteurs, de Cimabue à ses contemporains, que Vasari considérait comme dignes (“très excellents”, pour reprendre le terme qu’il utilisait), ce qui a déterminé la fortune critique (ou, à l’inverse, l’infortune critique) de beaucoup d’auteurs. Les Vies sont également importantes parce que Vasari a en partie contribué à la formation d’une vision précise de l’histoire de l’art, selon laquelle Cimabue et Giotto ont été les architectes de la renaissance des arts après les siècles de décadence de l’art antique, et selon laquelle l’art a atteint son plus grand épanouissement en Michelangelo Buonarroti (qui est d’ailleurs le seul artiste contemporain mentionné dans l’édition de Torrentini).

En outre, l’œuvre de Vasari est utile pour trouver des références à des œuvres d’art perdues et ainsi mieux reconstituer le parcours artistique et stylistique d’un peintre ou d’un sculpteur. Les Vies sont d’ailleurs l’un des textes à la base du concept de “maniérisme”, car c’est Giorgio Vasari lui-même qui parle de “manière” à propos du style des artistes. Selon Vasari, la “manière moderne” a été initiée par Léonard de Vinci et a trouvé sa plus haute expression chez Raphaël Sanzio et Michel-Ange. Selon Vasari, la “manière moderne” est également appelée “troisième manière”, pour la distinguer de la “première” (celle de Cimabue et de Giotto) et de la deuxième (qui, selon notre vision actuelle, coïncide avec le début de la Renaissance). Et si la première manière était considérée par Vasari comme inférieure à la seconde, la troisième la dépassait à son tour, s’érigeant en modèle à imiter.

Les monumentales Vies de Giorgio Vasari restent une référence valable pour l’étude de l’art, malgré ses limites : l’auteur se trompe souvent, fait preuve d’un goût prononcé pour l’anecdote et raconte souvent des épisodes curieux sur des artistes dont on ne peut avoir la certitude de la véracité. De plus, Vasari a souvent recours à l’hyperbole, utilise une narration très vivante, aussi vivante que son expressivité l’est aussi d’un point de vue linguistique, et s’attarde souvent dans la description d’aspects marginaux relatifs aux artistes. De plus, Vasari est très partial puisqu’il considérait l’école toscane comme la meilleure et voyait Florence comme le centre hégémonique des arts.

Giorgio Vasari : vie, œuvres, importance historiographique

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