Edvard Munch, la vie et l'œuvre du génie scandinave

Edvard Munch (Løten, 1863 - Oslo, 1944) est l’un des artistes les plus importants du XIXe et du XXe siècle car, avec d’autres peintres de son âge, il a marqué un tournant dans l’histoire de l’art. Chaque fois que l’on croise son nom dans un livre ou une exposition, il est toujours flanqué de deux autres artistes : Paul Gauguin (Paris, 1848 - Hiva Oa, 1903) et Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890). On pourrait penser que ces trois maîtres sont unis, en premier lieu, par leur manque de succès dans la vie et leur célébrité posthume, mais c’est en fait une opinion erronée. En effet, bien qu’il soit courant d’associer les œuvres sombres et la triste histoire biographique d’Edvard Munch à un manque de popularité de son vivant, le Norvégien a connu un grand succès dans la seconde moitié de sa carrière. En réalité, les trois artistes ont en commun la charge subjective qui caractérise leurs œuvres, capable de dépasser l’étude scientifique et objective de la réalité réalisée par les courants contemporains des impressionnistes et des pointillistes. Ce n’est pas un hasard si Munch, Gauguin et Van Gogh sont considérés comme les précurseurs de l’expressionnisme, ce courant artistique qui vise à exalter le côté émotionnel de la réalité qui nous entoure.

Les plus grands chefs-d’œuvre de Munch sont le résultat d’une vie tourmentée et douloureuse, marquée par les pertes familiales, les échecs, l’alcoolisme, les névroses et la solitude. Comme nous le verrons plus loin, la vie de Munch a été faite de hauts et de bas, ce qui n’a pas permis à l’artiste d’atteindre la stabilité mentale et émotionnelle que sa condition économique et sociale lui aurait permis d’avoir. En effet, malgré sa vie tourmentée et solitaire, Munch a connu un grand succès auprès de la critique et du public européen, au point que de nombreux artistes, par exemple les avant-gardistes de Die Brücke et les Fauves, l’ont reconnu comme un père et un maître de leur art. Cependant, tenter d’étiqueter l’art du génie norvégien est une tâche impossible en raison de sa singularité et aussi parce que Munch lui-même refusait d’être assimilé à un quelconque groupe d’artistes.

La vie d’Edvard Munch

Edvard Munch est né le 12 décembre 1863 à Løten, une petite ville norvégienne située près de Christiania (le nom original de la capitale de la Norvège, Oslo). Il est le deuxième des cinq enfants de Christian et Laura Catherine Bjolstad. En 1864, la famille déménage à Christiania, où le peintre a l’occasion d’entrer en contact avec un paysage culturel plus vaste que celui de sa petite ville natale. Malheureusement, l’enfance d’Edvard est marquée par divers deuils, à commencer par la mort de sa mère en 1868 et de sa sœur aînée Johanne Sophie en 1877, toutes deux causées par la tuberculose. En outre, la perte prématurée de sa mère entraîne le père d’Edvard dans une dépression mentale qui l’éloigne de ses enfants. La relation du jeune Munch avec son père, qui rêvait d’une carrière d’ingénieur, s’en trouve profondément affectée, alors qu’Edvard lui préfère une carrière artistique, au point de commencer à suivre les cours de l’École royale de dessin.

En 1882, Edvard Munch et d’autres peintres louent ensemble un atelier et confient leur formation à deux peintres distingués : le naturaliste Christian Krihg et l’impressionniste Frits Thaulow. Les œuvres de ce dernier inspirent certaines des peintures exposées en 1883 au Salon des arts décoratifs de Christiania, première exposition à laquelle participe le jeune peintre norvégien.

En 1885, Edvard Munch s’installe à Paris, où il lit pour la première fois les œuvres du philosophe Søren Kierkegaard. Ce dernier théorise diverses façons de concevoir l’existence, dont la “vie esthétique”, qui repose sur la combinaison de l’art et de la vie, que Munch réinterprète de façon personnelle comme l’art et la douleur. Cette période parisienne est fondamentale à plusieurs égards : en 1889, Munch organise sa première exposition personnelle et, bien qu’elle soit un échec, il obtient une bourse qui lui permet de rester et de vivre dans la capitale. Le séjour français est également l’occasion de se faire connaître par le biais de plusieurs expositions, mais surtout d’entrer en contact avec les œuvres de nombreux artistes, en particulier celles de Vincent Van Gogh et de Paul Gauguin, ce qui l’incite à rechercher un style personnel qui le distinguera. Cependant, ces années sont également marquées par la perte de son père, un événement qui tourmentera l’artiste jusqu’à la fin de ses jours, car il ne parviendra pas à rétablir sa relation avec lui. C’est précisément cette situation qui marque un tournant dans son œuvre, qui continue d’être exposée pendant quelques années, mais ne parvient pas à s’imposer sur la scène artistique.

1892 est une année extrêmement importante dans la vie et la carrière d’Edvard Munch. Le peintre norvégien est invité par l’association des artistes berlinois à participer à leur exposition annuelle. Cependant, l’exposition ne dure qu’une semaine car les œuvres de Munch sont jugées scandaleuses et obscènes par les autorités. Cette mesure a suscité un large mécontentement, à tel point qu’un groupe d’artistes de l’association, emmené par l’artiste Max Liebermann, a décidé de se séparer de l’Association des artistes berlinois en 1898, créant ainsi la fameuse Sécession berlinoise.

La censure n’a cependant pas constitué un frein à la carrière d’Edvard Munch. En effet, l’artiste a su comprendre l’importance de l’épisode et a donc décidé de s’installer à Berlin. Dans la capitale allemande, le Norvégien est reconnu comme un grand peintre grâce au caractère unique de ses œuvres, ce qui lui permet d’exposer dans toute l’Europe et même aux États-Unis. L’année 1893 est l’une des plus importantes de sa carrière, grâce à la production de certains de ses plus grands chefs-d’œuvre, tels que LeCri(lire ici un bref historique littéraire et philosophique de la peinture), caractérisé par des teintes phosphorescentes et des sujets macabres et inquiétants. Lors d’une exposition, Munch décide de regrouper six œuvres dans une série intitulée Amour, qui constitue le noyau originel de la Frise de la vie : un cycle unitaire de peintures qui s’étoffe au cours des années suivantes jusqu’à sa forme définitive en 1902. Bien que Munch ait atteint le sommet de sa carrière en 1893, sa relation troublée avec sa fiancée Tulla Larsen s’est terminée de manière tragique. La même année, il commence à se consacrer à des œuvres graphiques et photographiques, qui connaissent un grand succès.

Au cours des années suivantes, Munch voyage beaucoup et devient si célèbre que plusieurs groupes d’artistes lui proposent de se joindre à eux. Mais Edvard décline toujours les invitations, préférant vivre seul, sombrant dans un état mental instable et exaspéré, aggravé par l’abus d’alcool. Malgré cette terrible situation, l’artiste réalise de lui-même qu’il n’est plus possible de continuer à vivre dans cet état et décide d’entrer à l’hôpital, tout en gardant la possibilité de continuer à peindre. Après son hospitalisation, Edvard réussit à mener une vie plus saine, mais toujours dans la solitude. En fait, le peintre décide de s’isoler presque complètement du reste de la société. Les dernières années de sa vie sont marquées par une tentative de reconnaissance de la part de sa mère patrie, qui l’a toujours ignoré, en s’engageant dans des commandes publiques et en léguant la plupart de ses œuvres au maire d’Oslo. Peu après avoir conclu un accord avec le maire, Edvard Munch meurt en 1944 d’une bronchopneumonie.

L’œuvre, le style, le tourment d’Edvard Munch

Les œuvres de la première période d’Edvard Munch sont très différentes de celles de sa maturité : les couleurs sont sobres et contrôlées, les personnages sont calmes et détendus et sont encore influencés par l’art d’Edvard Degas, qui a été un artiste important pour lui dans les premières années de sa carrière. Un tournant est clairement perceptible dans l’œuvre L’enfant malade (1885-1886). Ce tableau a été exposé pour la première fois sous le titre Studio et a suscité une vive controverse de la part des critiques en raison du caractère inachevé de la matière picturale. L’œuvre reflète un événement personnel, à savoir la mort de sa sœur, qui semble être représentée sur son lit de mort à côté de sa tante Karen, qui à l’époque s’occupait des enfants après la mort de leur mère. Bien que le tableau ne date que de 1885, le coup de pinceau de Munch semble s’être éloigné du style impressionniste pour s’orienter vers un type de peinture plus subjectif et plus chargé d’émotions.

Comme nous l’avons mentionné plus haut, 1892 marque un tournant dans la carrière artistique d’Edvard Munch. Cela se voit dans un certain nombre d’œuvres de ces années-là, telles que Mélancolie. L’œuvre représente un paysage marin au coucher du soleil, avec une jetée à l’arrière-plan, où sont représentés des personnages et un bateau au milieu de la mer. Dans la partie inférieure de la toile, à droite, apparaît un homme identifiable à Munch, l’oreille posée sur sa main gauche : la pose typique de la mélancolie. Le tableau s’inspire de la déception amoureuse ressentie par un ami pour un peintre qu’il aimait. De cette expérience douloureuse, le maître norvégien s’inspire pour créer une œuvre qui représente l ’angoisse et la douleur vécues par tout un chacun au moins une fois dans sa vie. On remarque d’ailleurs que les tons sont assombris et que le sentiment de mélancolie est véhiculé par des champs de couleurs larges et hâtifs.

La même technique est utilisée dans une autre œuvre de la même année : Soirée sur l’avenue Karl Johan. Le tableau dépeint le rituel bourgeois typique d’une promenade nocturne dans la ville de Christiania. Munch ne s’attarde pas sur la représentation des détails anatomiques des différents passants, mais les dépeint comme un seul bloc d’automates aux yeux vides, avançant dans la même direction. Le seul à se détacher de cette masse informe est un homme coiffé d’un haut-de-forme qui descend la rue en sens inverse : il s’agit de Munch lui-même, qui s’est toujours senti marginalisé et éloigné de la société.

Au fil des années, les œuvres de l’artiste norvégien se sont simplifiées et les couleurs sont devenues plus vives et plus éclatantes, dans le but d’illuminer la toile et de suggérer les sentiments ressentis par le peintre au moment de l’exécution. Ce sont des émotions fortes et terrifiantes: jalousie, angoisse, mélancolie, désespoir, libido, qui sous-tendent de nombreuses œuvres chargées de significations symboliques faisant allusion à des sentiments et des événements personnels. À partir de 1893, Munch décide de rassembler plusieurs tableaux en une seule collection organique qui prend le nom de Frise de la vie, récit de sa vie spirituelle et émotionnelle. Au départ, la Frise se composait de cinq tableaux, intitulés Amour. Par la suite, Munch a ajouté d’autres œuvres à cette collection jusqu’à ce qu’il y ait vingt-deux tableaux pour la cinquième édition de la Berliner Secession. Pour l’exposition, Munch a divisé la Frise de la vie en quatre étapes: la Graine de l’amour, le Développement et la Dissolution de l’amour, l’Angoisse et la Mort.

Parmi les œuvres de la Frise de la vie se trouve le tableau le plus célèbre de toute l’œuvre d ’ Edvard Munch : LeCri. Cette œuvre mondialement connue est une fois de plus la transposition en peinture d’une expérience vécue par l’artiste, dont on peut lire un témoignage écrit : “Je me suis arrêté pour regarder de l’autre côté du fjord, le soleil se couchait, les nuages étaient teintés de rouge sang. J’ai entendu un cri traverser la nature : je pouvais presque l’entendre. J’ai peint ce tableau, j’ai peint les nuages comme du vrai sang. Les couleurs hurlaient. C’est devenu Le Cri”. Le tableau représente le fjord d’Ekeberg, destination des promenades dominicales et scène typique des cartes postales. Une fois de plus, Munch rompt avec la tradition et transforme un lieu familier en un enfer terrestre : le ciel est teinté de rouge sang et l’homme au premier plan, éloigné des deux autres personnages sur la gauche, se débat dans un cri douloureux et terrifiant en réponse à la déformation de la nature qui l’entoure. L’œuvre ne peut que créer de l’angoisse et un sentiment de trouble dans l’âme du spectateur, qui reste pétrifié devant le cri de l’auteur dénonçant une angoisse sociale qui l’a accompagné tout au long de son existence.

Un thème récurrent de la Frise de la vie est la femme, qui a toujours représenté un rôle sinistre et ambigu dans l’imaginaire de Munch. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent Le Vampire (1893-94) et La Madone (1894), qui représentent deux visions personnelles distinctes de la figure féminine. Au départ, le tableau Le Vampire a été appelé Amour et douleur par Munch, et l’artiste lui-même a déclaré qu’il s’agissait “simplement d’une femme embrassant un homme dans le cou”. Ce n’est que plus tard que son ami et biographe Stanislaw Przybyszewski renomma l’œuvre en son titre actuel, en référence à la vision démoniaque et subjuguante de la femme envers l’homme. En effet, dans le tableau, l’homme sacrifie sa propre vie en s’abandonnant au baiser mortel parce qu’il a soif d’amour, que seule la figure féminine peut satisfaire. Le second tableau est certainement l’un des plus scandaleux de toute l’histoire de l’art. En effet, Munch représente une Madone qui n’a rien d’une vierge et qui est très éloignée de la représentation classique de ce sujet. La femme est représentée dans une pose sensuelle et provocante. L’artiste a réalisé cinq versions de l’œuvre, dont celle où le cadre est orné de spermatozoïdes, tandis que la figure d’un fœtus avorté apparaît en bas à gauche, rappelant le mystère de la naissance et le dogme de la virginité. L’œuvre fait grand bruit et suscite de vives critiques de la part de l’opinion publique béate de l’époque.

Malgré les scandales et les tensions provoqués par l’œuvre de Munch, sa contribution a été fondamentale pour le mouvement expressionniste : comme nous l’avons mentionné plus haut, le flambeau de son expérience sera repris plus tard par la Sécession berlinoise. Il faut surtout citer les noms de Lovis Corinth, Max Liebermann et Käthe Kollwitz, qui ont regardé Munch avec conviction et qui, dans certains cas, ont même réussi à provoquer un scandale, exactement comme l’avait fait leur précurseur.

Où voir les œuvres d’Edvard Munch

Pour voir les œuvres d’Edvard Munch, il faut prévoir un voyage en Norvège, où sont rassemblées la quasi-totalité de ses œuvres. La plupart d’entre elles sont rassemblées au Munchmuseet à Oslo. Le Nasjonalgalleriet d’Oslo, première institution publique à avoir acquis des œuvres de Munch, lui consacre également une salle entière, dans laquelle se trouve la version la plus célèbre duCri. Enfin, onze peintures à l’huile de Munch, résultat d’un concours remporté par le peintre, sont conservées dans le grand hall de l’université d’Oslo. Cependant, certaines œuvres peuvent également être admirées en dehors des frontières norvégiennes : par exemple, l’une des versions de la célèbre œuvre L’enfant malade est conservée à la Tate Modern de Londres.

Edvard Munch, la vie et l'œuvre du génie scandinave

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