Duccio di Buoninsegna : la vie, l'œuvre et les chefs-d'œuvre du grand peintre siennois

Duccio di Buoninsegna (Sienne, vers 1255 - 1318) est l’un des peintres les plus importants et les plus influents de l’histoire de l’art italien. Nous ne disposons pas de beaucoup d’informations à son sujet, mais son art a été indispensable aux artistes des générations suivantes. Duccio, considéré comme le père de l’école siennoise, s’est formé dans la tradition de sa ville natale, Sienne, qui était encore basée sur un style byzantin, et l’a actualisée avec les réalisations de Cimabue (les deux étaient souvent si proches que, dans le passé, de nombreuses œuvres de Duccio ont été attribuées à Cimabue) et les innovations du gothique français : en particulier, Duccio a donné à l’école siennoise le goût raffiné et élégant qui sera plus tard l’une des caractéristiques des œuvres produites à Sienne. Les œuvres de Duccio di Buoninsegna qui nous sont parvenues sont peu nombreuses et ses chefs-d’œuvre sont pour la plupart conservés en Toscane.

Toute la peinture siennoise ultérieure, de Simone Martini aux frères Pietro et Ambrogio Lorenzetti (qui ont peut-être été ses élèves), avait en Duccio son principal point de référence : à l’époque, Sienne était en concurrence avec Florence pour la primauté de l’art et, par conséquent, Duccio était l’un des principaux points de référence de son temps. À l’époque où il travaillait, Sienne était une ville très puissante, capable de compter sur une économie florissante, et sa stabilité politique y avait grandement contribué, grâce aussi à une structure municipale qui permettait à toutes les classes sociales de la ville de participer à la gestion des affaires publiques. En 1260, avec la bataille de Montaperti, Sienne est entrée en confrontation directe avec Florence: la bataille a été remportée par les Siennois, qui ont à leur tour été vaincus neuf ans plus tard à Colle di val d’Elsa. Ces affrontements eurent également des conséquences sur le plan culturel, puisque des échanges artistiques eurent lieu entre les Siennois et les Florentins : par exemple, en 1261, le Florentin Coppo di Marcovaldo, probablement l’artiste florentin le plus moderne et le plus actuel de l’époque, arriva à Sienne en tant que prisonnier après la bataille de Montaperti, et cette présence apporta une vague de renouveau à l’école locale, qui s’ouvrit pour la première fois aux volumétries des Florentins. L’école siennoise était en effet restée jusqu’alors très liée à la tradition byzantine, et l’arrivée de Coppo di Marcovaldo a contribué à la remettre au goût du jour.

Avec Duccio, l’école siennoise, qui bénéficiait déjà d’une certaine tradition (pensons par exemple à la figure de Guido da Siena), connaît son premier grand représentant. La formation de Duccio est très problématique car les informations sur les premières années de sa vie sont rares et il est donc très difficile de reconstituer sa carrière artistique dans ses premières étapes. Les informations les plus anciennes à son sujet remontent à 1278, alors que Duccio était déjà un peintre indépendant. Nous ne disposons donc d’aucun document sur sa formation et ne pouvons formuler que des hypothèses sur la base des peintures que nous connaissons. Et tous les critiques ne s’accordent pas sur sa formation : compte tenu de l’élégance innée de Duccio, beaucoup pensent qu’il s’est inspiré de la tradition byzantine locale, mais certains l’ont également considéré comme un élève de Cimabue, compte tenu de sa proximité avec l’artiste florentin. D’autres encore tendent à le considérer comme un élève de Guido da Siena mentionné plus haut, un artiste déjà touché, dans sa maturité, par les innovations de Cimabue. Il n’y a cependant pas de preuve certaine. En outre, un peintre actif à Assise, connu sous le nom de Maestro Oltremontano, pourrait également avoir joué un rôle dans sa formation : il venait de France et a contribué à la diffusion de la culture figurative française en Ombrie (certains chercheurs émettent en effet l’hypothèse que Duccio était à Assise dans sa jeunesse, où il aurait assisté Cimabue et où il aurait également observé l’art du Maestro Oltremontano).

Duccio di Buoninsegna, Vierge à l’enfant entourée d’anges, dite Madonna Rucellai (1285 ; tempera sur panneau et fond d’or, 450 x 290 cm ; Florence, Galerie des Offices, prêt de l’église Santa Maria Novella de Florence, Conseil municipal de Florence).

Biographie de Duccio di Buoninsegna

Duccio di Buoninsegna est né à Sienne, probablement vers 1255 : comme il ne reste aucun document sur les premières années de sa vie, la date de sa naissance est supposée sur la base de nouvelles ultérieures. La famille est d’origine lucquoise (le grand-père de Duccio est né à Lucques). L’artiste est mentionné pour la première fois en 1278 dans un paiement reçu de la commune de Sienne pour la peinture de coffres à documents. Un autre document datant de 1279 lui reconnaît un paiement pour avoir enluminé les couvertures de deux livres. En 1280, Duccio reçoit une amende pour un délit dont nous ne connaissons pas les détails et qui est le premier d’une longue série : cela a conduit les érudits à spéculer que Duccio a vécu une vie décidément indisciplinée. En 1285, l’artiste est à Florence où, le 15 avril, il passe un accord avec la Società delle Laudi locale pour peindre un grand panneau : il s’agit de la célèbre Madone Rucellai (aujourd’hui à la Galerie des Offices), sa première œuvre définitivement documentée et donc datable.

En 1286, Duccio est à nouveau payé par la municipalité de Sienne pour décorer des livres, une activité qu’il poursuit pendant au moins une autre décennie, tandis qu’en 1295, il fait partie d’une commission chargée de choisir l’emplacement de la Fonte d’Ovile, un important réservoir situé aux portes de Sienne et qui devait approvisionner la ville en eau. À partir de 1296, il s’absente de Sienne pendant quelques années, mais nous ne savons pas où il est allé : certains supposent qu’il a pu se rendre à Paris pendant cette période, bien qu’il n’y ait aucune certitude à ce sujet (pour beaucoup, en fait, il s’agit d’une hypothèse tout à fait invraisemblable). Quoi qu’il en soit, en 1302, Duccio réapparaît à Sienne, où il restera jusqu’à la fin de sa vie. En plus de recevoir encore diverses sanctions administratives, il est payé la même année pour une Majesté qui n’est pas parvenue jusqu’à nous. En 1308, Jacopo de’ Marescotti, Operaio del Duomo di Siena, lui commande ce qui est probablement considéré comme le plus grand chef-d’œuvre de Duccio, la Maestà pour le Duomo, aujourd’hui conservée au Museo dell’Opera del Duomo di Siena. Duccio acheva la Maestà en 1311 : le 9 juin de cette année-là, une procession solennelle l’accompagna jusqu’au maître-autel du Dôme. Duccio fut également actif dans les dernières années de sa vie : certains spécialistes lui attribuent la fresque de la Consegna del castello di Giuncarico, découverte dans les années 1980 dans la Sala del Mappamondo du Palazzo Pubblico de Sienne et datée de 1314, tandis qu’en 1316, il peignit la splendide Maestà du Dôme de Massa Marittima. L’artiste meurt probablement à Sienne en 1318 : en 1319, en effet, ses fils refusent son héritage, Duccio étant très endetté.

Duccio di Buoninsegna, Madone de Crevole (1283-1284 ; tempera et or sur panneau, 89 x 60 cm ; Sienne, Museo dell’Opera del Duomo)

Duccio di Buoninsegna, Vierge à l’enfant (vers 1300-1308 ; tempera et or sur panneau, 97 x 63 cm ; Pérouse, Galleria Nazionale dell’Umbria)

Duccio di Buoninsegna, Polyptyque 28 (v. 1300-1308 ; tempera et or sur panneau, 138,6 x 241,5 cm ; Sienne, Pinacoteca Nazionale)

Duccio di Buoninsegna, Maestà, recto (1308-1311 ; tempera sur panneau, 214 x 412 cm ; Sienne, Museo dell’Opera del Duomo)

Le style et les principales œuvres de Duccio di Buoninsegna

L’œuvre la plus ancienne de Duccio que l’on puisse dater avec certitude est la Madone Rucellai, qui est également le plus grand panneau peint du XIIIe siècle qui nous soit parvenu(lire ici une analyse longue et détaillée de l’œuvre). Pendant des siècles, on a cru que la Madone Rucellai était l’œuvre de Cimabue : en effet, c’est ainsi que les sources les plus anciennes, datant du XIVe siècle, la décrivent et, sur la base de ces sources, Giorgio Vasari lui-même a attribué la peinture à Cimabue dans ses Vies, la considérant comme l’une de ses meilleures œuvres. La découverte du document attestant de la commande du tableau a permis de dissiper les malentendus : selon ce document, l’œuvre a été commandée à Duccio di Buoninsegna le 15 avril 1285 par une confrérie, la “Société de la Vierge” ou “Société des Laudi”, également connue sous le nom de “Compagnie des Laudes”, raison pour laquelle l’œuvre est également connue sous le nom de Retable des Laudesi. Aujourd’hui, nous la connaissons sous le nom de Madone Rucellai car, au XVIIe siècle, elle a été déplacée dans la chapelle noble des Rucellai, l’une des familles florentines les plus importantes de l’époque. L’œuvre met en évidence la relation problématique entre Duccio et Cimabue : Duccio reprend du maître florentin certains éléments tels que la pose de la Madone, la pose de l’Enfant Jésus et l’expédient des anges placés autour du trône. Cependant, il faut aussi noter les profondes différences entre les œuvres de Duccio et celles de Cimabue (par exemple dans la Maestà conservée au Louvre), à commencer par les anges eux-mêmes : chez Cimabue, ils apparaissent sur des plans différents, superposés les uns aux autres, comme si ceux qui se trouvent au-dessus étaient sur une échelle. Chez Duccio, au contraire, ils sont disposés symétriquement deux par deux et sont tous agenouillés, ce qui rend l’ensemble beaucoup plus abstrait que chez Cimabue, précisément parce qu’ils volent et ne semblent s’appuyer nulle part, et surtout les couleurs des robes deviennent beaucoup plus douces et délicates que chez Cimabue. On constate également que les proportions de la Madone sont plus allongées dans la partie supérieure du corps et plus incertaines dans les jambes que chez Cimabue. Il y a donc une conception différente de la spatialité: l’intention de Duccio est de créer une composition plus symbolique que réaliste, un héritage de la tradition byzantine. L’élément nouveau le plus important, cependant, est l’introduction dans la culture figurative toscane de nouveautés dérivées du gothique français: ces éléments seront ceux qui, plus que d’autres, contribueront à donner à la peinture siennoise ce sens du raffinement et de l’élégance qui constitue son trait particulier. Duccio fut le premier de ces artistes : nous remarquons ces détails, dans la Madone Rucellai, aussi bien dans le tissu qui orne le trône, qui porte une décoration florale raffinée de style gothique, que dans la bordure dorée du manteau de la Vierge, qui crée ce motif quelque peu irréel et complexe, mais très raffiné.

Parmi les autres œuvres qui peuvent aider à tracer un chemin dans l’art de Duccio di Buoninsegna, on peut citer les différentes Madones, à commencer par la Madone de Crevole, ainsi appelée parce qu’elle se trouvait pendant un certain temps dans l’église de Santa Cecilia à Crevole, près de Sienne, alors qu’elle se trouvait auparavant dans l’ermitage de Montespecchio. L’œuvre a été rapprochée d’un tableau de Cimabue, la Madone de Castelfiorentino, qui se trouve au musée de Santa Verdiana à Castelfiorentino(plus d’informations sur l’œuvre ici) : L’œuvre de Duccio se caractérise toutefois par une plus grande humanité, qui transparaît non seulement dans les tons de chair, qui semblent plus doux que ceux du tableau de Cimabue, mais surtout dans les expressions des deux personnages (on peut apprécier une plus grande douceur et une plus grande affection dans les regards des protagonistes et aussi dans leurs bouches, bien que l’ensemble de la composition puisse encore ressembler à une icône byzantine, et que les deux anges dans les coins supérieurs du panneau fassent également référence à la tradition byzantine). Même le drapé, avec les chrysographies typiquement byzantines (c’est-à-dire les stries dorées qui sillonnent le vêtement) (et de toute façon également présentes chez Cimabue), prend un cours plus sinueux et élégant que dans la Madone de Cimabue. Même la pose de l’enfant chez Duccio apparaît plus posée et plus élégante.

Un autre chef-d’œuvre de raffinement est la Vierge à l’Enfant de la Galleria Nazionale dell’Umbria Perugia, qui introduit un nouveau motif dans l’art de Duccio : la Vierge porte en effet un voile blanc sur la tête, juste en dessous de sa robe, et l’on voit l’Enfant, d’un geste très tendre et d’un naturel surprenant, ramener ce voile vers lui, comme s’il voulait jouer avec. Avec cette Madone, Duccio fait une tentative supplémentaire dans le processus d’humanisation des figures avec respect : les mains de la Madone et de l’Enfant se touchent, et ce toucher (malgré la forme encore traditionnelle des mains) est un détail qui introduit une dimension d’humanité jamais touchée auparavant par Duccio, qui s’ajoute ici aux expressions toujours très délicates des personnages. Le clair-obscur des tons chair devient également plus naturel, témoignant ainsi d’une évolution dans la peinture de Duccio qui a conduit les spécialistes à dater le tableau autour de 1300. Cependant, certains voient dans cette Madone une concession aux volumétries de Giotto, et il y a donc aussi des spécialistes qui déplacent l’œuvre à une période plus avancée de la carrière de Duccio, vers 1308, une époque où l’art de Giotto avait déjà commencé à se répandre. C’est à la même époque que date le polyptyque 28, ainsi appelé parce qu’il porte le numéro 28 dans le catalogue de la Pinacothèque nationale de Sienne où il est conservé. Ce polyptyque, l’un des plus anciens de la peinture italienne (on ne sait pas s’il est le plus ancien dans l’absolu), se compose de cinq compartiments : au centre, la Vierge à l’Enfant et sur les côtés, en partant de la gauche, les saints Augustin, Paul, Pierre et Dominique. La Vierge, au centre, présente des similitudes remarquables avec la Vierge de Pérouse : la tête de la Vierge est couverte par le voile et l’Enfant fait le même geste que sur le panneau de Pérouse, bien qu’ici il ne joue pas avec le voile mais directement avec la robe de sa mère. Les mains ne se touchent pas, mais les pieds de Jésus reposent directement sur les mains de la Madone (la droite semble presque bouger de façon naturelle et curieuse), et l’expression de l’Enfant est presque identique à celle de l’Enfant de la Madone de la Galerie nationale d’Ombrie. On peut donc supposer que les deux œuvres ont été réalisées en même temps.

Enfin, la Maestà de l’Opera del Duomo de Sienne est l’œuvre qui résume peut-être toute l’évolution de l’art de Duccio di Buoninsegna et en constitue le point culminant, ainsi que l’œuvre la mieux documentée, peinte entre 1308 et 1311. Aujourd’hui, la Maestà, aux dimensions imposantes puisqu’elle mesure plus de deux mètres de haut et plus de quatre mètres de large, ne se trouve plus dans le Duomo mais est conservée à proximité, au Museo dell’Opera del Duomo, où elle a été transférée en 1878. L’œuvre représente la Vierge à l’Enfant trônant (la Vierge était considérée comme la patronne de Sienne) et est peinte sur le recto et le verso, c’est-à-dire à la fois sur le recto et le verso, et sur le verso, une série de compartiments racontant l’histoire du Christ. Certaines parties ont malheureusement été perdues : par exemple, la prédelle, qui racontait les histoires de l’enfance du Christ, et certains compartiments de la partie supérieure (l’œuvre a été misérablement démembrée en 1771 et de nombreuses parties, à l’exception des cadres, ont été perdues). Les histoires de la face arrière sont toutes contenues dans des compartiments de taille égale, à l’exception des deux centraux, qui sont un peu plus grands, et un ordre presque géométrique est également visible sur la face principale : à côté de la Madone, qui occupe verticalement tout le centre de la composition, les saints sont disposés sur trois plans parallèles et symétriques, et ils sont tous de la même hauteur. Cet ordre a une fonction, celle de donner de la majesté et de la solennité à la composition. On retrouve dans la Maestà toutes les caractéristiques qui ont fait la grandeur de l’art de Duccio : les visages des saints sont très délicats (surtout ceux des figures féminines), la symétrie, une grande profusion d’or, dans le fond et dans les auréoles (l’or renvoie à la lumière de Dieu, il a donc une fonction symbolique), un goût marqué pour l’élégance qui se manifeste dans de nombreux détails, à commencer par le manteau bordé d’or de la Vierge aux lignes sinueuses et les décorations sur les vêtements de certains saints, comme celui de saint Savinus, le saint agenouillé au pied du trône. Les quatre saints du premier plan ont un rôle bien défini puisqu’il s’agit des quatre saints patrons de Sienne : saint Ansanus, saint Savinus, saint Crescentius et saint Victor. La Madone de la Majesté de Duccio, qui conserve évidemment une iconographie d’origine byzantine et qui est encore imprégnée du raffinement que la proximité des modèles français a apporté à notre artiste, commence à s’ouvrir aux innovations de Giotto qui s’étaient déjà manifestées depuis quelques années, par exemple dans la Madone de Pérouse. Parmi ces nouveautés, citons par exemple le trône (de style cosmatesque et recouvert d’un tissu décoré) qui n’est plus placé en vue de trois quarts, mais est rendu avec une perspective frontale intuitive, ce qui le rend donc beaucoup plus réaliste que les trônes que Duccio avait représentés auparavant. Cet expédient donne ensuite une plus grande monumentalité à la figure de la Madone, ce qui renforce encore le sentiment de solennité qui émane de cette splendide Majesté. Giotto fait alors preuve d’une nouvelle sensibilité pour le clair-obscur et le calibrage de la lumière: tout semble beaucoup plus raisonné et naturaliste que Duccio ne l’avait fait auparavant. On observe donc un mélange intéressant entre les éléments de Giotto et ceux de l’école siennoise : c’est la première œuvre de Duccio dans laquelle on observe ce phénomène, et les quelques œuvres qui suivront continueront dans cette voie. Mais c’est avec la Maestà de Duccio di Buoninsegna que commence la grande période siennoise du XIVe siècle.

Où voir les œuvres de Duccio di Buoninsegna ?

Pour découvrir l’art de Duccio, une visite à Sienne s’impose : dans la ville, on peut visiter le Museo dell’Opera del Duomo où sont conservés deux chefs-d’œuvre incontestés, l’un de sa maturité (la Maestà) et l’autre de sa jeunesse (la Madone de Crevole), ainsi que la Pinacoteca Nazionale. Toujours dans sa ville natale, il ne faut pas manquer de visiter le Palazzo Pubblico pour admirer la Consegna del castello di Giuncarico, une fresque de 1314 que de nombreux spécialistes attribuent à Duccio.

Près de Sienne, le musée d’art sacré du Val d’Arbia à Buonconvento abrite la Vierge à l’enfant connue sous le nom de “Madonna di Buonconvento”. À Florence, la Madone Rucellai peut être admirée aux Offices, tandis que des vestiges des fresques de Duccio se trouvent dans la basilique Santa Maria Novella (à laquelle la Madone Rucellai était également destinée). À Turin, la Galleria Sabauda conserve un autre chef-d’œuvre précoce, la Madone de Gualino. À Pérouse, la Galleria Nazionale dell’Umbria conserve la Vierge à l’enfant, également connue sous le nom de “Vierge de Pérouse”. Enfin, parmi les rares œuvres certaines de Duccio, on peut voir la Maestà di Massa Marittima dans la cathédrale de la ville de la Maremme.

Duccio di Buoninsegna : la vie, l'œuvre et les chefs-d'œuvre du grand peintre siennois

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