Bronzino, la vie et l'œuvre du grand portraitiste du maniérisme

Bronzino (Agnolo di Cosimo Tori ; Florence, 1503 - 1572), surnommé ainsi peut-être en raison de la couleur de ses cheveux, est l’un des plus grands représentants du maniérisme qui, avec son maître Jacopo Carucci dit Pontormo (Pontorme di Empoli, 1494 - Florence, 1557), a contribué à la grande saison artistique de la ville de la famille Médicis. Bronzino a réalisé des tableaux à thèmes religieux, allégoriques et mythologiques, ainsi que des portraits splendides et célèbres qui ont donné gloire et succès à un peintre extraordinaire, qui était également poète et fin intellectuel.

Sa carrière s’est déroulée entièrement à Florence : Bronzino s’est en effet formé à Florence, a commencé à peindre à Florence, a obtenu ses œuvres les plus prestigieuses, a connu le succès et a terminé sa carrière. C’est également à Florence, dans les musées de la ville, qu’est conservé le noyau le plus consistant de son œuvre. Bronzino n’a jamais quitté Florence, à l’exception d’un bref séjour à Pesaro, entre 1530 et 1532, lorsqu’il quitta la ville pour s’installer dans la famille Della Rovere : Pesaro faisait en effet partie du duché d’Urbino. Pesaro abritait la Villa Imperiale, une importante résidence de vacances de la famille Della Rovere, et Bronzino y fut appelé pour participer aux décorations avec un autre grand peintre de l’époque, Dosso Dossi. Cependant, à l’exception de ce bref épisode, la carrière de Bronzino se déroule entièrement à Florence, à la cour des Médicis, dont il devient le peintre officiel.

Fils d’un boucher, l’artiste entre dans l’atelier de Raffaellino del Garbo (San Lorenzo a Vigliano, 1466 - Florence, 1524), un peintre toscan raffiné actif entre le XVe et le XVIe siècle, qui suit les enseignements de Filippo Lippi et de Ghirlandaio : on trouve également des traces de cet apprentissage dans la deuxième édition des Vies de Giorgio Vasari. L’artiste, cependant, quitta rapidement l’atelier de Raffaellino del Garbo et alla travailler avec Pontormo, qui fut d’abord son maître, puis les deux devinrent amis et collaborateurs. Pendant son séjour à Pesaro, il entre ensuite en contact avec les grands artistes qui travaillaient à Urbino, comme Piero della Francesca et Dosso Dossi lui-même, ainsi qu’avec des artistes comme Giovanni Bellini et Titien. Les premières années de sa carrière sont cependant marquées par sa proximité avec Pontormo : le meilleur viatique pour une carrière qui fera de lui l’un des peintres les plus appréciés de son temps.

Bronzino, Allégorie du triomphe de Vénus (vers 1545 ; huile sur panneau, 146 x 116 cm ; Londres, National Gallery)

La vie de Bronzino

Agnolo (Angelo) Tori naît à Florence le 17 novembre 1503 : son père, Cosimo, est boucher de métier. Le surnom de “Bronzino” est probablement dû au fait qu’il avait les cheveux blonds. Dans les années 1510, il complète sa formation d’abord auprès de Raffaellino del Garbo, puis avec Pontormo (il entre dans son atelier vers 1517), avec qui il se lie d’amitié par la suite. En 1523, il travaille avec Pontormo sur les fresques de la Certosa del Galluzzo à Florence : c’est la première commande connue de Bronzino. Toujours avec Pontormo, il travaille en 1525 à l’église Santa Felicita de Florence où il peint les tondi avec les évangélistes Matthieu, Luc et Marc. Vers 1529, il peint la Lamentation sur le Christ mort aux Offices. En 1530, il séjourne à Pesaro où il travaille pour la famille Della Rovere à la décoration de la Villa Imperiale avec Dosso Dossi. En 1532, il retourne à Florence, qu’il ne quittera plus, sauf pour de courts séjours. Il aide à nouveau Pontormo pour les fresques de la villa des Médicis à Poggio a Caiano. En 1538, il publie le poème burlesque Del Pennello (Le pinceau), tandis qu’en 1540, à l’âge de trente-sept ans, il est nommé peintre de la cour de Florence par Cosimo I de’ Medici et vers la même année, il travaille pour la puissante famille Panciatichi pour laquelle il exécute plusieurs œuvres importantes, dont le Christ crucifié qui se trouve aujourd’hui à Nice. En 1541, il devient membre de l’Accademia Fiorentina fondée par Cosimo I.

Vers 1542, l’artiste exécute le très célèbre portrait de Bia de’ Medici, tandis qu’un autre de ses chefs-d’œuvre les plus connus date de 1545, le portrait d’Eleonora di Toledo, épouse du duc Cosimo I, avec son fils Giovanni. La même année, il se voit confier la décoration de la chapelle privée d’Eleonora. Vers 1545, il exécute l’Allégorie de la National Gallery de Londres, probablement son chef-d’œuvre le plus célèbre. Vers la même année, il peint le portrait d’Andrea Doria sous les traits de Neptune. Il fait un bref séjour à Rome en 1548 et, la même année, il est exclu de l’Accademia Fiorentina pour ses attitudes irrévérencieuses et non conformistes. Il séjourne brièvement à Pise en 1550.

En 1557, Pontormo meurt et Bronzino se voit confier la tâche d’achever les fresques commencées par son ami dans le chœur de la basilique de San Lorenzo. En 1558, il commence à écrire les Saltarelli, une série de compositions burlesques. En 1561, il devient “réformateur” de l’Accademia del Disegno et collabore en 1564 aux décorations des funérailles de Michelangelo Buonarroti. Il est à nouveau admis à l’Accademia Fiorentina en 1566, dix-huit ans après son expulsion. En 1568, quelques poèmes de Bronzino faisant l’éloge du Persée de Benvenuto Cellini sont publiés. Le 15 juin 1572, il est nommé consul de l’Accademia del Disegno. Le 23 novembre de la même année, il meurt chez Alessandro Allori, son plus fidèle élève.

Bronzino, Saint Marc (1525 ; huile sur panneau, diamètre 70 cm ; Florence, Santa Felicita, Cappella Capponi)

Bronzino, Lamentation sur le Christ mort ou Pietà (vers 1530 ; huile sur panneau, 105 x 100 cm ; Florence, Offices)

Bronzino, Portrait de Bia de’ Medici (vers 1542 ; huile sur panneau, 64 x 48 cm ; Florence, Offices)

Le style et les principales œuvres de Bronzino

Parmi les premières œuvres de Bronzino, exécutées alors qu’il était encore un collaborateur de Pontormo, figurent les tondi de l’église Santa Felicita à Florence. Les tondi représentent les quatre évangélistes et sont des œuvres plutôt problématiques, car le style de Bronzino à cette époque ressemble beaucoup à celui de Pontormo, et il était donc très difficile de déterminer qui, du maître ou de l’élève, avait peint tel ou tel tondi. Le seul dont l’attribution est certaine est celui représentant saint Jean, attribué à Pontormo : en effet, le style tourmenté et agité, souligné par la figure très allongée du saint, est propre à Pontormo. Les trois autres sont en revanche généralement attribuées à Bronzino, même si des doutes subsistent sur les figures de saint Luc et de saint Marc. Vasari avait également mentionné ces œuvres et n’en avait attribué que deux à Bronzino, sans préciser lesquelles. Les rondeaux de la chapelle Capponi montrent une forte adhésion à la manière de Pontormo: on remarque les regards intenses, les couleurs brillantes, les draperies enveloppantes qui voltigent de manière irréelle, les visages avec les mêmes traits somatiques que ceux réalisés par Pontormo, le goût pour la pose bizarre, les saints dépassant les limites physiques du support pour faire face au spectateur, d’une manière d’autant plus engageante si l’on observe leurs poses inventées, qui constituaient une nouveauté importante pour l’art florentin. Bronzino a commencé à se détacher du style du maître avec ses œuvres de la fin des années 1920 : celles-ci comprennent une importante Lamentation sur le Christ mort, également connue, bien qu’à tort, sous le nom de Pietà : La différence, quoique subtile, entre les deux motifs iconographiques, le premier d’origine byzantine et le second d’origine nordique, consiste dans le fait que dans le Compianto, ou Lamentatio, le corps du Christ est allongé et pleuré par les personnages disposés autour de lui, qui peuvent tendre la main et le toucher avec plus ou moins de force, tandis que dans la Pietà, le corps de Jésus est soutenu par un personnage, typiquement sa mère, ou par un ange.

Bronzino est connu pour avoir été un grand portraitiste. Son talent était tel qu’il est devenu le portraitiste de la cour des Médicis : pour la famille régnante de Florence, l’artiste a exécuté plusieurs chefs-d’œuvre importants. Ce sont surtout les portraits d’enfants qui sont les plus étonnants : les enfants sont très souvent le sujet des portraits de Bronzino et sont représentés avec un très haut degré de naturalisme, un naturalisme admiré même par Giorgio Vasari qui, dans l’édition Giuntina des Vies, décrit les portraits de Bronzino comme “très naturels” et “réalisés avec une diligence incroyable qui ne peut être souhaitée davantage”. Parmi les portraits d’enfants, celui de Bia, surnom de Bianca de Médicis, fille illégitime de Cosme Ier et fille aînée du duc, occupe une place prépondérante : l’enfant est née en 1537, avant le mariage de Cosme avec Eleonora di Toledo, et nous ne savons toujours pas qui était sa mère. Cependant, Bia est morte alors qu’elle n’avait que cinq ans et le tableau, conservé aux Offices, daterait d’environ 1542. Selon certains historiens de l’art, le portrait a été peint après la mort de la petite fille, sur le modèle de son masque mortuaire. Bia est vêtue d’une robe blanche simple mais très élégante, qui rappelle son nom. La petite fille porte un collier de perles, un collier en or avec un médaillon représentant le profil de Cosimo I et une autre chaîne en or autour de la taille : un observateur qui ne connaît pas l’identité de la petite fille peut comprendre, rien qu’en regardant ses vêtements et ses bijoux, qu’elle fait partie d’une famille très importante. Le portrait de Bia est l’un des plus appréciés de Bronzino, en raison de la beauté tendre et éthérée de l’enfant ainsi que de son expression très délicate et douce, avec cette merveilleuse pointe de sourire. Bronzino est l’un des plus grands portraitistes du XVIe siècle, et la principale caractéristique de ses portraits est sa capacité à créer des représentations étonnamment proches de la vie, tout en offrant une sensation d’abstraction et de distance, de pureté et d’éloignement. Cette sensation est également renforcée par l’utilisation de matériaux précieux : le fond du portrait de Bia, par exemple, est fait de lapis-lazuli. Dans ce tableau, on a donc l’impression de voir un enfant, doux et délicat, mais en même temps une figure fixe et presque abstraite, lointaine dans sa froideur presque glaciale.

Le portrait le plus célèbre de Bronzino est cependant celui d’Eleonora di Toledo: il date de 1545, alors que la duchesse a vingt-trois ans et qu’elle est l’épouse du duc Cosimo I depuis six ans. La jeune femme est représentée dans une robe somptueuse avec son fils Giovanni. Elle a été représentée avec son deuxième fils plutôt qu’avec son premier, car la famille attendait beaucoup de Giovanni, qu’elle espérait voir devenir cardinal d’abord, puis pontife, et il n’est donc pas surprenant que de nombreux portraits soient consacrés à l’enfant. La robe d’Aliénor de Tolède, rendue avec un incroyable réalisme matériel, est un grand chef-d’œuvre, et certains historiens de l’art ont été enclins à dire que le protagoniste du tableau n’est pas tant Aliénor que sa robe : une robe de brocart à la mode espagnole, avec un décolleté carré, un fin filet sur les épaules et des motifs végétaux or et noirs répétés sur toute la robe. Les bijoux sont décrits avec beaucoup de soin et, après tout, on sait que Bronzino nourrissait un intérêt particulier pour les bijoux, à tel point qu’il est possible de déceler dans certaines de ses peintures des liens avec l’art de Benvenuto Cellini : dans tout le XVIe siècle, aucun artiste n’a réussi mieux que Bronzino à décrire les bijoux en peinture d’une manière aussi raffinée et précise.

Au cours de sa carrière, Bronzino a exécuté plusieurs œuvres de nature allégorique, c’est-à-dire destinées à représenter un concept à travers la personnification de ses éléments : la plus célèbre, cependant, est certainement l’allégorie du Triomphe de Vénus, un chef-d’œuvre spectaculaire d’érotisme exécuté approximativement entre 1540 et 1545 en tant que cadeau pour le roi François Ier de France, commandé par Cosimo Ier. La déesse de l’amour figure au centre de la scène, entièrement nue, tandis que son fils Cupidon lui caresse le sein d’une main et lui embrasse la bouche : une œuvre d’un grand raffinement, dont la portée, à la fois érotique et symbolique, ne pouvait être comprise que par les cercles cultivés auxquels elle était destinée. On ne sait pas qui a suggéré le sujet complexe du tableau, qui pourrait être lu comme une allégorie de l’amour, examiné sous tous ses aspects, des plus heureux aux plus tristes. La nudité devient ainsi le symbole du caractère charnel de l’amour sensuel, et les gestes de Cupidon et de Vénus, le premier enlevant le diadème de la tête de sa mère et la seconde volant une flèche dans le carquois du dieu de l’amour, symbolisent la nature trompeuse de ce sentiment puissant. La tromperie prend également la forme de la petite fille que l’on voit à l’arrière-plan : il s’agit en fait d’une créature monstrueuse au visage angélique mais au corps de serpent et aux pattes de lion, qui apparaît également avec des mains inversées, portant un rayon de miel et un dard de scorpion, symboles de la joie et de la douleur que l’amour peut provoquer. La joie de l’amour est également symbolisée par le putto qui se tient derrière les deux protagonistes, mais qui est sur le point de se blesser avec des épines que l’artiste a placées sur le sol : un autre avertissement clair sur la nature de l’amour. Cependant, tous les spécialistes ne sont pas d’accord pour interpréter l’œuvre comme une allégorie de l’amour. Erwin Panofsky, l’un des plus grands historiens de l’art du XXe siècle, a proposé de lire le tableau comme une allégorie de la luxure: les détails révélateurs seraient le coussin de Cupidon, symbole de lascivité et de relâchement, ainsi que la figure du Temps, considéré comme celui qui démasque les tromperies de la luxure. Il s’agit de l’une des peintures les plus complexes et les plus raffinées du maniérisme, et le fait qu’aucun document n’ait survécu qui puisse nous aider à identifier la signification de l’œuvre rend l’affaire très compliquée, mais en même temps tout à fait fascinante.

Bronzino, Portrait d’Éléonore de Tolède (vers 1544-1545 ; huile sur panneau, 115 x 96 cm ; Florence, Offices)

Bronzino, Vénus, Cupidon et l’Envie (vers 1548-1550 ; huile sur panneau, 192 x 142 cm ; Budapest, Musée des Beaux-Arts)

Où voir les œuvres de Bronzino

Un voyage à travers l’art de Bronzino peut commencer à Florence, où se concentre la majeure partie de sa production. Des tondi de la chapelle Capponi aux fresques de la chapelle d’Éléonore au Palazzo Vecchio, des chefs-d’œuvre des Offices (comme les portraits de la famille Médicis, surtout celui d’Éléonore de Tolède, mais aussi des œuvres mythologiques comme Pygmalion et Galatée, des œuvres religieuses comme la célèbre Pietà et des sujets allégoriques comme l’Allégorie du bonheur public) à la basilique de la Santissima Annunziata où se trouve sa Résurrection, il est possible d’admirer les œuvres de Bronzino à Florence. Citons également le Museo dell’Opera di Santa Croce (la Descente aux limbes), la Galleria Palatina du Palazzo Pitti, la Galleria dell’Accademia (la Déposition), l’église Santa Maria Regina della Pace (l’Immaculée Conception).

Ses œuvres se trouvent également dans quelques (très rares, à vrai dire) musées italiens, comme la Pinacothèque du Palais Mansi à Lucques (où se trouve le portrait de François Ier de Médicis enfant), la Galleria Nazionale d’Arte Antica au Palais Barberini à Rome (où se trouve le Portrait de Stefano Colonna), la Galleria di Palazzo Colonna à Rome(Vénus, Cupidon et Satyre), la Pinacothèque de Brera à Milan, où l’on peut admirer le Portrait d’Andrea Doria en Neptune. De nombreux musées étrangers conservent ses œuvres : le plus grand chef-d’œuvre est certainement l’Allégorie du triomphe de Vénus à la National Gallery de Londres, mais d’autres œuvres importantes sont conservées à la National Gallery de Washington (où se trouve le célèbre portrait de Dante Alighieri), au musée des beaux-arts de Budapest (l’Adoration des bergers, Vénus, Cupidon et l’Envie), au Musée Pouchkine de Moscou, au Kunsthistorisches Museum (où se trouve la Sainte Famille avec Sainte Anne et Saint Jean), au Metropolitan Museum de New York, au Musée Thyssen-Bornemisza de Madrid, au Getty Museum de Los Angeles, au Louvre, au Prado, à la Gemäldegalerie de Dresde et à la National Gallery of Canada d’Ottawa.

Bronzino, la vie et l'œuvre du grand portraitiste du maniérisme

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