Arte Povera : origines, naissance et style du mouvement

L’Arte Povera désigne un mouvement artistique apparu en Italie dans les années 1960, auquel appartenaient de nombreux artistes destinés à devenir parmi les plus grands et les plus influents du XXe siècle, tels que Giulio Paolini, Pino Pascali, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Michelangelo Pistoletto et bien d’autres encore. On peut dire que la naissance du mouvement coïncide avec la première exposition des “artistes pauvres” organisée en 1967 à Gênes, à la galerie La Bertesca. Le terme a été inventé par le critique d’art Germano Celant (Gênes, 1940 - Milan, 2020), considéré comme le théoricien du mouvement, qui l’a utilisé dans son article Arte povera : appunti per una guer riglia (Art pauvre : notes pour une guérilla ) de 1967, publié dans la revue Flash Art.

Le nom “Arte Povera” fait référence à la fois aux matériaux utilisés par les artistes de l’Arte Povera (c’est-à-dire des matériaux humbles tels que le papier mâché, le fer de récupération, les chiffons, les objets recyclés, le bois, la terre, le plastique, etc.) et, surtout, au fait que l’objectif du mouvement était de s’opposer à l’art traditionnel et d’élaborer un langage capable de réduire à l’essentiel, d’“appauvrir” l’œuvre en d’autres termes, et qui soit plus adapté à la société contemporaine.

Un art pauvre, engagé dans la contingence, dans l’événement, dans l’anhistorique, dans le présent", écrivait Celant dans Arte povera : appunti per una guerriglia (Arte povera : notes pour une guérilla), “avec la conception anthropologique, avec l’homme ”réel“ (Marx), l’espoir, devenu sécurité, de jeter aux orties tout discours visuellement univoque et cohérent (la cohérence est un dogme qu’il faut briser !), l’uni-vocité appartient à l’art traditionnel.), l’univocité appartient à l’individu et non à ”son“ image et à ses produits. Une nouvelle attitude pour dominer ”réellement“ notre être, qui conduit l’artiste à se déplacer continuellement de sa place, du cliché que la société lui a imprimé sur le poignet”.

Les origines de l’Arte Povera

Le mouvement Arte Povera naît officiellement en 1967, lorsque la première exposition est organisée à la galerie La Bertesca de Gênes, au 13R Via Santi Giacomo e Filippo : la galerie avait été fondée l’année précédente par Francesco Masnata et Nicola Trentalance, âgés respectivement de 25 et 24 ans. Intitulée Arte Povera - Im Spazio, l’exposition présente douze artistes, chacun avec une œuvre (toutes les œuvres ont été créées cette année-là) : Alighiero Boetti (avec Catasta, seize tubes d’éternit de section quadrangulaire formant un parallélépipède), Luciano Fabro (avec Pavimento de 1967, une installation de carrés de linoléum recouverts de feuilles de papier journal), Jannis Kounellis (avec Senza titolo, un conteneur métallique rempli de charbon), Giulio Paolini (avec Lo Spazio, huit silhouettes peintes en blanc formant les mots “Lo Spazio”), Pino Pascali (avec 1 mètre cube de terre, 2 mètres cubes de terre, cubes en bois recouverts de terre), Emilio Prini(Perimetro di spazio, tubes néon), Mario Ceroli(Parcheggio, silhouettes en bois), Paolo Icaro(Gabbia, cage métallique peinte en rouge), Umberto Bignardi (présent avec une projection de diapositives), Renato Mambor et Eliseo Mattiacci (présents en binôme avec un tube en bois installé sur les escaliers de la galerie) et Cesare Tacchi (avec un fauteuil en simili-cuir).

Les Arte Poveristi se sont inspirés du théâtre pauvre du réalisateur polonais Jerzy Grotowski : l’Arte Povera partage avec le théâtre pauvre un intérêt pour les matériaux simples et ordinaires, collectés à la fois dans la nature et dans les usines, dans le monde industriel. Les raisons théoriques du groupe seront précisées par Celant dans un texte de 1969, où les motivations du groupe apparaissent plus clairement : “Les animaux, les légumes et les minéraux ont surgi dans le monde de l’art. L’artiste se sent attiré par leurs possibilités physiques, chimiques, biologiques, et recommence à sentir la tournure des choses dans le monde, non seulement comme un être animé, mais comme un producteur de faits magiques et merveilleux. L’artiste alchimiste organise les choses vivantes et végétales en faits magiques, il travaille à en découvrir le noyau, à les redécouvrir et à les exalter”. Pour Celant, le terme “pauvre” est donc plutôt à rapprocher du langage des artistes du groupe qui, explique le critique lui-même, “éliminent de leurs recherches tout ce qui pourrait ressembler à un reflet et à une représentation mimétique, à une habitude langagière”. Il ne s’agit donc pas de reconstruire la réalité par l’image, mais de faire entrer directement la réalité (naturelle ou artificielle : c’est pourquoi les matériaux provenaient de tous les horizons) dans l’art.

L’Arte Povera, dont les recherches seront développées et approfondies lors d’expositions ultérieures (par exemple celle organisée au GAM de Turin en 1970) ainsi que dans des articles de critiques tels que Renato Barilli, Carla Lonzi et d’autres, évolue dans un contexte international qui a vu fleurir l’Art Conceptuel, le Land Art, l’Art Minimaliste et d’autres formes d’expression qui partent d’intentions théoriques proches de celles qui ont animé les débuts du mouvement de l’Arte Povera. Avec le Land Art, par exemple, l’Arte Povera partage l’idée que l’œuvre se développe dans un espace naturel et dans le paysage(Giuseppe Penone est, parmi les povéristes, l’artiste qui a le plus insisté sur ce concept). Rapidement, l’Arte Povera s’est imposé comme un mouvement artistique international majeur (à tel point qu’il est aujourd’hui considéré comme l’avant-garde italienne la plus importante de la seconde moitié du XXe siècle, ainsi que comme le dernier mouvement italien à avoir une forte pertinence mondiale), et les œuvres des Poveristi se trouvent aujourd’hui dans les plus grands musées du monde. Le principal mérite des Poveristi a été d’élargir les possibilités de la pratique artistique en ouvrant l’œuvre à des matériaux qui n’avaient jamais été envisagés auparavant, et donc d’ouvrir l’œuvre à des significations jusqu’alors inexprimées. Il ne faut pas non plus oublier le rôle que l’Arte Povera a joué en tant que protestation contre des formes d’art perçues comme liées au capitalisme (le Pop Art, par exemple, dont l’Arte Povera est l’exact opposé : d’un côté l’œuvre sérielle, l’œuvre comme produit, l’œuvre comme bien de consommation, de l’autre l’œuvre comme fait culturel, mais aussi comme fait éphémère, comme retour à la nature).

Les principaux poveristes et leur style

Les recherches de Giulio Paolini (Gênes, 1940) portent sur le langage et le rôle même de l’artiste, ainsi que sur ses modes d’expression. Il est le plus conceptuel des poveristi et le premier à avoir parlé de la “pauvreté de l’art”. Sa pratique utilise abondamment la photographie et les citations de l’art du passé, comme en témoigne l’un de ses premiers chefs-d’œuvre, le Jeune homme regardant Lorenzo Lotto de 1967, reproduction photographique d’une œuvre de Lorenzo Lotto (le Portrait d’un jeune homme) accompagnée d’une légende expliquant la tentative de l’artiste de recréer le point occupé par l’auteur en 1505 et par le spectateur actuel du tableau(lire notre entretien avec Giulio Paolini ici). Alighiero Boetti (Turin, 1940 - Rome, 1994) travaille avec des matériaux textiles et est surtout connu pour ses cartes, spécialement brodées par des tisserands asiatiques (principalement afghans) où les pays sont identifiés par leurs drapeaux, ainsi que pour ses peintures faites de lettres colorées qui composent des phrases pouvant être lues dans des directions différentes à chaque fois. Les cartes sont une façon pour Boetti d’observer les changements dans le monde, tandis que les jeux de mots sont une invitation pour le spectateur à raisonner sur l’art et les êtres humains.

L’objectif de Michelangelo Pistoletto (Biella, 1933), en revanche, est l’implication maximale du spectateur qui, dans les Miroirs, produits sans relâche par l’artiste depuis les années 1960 jusqu’à aujourd’hui, devient le principal protagoniste de l’œuvre d’art (et avec lui tout l’environnement qui l’entoure). Pistoletto est également l’auteur de l’une des œuvres symboliques du mouvement, la Vénus de chiffons, une installation provocante où une reproduction d’une Vénus antique se dresse devant une montagne de chiffons, comme pour symboliser le désaccord entre la beauté de l’art et le chaos de la société contemporaine. Pino Pascali (Bari, 1935 - Rome, 1968), le plus ironique des poveristi (ses “bachi da setola” (vers à poils) sont célèbres) créait des compositions surprenantes résultant de l’utilisation inhabituelle d’objets quotidiens. Mais chez Pino Pascali, la recherche sur l’espace est également fondamentale, avec de grandes installations capables d’occuper même de très grands espaces (comme 32 mètres carrés de mer, peut-être son œuvre la plus célèbre, une réflexion sur le conflit entre nature et culture et sur la façon dont l’art considère les éléments de la nature). Jannis Kounellis (Le Pirée, 1936 - Rome, 2017), artiste d’origine grecque, est le plus “objectif” des paupéristes, l’artiste où la frontière entre l’art et la réalité est la plus floue (à tel point que ses œuvres n’ont jamais de titre, précisément parce qu’elles sont évidentes) : célèbre, par exemple, est l’installation Untitled avec laquelle il a amené douze chevaux vivants à la galerie L’Attico à Rome en 1969.

Les œuvres de Mario Merz (Milan, 1925 - 2003) sont axées sur le thème de la croissance et du développement, particulièrement présent dans les années 1960 et 1970. Ses igloos, réalisés avec différentes techniques et matériaux, sont célèbres et deviennent le symbole de l’interaction entre les êtres humains et la nature et de la transformation de cette dernière par les premiers : l’igloo, archétype de l’habitation, est également une métaphore des relations entre l’intérieur et l’extérieur, ainsi qu’entre l’individu et la communauté. Marisa Merz (Maria Luisa Truccato ; Turin, 1926 - 2019), la seule femme de l’arte povera, épouse de Mario Merz, était célèbre pour ses œuvres en laine ainsi que pour ses “environnements”, des installations qui interagissaient totalement avec l’espace en occupant toutes les pièces dans lesquelles elles étaient exposées. Giuseppe Penone (Garessio, 1947) est le poverista le plus étroitement associé à la nature(pour en savoir plus sur son art, cliquez ici) et intervient généralement avec ses œuvres directement dans le paysage. Cependant, ses œuvres reproduisent également les éléments de la nature, en se concentrant en particulier sur les processus de croissance : c’est ce qui se passe dans Alberi (Arbres), où de grands troncs d’arbres sont reproduits avec différents matériaux, griffés et coupés par l’action de l’être humain, qui ne parvient cependant pas à affecter la structure de l’arbre, qui est donc rendu par l’artiste à l’observateur dans son essentialité.

Luciano Fabro (Turin, 1936 - Milan, 2007) est entré dans l’histoire pour ses Italie, œuvres avec lesquelles l’artiste a reproduit les contours du bel paese dans différents matériaux avec des effets toujours aliénants (un matériau différent était utilisé à chaque fois) et en les chargeant souvent de significations satiriques et idéologiques, comme dans Italy hanging with a noose upside down (Italie suspendue avec un nœud coulant à l’envers). Giovanni Anselmo (Borgofranco d’Ivrea, 1934) est l’auteur d’œuvres qui explorent le thème de l’énergie et de l’invisible, tentant de rendre ces concepts à travers de grandes installations d’objets en relation les uns avec les autres (avec des rencontres d’éléments différents, des équilibres, des tensions). Emilio Prini (Stresa, 1943 - Rome, 2016), le plus insaisissable et le moins prolifique des Poveristes, mais peut-être aussi le plus fondamentaliste, s’est consacré à des actions ou des installations qui remettaient continuellement en question leur légitimité, en utilisant des médias tels que la photographie, le son et le texte pour remettre en question le sens de la perception du relatif et ses expériences de l’art. Les œuvres de Pier Paolo Calzolari (Bologne, 1943) associent des éléments du monde naturel à d’autres du monde industriel pour faire interagir les deux mondes, incorporant souvent une dynamique d’action et de mouvement dans les œuvres. Enfin, Gilberto Zorio (Andorno Micca, 1944), sculpteur, aborde le thème de la transformation de la matière dans ses œuvres, créant des œuvres en constante évolution.

Arte Povera : origines, naissance et style du mouvement

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