Art nouveau: origines et développement international à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle

L’Art nouveau est un style d’art décoratif d’importance internationale qui s’est développé à partir des Sécessions et s’est largement répandu en Europe et aux États-Unis à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Il s’agit d’une tentative délibérée de créer un nouveau style, libéré de l’historicisme imitatif et de la variété des autres styles qui ont dominé une grande partie du XIXe siècle. Ce style a touché la peinture et la sculpture, et plus encore l’architecture et les arts appliqués, le graphisme et le design, à la recherche d’une nouvelle beauté dans les produits manufacturés et industriels. Depuis la décoration intérieure et urbaine, le mobilier et les textiles, la verrerie et la joaillerie jusqu’à l’éclairage et même l’art funéraire et la publicité.

Le nom “Art nouveau” est apparu dans les milieux artistiques anti-académiques en Belgique en 1884 et a également été utilisé en France, puis a varié dans les différents pays où il s’est répandu: en Italie “Stile Floreale ou Liberty”, en Allemagne “Jugendstil”, en Autriche “Sezessionstil”, en Espagne “Modernism”, en Angleterre“Modern Style” et en Ecosse “Glasgow School”, tandis qu’aux Etats-Unis il conserve le nom d’Art Nouveau. Il s’est développé plus rapidement dans les pays ou régions revendiquant une plus grande autonomie culturelle et dans ceux qui connaissaient la prospérité économique. Il a dominé dans les nouveaux quartiers construits pour faire face à l’urbanisation croissante à la fin du 19e siècle, pour disparaître presque complètement pendant la Première Guerre mondiale.

La caractéristique ornementale distinctive de l’Art nouveau est la ligne ondulée asymétrique basée sur un répertoire naturaliste de plantes et d’animaux, prenant souvent la forme de tiges et de bourgeons de fleurs, de vrilles, d’ailes d’insectes et d’autres formes naturelles sinueuses. Les artistes se sont inspirés à la fois des formes organiques et fluides et des formes plus géométriques, l’accent étant mis sur les contours linéaires plutôt que sur la couleur.

Dans les arts graphiques, l’effet décoratif de la ligne est en effet prépondérant et reconnaissable sur tous les autres éléments picturaux. Comme dans l’architecture et les autres arts plastiques, la forme tridimensionnelle suit un rythme organique et linéaire, créant une correspondance entre la structure fonctionnelle et l’ornement. C’est surtout dans les intérieurs architecturaux que cette conception de l’ornement combinée à la fonction des éléments est apparue, par opposition aux valeurs architecturales traditionnelles de rigueur et de clarté de la structure, selon lesquelles, par exemple, les colonnes, les poutres et les fenêtres, en plus de leur fonction propre, pouvaient concevoir une vision intérieure organique totale.

Le système académique dominant dans l’enseignement de l’art du 17e au 19e siècle avait jusqu’à présent soutenu la croyance que les médias tels que la peinture et la sculpture étaient supérieurs aux métiers tels que la conception de meubles et d’objets. Les artistes de l’Art nouveau ont cherché à renverser cette conviction, en proposant une nouvelle orientation du goût et en aspirant à des œuvres d’art totales, selon le concept exprimé en allemand Gesamtkunstwerk, populaire depuis 1849, qui décrit la combinaison de différentes expressions artistiques en un tout cohérent, où chaque élément contribue harmonieusement à l’ensemble. L’Art nouveau a minimisé le fossé entre ce que l’on appelle les Beaux-Arts et les arts appliqués, donnant une impulsion au Modernisme, et faisant rage jusque vers 1910, grâce à un grand nombre d’artistes, d’architectes et de designers qui ont ouvert la voie au développement de l’Art déco dans les années 1920, pour être repris, revitalisé, dans certaines tendances, dans les années 1960 et 1970.

Origine et développement international de l’Art nouveau

L’Art nouveau, littéralement “nouvel art”, a un précédent anglais vers 1880 dans le mouvement britannique Arts and Crafts ("arts et métiers "), qui a établi l’importance d’un style vital dans les arts appliqués, né en réaction aux arts décoratifs de l’ère victorienne en particulier et qui prônait une réévaluation de l’artisanat de qualité face à la production industrielle écrasante et au déclin du goût qui en a résulté dans la seconde moitié du 19e siècle. Le style Art nouveau absorbe en même temps l’influence de la peinture, du graphisme et des gravures sur bois japonais, qui déterminent le goût pour l’asymétrie, les coupes audacieuses dans la composition, la rapidité d’exécution, la collaboration entre l’art et l’artisanat et, d’une manière générale, une poussée dans la peinture vers une stylisation des figures et une conception décorative de la forme, souvent liée à des motifs symboliques. Ce sont tous des éléments clés du style Art nouveau, tels que les formes florales et bulbeuses, les courbes “en coup de fouet” et les contours forts, ainsi que la caractéristique sensuelle des figures, en particulier les femmes langoureuses et mystérieuses.

Le phénomène du japonisme a influencé de nombreux artistes européens dans les années 1880 et 1890. Parmi eux, le peintre autrichien Gustav Klimt ( Baumgarten, 1862 - Vienne, 1918), considéré comme un peintre novateur de l’Art nouveau et un maître du modernisme, qui, en tant que membre fondateur de la Sécession viennoise, a rejeté les principes de la peinture académique et déterminé une imagerie de formes sophistiquées mais sans profondeur, que l’on peut rattacher à la bidimensionnalité japonaise. La linéarité et les motifs courbes empruntés à la nature ont été réutilisés de manière “logique” et sont devenus des clichés graphiques à part entière. Il est cependant difficile d’identifier la ou les premières œuvres d’art qui lancent officiellement le style Art nouveau. Le terme a été inventé par le périodique belge L’Art Moderne pour décrire le travail du groupe d’artistes Les Vingt (vingt artistes belges qui, à l’instar de ce qui s’est passé à Paris avec le Salon des Artistes Indépendants rejeté par l’exposition officielle, ont inauguré le Salon des XX) et à Paris par Siegfried Bing, un marchand d’art qui, en 1895, a baptisé sa galerie “L’Art Nouveau”. Certains historiens de l’art affirment que les lignes modelées, fluides et les fonds floraux que l’on retrouve dans les peintures de Vincent van Gogh et de Paul Gauguin ou encore dans les œuvres graphiques d’Henri de Toulouse-Lautrec, comme Moulin Rouge: La Goulue (1891), représentent la naissance de l’Art nouveau, bien que l’origine et le développement du courant soient dus à l’architecture et aux arts décoratifs. On peut baptiser ’Art Nouveau’ la première utilisation de certains matériaux comme le fer par l’architecte belge Victor Horta (Gand, 1861 - Bruxelles, 1947) pour les maisons de la bourgeoisie bruxelloise vers 1893. L’exposition de Tervueren à Bruxelles en 1897, les expositions universelles de 1889 et 1900 à Paris, l’exposition internationale des arts décoratifs modernes à Turin en 1902 et l’exposition internationale de l’Est de la France à Nancy en 1909 témoignent de son apogée.

De nombreux artistes, architectes et designers ont travaillé dans le style Art nouveau, en conservant, malgré les différences dues à la large diffusion internationale, certains traits caractéristiques communs, tels que la ligne ornementale. La fluidité des lignes, les compositions asymétriques sans perspective géométrique et les délicates nuances de couleurs ont créé un nouveau vocabulaire ornemental.

Outre Klimt, l’Anglais Aubrey Beardsley (Brighton, 1872 - Menton, 1898), qui a créé une série de graphiques et d’affiches utilisant des lignes gracieuses et rythmées au cours de sa courte carrière, en est l’un des représentants dans le domaine de la peinture. Les estampes très décoratives de Beardsley, telles que The Peacock Skirt (1894), avec leur rendu aplati des formes, représentent un lien encore plus direct entre l’Art nouveau et les estampes japonaises. Mais les peintres de l’Art nouveau proprement dit sont peu nombreux: Klimt ne compte guère d’élèves ou de disciples, et parmi les Français, Victor Prouvé (Nancy, 1858 - Sétif, 1943) est tout aussi connu en tant que sculpteur et créateur de meubles.

Parmi d’autres, un large éventail d’interprètes influents du style: à commencer par les Belges Henry van de Velde (Anvers, 1863 - Oberägeri, 1957) et Victor Horta lui-même, qui a conçu l’Hôtel Tassel ou “Maison Tassel”, considéré comme le tout premier bâtiment Art nouveau, dont les structures extrêmement sinueuses ont influencé l’architecte français Hector Guimard (Lyon,1867 - New York, 1942) , qui a également créé la “Maison Tassel”. New York, 1942) , autre figure décisive, auteur en 1900 des entrées du métro parisien; l’architecte et graphiste écossais Charles Rennie Mackintosh (Glasgow, 1868 - Londres, 1928) , qui affirma une ligne à dominante géométrique et influença particulièrement le Sezessionstil autrichien ; les designers français Louis Majorelle (Toul, 1859 - Nancy, 1926), pour le mobilier et les objets en fer, et René Lalique (Ay, 1860 - Nancy, 1926), pour le mobilier et les objets en fer, qui influença particulièrement le Sezessionstil autrichien. Lalique (Ay, 1860 - Paris, 1945), pour le verre et les bijoux ; le graphiste tchécoslovaque Alfons Mucha (Ivančice, 1860 - Prague, 1939), connu pour son travail sur les affiches publicitaires ; le verrier américain Louis Comfort Tiffany (New York, 1848 - 1933), l’architecte américain Louis Henry Sullivan (Boston, 1856 - Chicago, 1924), qui a utilisé les techniques de l’architecture et de l’urbanisme pour créer des édifices à l’image de l’architecture autrichienne. Chicago, 1924), qui a utilisé le fer Art nouveau représentant des plantes pour décorer ses bâtiments de structure traditionnelle ; et l’architecte et sculpteur espagnol Antoni Gaudí (Reus, 1852 - Barcelone, 1926) , l’un des artistes les plus originaux du mouvement et le plus grand représentant du modernisme catalan, qui a dépassé l’utilisation de la ligne pour transformer les bâtiments en constructions courbes, organiques et aux couleurs vives. On lui doit quelques-unes des constructions les plus exemplaires: à Barcelone, les bancs du Parc Güell sont conçus pour s’aligner sur la colonne vertébrale humaine et les balcons de la Casa Milà (“La Pedrera”) représentent des abstractions de feuilles et de brins d’herbe. C’est cette inspiration qui distingue Gaudí des autres styles de l’époque et l’inscrit dans le courant de l’Art nouveau. Son œuvre la plus célèbre, le grand temple de la Sagrada Familia, est toujours en construction depuis 1882.

Dans le développement européen de ce style, la relation avec l’industrie et l’utilisation de nouvelles techniques et de nouveaux matériaux ont été un stimulant décisif pour la recherche de solutions stylistiques et pour la naissance d’un nouveau concept d’unité entre le design et le produit: entre le travail du matériau et la fonctionnalité de l’objet dans l’artisanat, entre l’intérieur et l’extérieur dans l’architecture. Les magazines, illustrés, avec des contributions et des photographies, ont joué un rôle décisif. Parmi les premières, la revue anglaise The Studio, qui paraît également en français à partir de 1893, organise des concours de création dans le domaine des arts appliqués. L’art moderne à Bruxelles et Van Nu en Straks, déjà cités, montrent le rôle d’avant-garde joué par la Belgique dans le développement de l’Art nouveau. À Vienne, Ver Sacrum (1898- 1903), l’organe officiel de la Sécession présidée par Klimt, auquel se joignent des architectes élèves d’Otto Wagner, Joseph M. Olbrich et Josef Hoffmann ; à Munich, la Jugend (à l’origine du terme Jugendstil) autour de laquelle se regroupent des artistes comme Hermann Obrist et Otto Eckmann qui travaillent sur des motifs décoratifs végétaux ; à Barcelone, la revue Joventut et en France, à travers les revues parisiennes Art et décoration de 1897 et L’Art décoratif, où Siegfried Bing organise parallèlement un “premier Salon de l’Art”, le premier Salon de l’Art et de la Décoration. Il y présente des peintures d’Eugène Carrière, de Maurice Denis et de Fernand Knopff, des sculptures d’Auguste Rodin, des verres d’Émile Gallé et de Tiffany, des bijoux de Lalique, des affiches de Beardsley et de Mackintosh et, en 1896, la première exposition parisienne d’Edvard Munch.

L’enthousiasme pour l’Art nouveau atteint son apogée vers 1902, année où se tient à Turin, en Italie, l’Exposition internationale d’art décoratif moderne, également connue sous le nom de Première exposition internationale d’art décoratif moderne. Les plus grands exemples européens d’architecture, de mobilier, d’arts appliqués et de graphisme sont exposés dans le parc du Valentino. Il s’agissait du premier aperçu du style connu sous le nom d’Art nouveau, dont Turin allait être reconnue comme la capitale, et nommé d’après les entrepôts Liberty d’Arthur Lasemby à Londres, spécialisés dans la vente de tissus floraux et d’ameublement à partir de 1895. Liberty & Co. était le principal distributeur des objets de ce style en Grande-Bretagne et en Italie, où son nom est devenu synonyme du style.

Au cours de la première décennie du XXe siècle, le style, également appelé “floral”, a fait rage dans tous les domaines de l’art. Des exemples de cette diffusion peuvent être observés dans la prédominance de la ligne au sens décoratif, à côté des fortes influences des courants plus symbolistes de l’Art nouveau européen et en particulier de la Sécession viennoise et de Klimt, à partir d’œuvres telles que le manifeste de Leonardo Bistolfi pour l’Exposition de Turin, sculpteur également connu pour ses monuments funéraires, et dans l’œuvre architecturale de Raimondo D’Aronco, qui a conçu les pavillons de l’Exposition de 1902.

Parmi les autres représentants italiens de la brève saison de l’Art nouveau italien, citons l’architecte et ingénieur Pietro Fenoglio qui, la même année que l’Exposition, signe à Turin deux œuvres qui constituent deux importants exemples italiens du nouveau style: la Villa Scott et la Casa Fenoglio-La Fleur. Et ses collègues Ernesto Basile, Giuseppe Sommaruga, Gino Coppedè, ou pour son œuvre picturale, décorative, céramique et scénographique Galileo Chini, le soi-disant Klimt italien.

L’héritage de l’Art nouveau

Après 1910, le style Art nouveau s’estompe pour se réaffirmer comme un style décisif et historiquement significatif dans le design des années 1960, à la fois à travers d’importantes expositions à New York (1959), Paris (1960) et Londres (1966) et dans le travail d’autres artistes qui, s’inspirant des qualités linéaires et libres du style historique, s’opposent à l’esthétique limitative, impersonnelle et de plus en plus minimale qui prévaut dans les arts graphiques à la fin des années 1970. Une réévaluation du style qui était considéré par certains critiques d’art comme une tendance éphémère et passagère est maintenant comprise comme l’expression de la méthode de conception, de l’esprit et de la pensée intellectuelle d’une certaine époque, centrée autour de 1900.

Où voir les œuvres de l’Art nouveau

Outre les œuvres d’art graphiques et visuelles disséminées dans de nombreux musées à travers le monde, l’Art nouveau est visible à travers son architecture dans des centres urbains tels que Paris, Bruxelles, Glasgow, Turin, Barcelone, Anvers et Vienne, ainsi que dans des villes plus petites comme Nancy et Darmstadt, et dans des villes d’Europe de l’Est comme Riga, Prague et Budapest.

Aujourd’hui, il est toujours reconnaissable dans différentes structures, des petites maisons mitoyennes aux grands bâtiments institutionnels et commerciaux aux expressions multiples. De nombreux bâtiments intègrent une utilisation prodigieuse de la terre cuite et des tuiles colorées. D’autres structures Art nouveau, en particulier en France et en Belgique, montrent les possibilités technologiques d’une structure en fer reliée à des panneaux de verre.

Dans de nombreuses régions d’Europe, l’architecture résidentielle de l’Art nouveau se caractérise par l’utilisation de la pierre locale, comme le calcaire jaune, ou d’une esthétique rurale rocheuse et irrégulière avec des finitions en bois. Dans plusieurs cas, un revêtement sculptural typique en stuc blanc a été utilisé, en particulier pour les bâtiments destinés aux expositions, comme les pavillons de l’Exposition universelle de Paris en 1900 et le palais de la Sécession à Vienne. Toujours aux États-Unis, les formes végétales qui ornent les gratte-ciel de Louis Sullivan, comme le Wainwright Building et la Bourse de Chicago, sont souvent considérées comme l’un des meilleurs exemples de la vaste portée architecturale de l’Art nouveau.

En outre, de nombreux monuments sont inscrits au patrimoine mondial de l’UNESCO, comme les hôtels particuliers de l’architecte Victor Horta à Bruxelles et à Saint-Gilles, et sept bâtiments d ’Antoni Gaudí à Barcelone et à Santa Coloma de Cervelló. L’une des villes européennes comptant le plus grand nombre de bâtiments Art nouveau reconnus par l’UNESCO est Riga, en Lettonie, où se trouve également le Centre Art nouveau de Riga.

Pour connaître tous les nombreux témoignages en Europe, vous pouvez vous orienter en consultant le Réseau Art Nouveau Network (RANN ), qui réunit depuis 1999 les villes et les institutions ayant un riche patrimoine Art nouveau dans un premier réseau de coopération européen.

Antoni

Antoni Gaud

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