Oro y tormento: la poética de Klimt y Schiele en el Museo Leopold de Viena

El Museo Leopold, situado en el MuseumsQuartier de Viena, uno de los mayores complejos artísticos del mundo, alberga una de las colecciones más importantes del mundo de arte austriaco de la segunda mitad del siglo XIX y del Modernismo. Fundado por Rudolf y Elisabeth Leopold, el museo alberga más de 8.300 obras, una de las mayores y más importantes colecciones del Modernismo austriaco, con especial atención a las obras maestras de Egon Schiele y Gustav Klimt. Alrededor de la década de 1950, Rudolf Leopold, oftalmólogo de profesión, comenzó a coleccionar obras de arte, concentrándose principalmente en Schiele, logrando adquirir numerosas obras a precios relativamente bajos. Más tarde, en la década de 1960, la colección creció considerablemente hasta incluir obras de artistas expresionistas como Oskar Kokoschka, Richard Gerstl y Gustav Klimt. A lo largo de su vida, Rudolf Leopold no sólo coleccionó obras de arte, sino también muebles y objetos de decoración pertenecientes al Jugendstil y a las Wiener Werkstätte, creados por artistas como Josef Hoffmann y Koloman Moser. Hombre de mente abierta e interesado por diferentes culturas y tradiciones artísticas, su colección también incluía objetos de África, Oceanía y Asia Oriental. En 1994, el Estado austriaco reconoció el inestimable valor de la colección privada de Leopold y, con el fin de preservarla y hacerla accesible al público, fue transferida a la Leopold Museum-Privatstiftung, con el apoyo de la República de Austria y el Österreichische Nationalbank. La fundación surgió así de un acuerdo entre Rudolf Leopold y el gobierno austriaco, que preveía la cesión de más de 5.000 obras y objetos a la fundación a cambio de la construcción de un museo adecuado para albergarlos, que se inauguró en 2001.

En el interior del museo, más de 200 piezas entre pinturas, dibujos y obra gráfica componen la mayor colección mundial de Egon Schiele (Tulln an der Donau, 1890 - Viena, 1918), uno de los artistas más influyentes y provocadores del siglo XX, considerado uno de los máximos exponentes del primer expresionismo austriaco. Entre las obras más importantes que alberga se encuentran elAutorretrato con Alchechengi y el Retrato de Wally Neuzil.

Schiele, cuyo talento surgió precozmente, se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Viena gracias a su tío Leopold Czinaczek, que había tomado a su sobrino bajo tutela tras la muerte de su padre. Sin embargo, pronto se rebeló contra las rígidas convenciones académicas, deseoso de explorar nuevas formas de expresión artística. Por ello comenzó a estudiar de forma independiente y frecuentaba los cafés vieneses, lugares donde tuvo la oportunidad de conocer a figuras más inclinadas a la experimentación. Con gestos excéntricos y expresiones faciales intensas, Schiele comunicaba un afán por explorar sin descanso el cuerpo humano, sugiriendo cómo la autorreflexión era una profunda fusión de corporeidad, sexualidad y cuestiones existenciales. De personalidad atormentada, en sus obras Schiele empleaba líneas afiladas e incisivas para representar unaangustia vital. Sus obras, compuestas en su mayoría por retratos femeninos, tendían a representar el cuerpo de forma agresiva, exasperando su fisicidad. Sus modelos eran, de hecho, mujeres a las que estaba muy unido a nivel personal, como su hermana Gerti y Wally Neuzil, su amante y protagonista de sus retratos más eróticos. El erotismo y la sexualidad que desataban los cuerpos jóvenes en la transición de la adolescencia a la edad adulta también fueron objeto de investigación en su arte, como puede verse en Mujer tumbada, 1917, ahora en el museo. Sus autorretratos, por otra parte, revelan una profunda introspección y una marcada vulnerabilidad, reflejo de la misma crisis que se apoderó de la ciudad de Viena en aquella época. La ciudad, con sus evidentes contrastes, se erigió en el centro tanto de la élite aristocrática como de los intelectuales liberales, con la majestuosa presencia de la Ringstrasse y el oscuro telón de fondo de los barrios bajos. En general, los cuerpos de Schiele se sitúan en un espacio vacío, símbolo de la dimensión existencial humana, suspendida entre la vitalidad y la muerte. Schiele encontró correspondencias en las artes plásticas con la crisis del individuo, un tema ampliamente explorado en la filosofía, la psicología, la literatura y el teatro vieneses en torno a 1900. Un ejemplo de ello es La muerte y la doncella, de 1915, una de sus obras más famosas, conservada en el Belvedere de Viena, que representa la conexión entre Eros y Tánatos, entre la vida y la muerte, y refleja sus luchas personales y su visión del mundo, así como la sexualidad y el erotismo. La intensidad emocional del cuadro se ve acentuada por su composición dramática y su paleta de colores. A pesar de su breve periodo de actividad artística, Schiele fue increíblemente prolífico: produjo cientos de dibujos, pinturas y acuarelas, cada uno con un sello personal distintivo. Su carrera se vio trágicamente truncada en 1918, cuando murió prematuramente con sólo veintiocho años, víctima de la pandemia de gripe española.

En 1907 tuvo lugar en un café vienés un encuentro fundamental en la carrera artística de Schiele: conoció a Gustav Klimt (Baumgarten, 1862 - Viena, 1918), figura destacada del Art Nouveau y protagonista de la Secesión vienesa. Klimt se convirtió en el mentor de Schiele, guiándole en la representación del desnudo artístico y elerotismo, temas centrales para ambos, pero que Schiele interpretó con una intensidad y vulnerabilidad que le distinguieron. Mientras que Klimt era conocido por sus elegantes retratos y su fastuoso uso deloro, Schiele destacaba por su exploración de laangustia humana y la fragilidad de la existencia. Aunque ambos participaron en el movimiento artístico vienés y compartían el interés por el erotismo y la sensualidad, sus expresiones artísticas eran diferentes, ya que Schiele adoptaba una visión más cruda y experimental de la condición humana. Los comienzos artísticos de Klimt estuvieron fuertemente enraizados en las tradiciones del Gründerzeit, un periodo de rápida industrialización en Europa central, y el historicismo. Durante esta etapa, Klimt realizó encargos principalmente a través de la Künstler-Compagnie (Compañía de Artistas), colectivo que fundó junto con su hermano Ernst Klimt y Franz von Matsch. Sus obras incluían retratos realistas, como la Niña sentada de 1894, que forma parte de la Colección Leopold. A mediados de la década de 1890, Klimt abandonó esta primera etapa para desarrollar un estilo individualista. Sus atrevidos diseños para los frescos del Gran Salón de la Universidad de Viena provocaron un escándalo, pero al mismo tiempo le situaron como pionero del modernismo austriaco. Fundó, junto con un grupo de artistas, la revolucionaria Unión de Artistas Austriacos - Secesión, asumiendo la presidencia del grupo. Además de su famosa Edad de Oro y sus icónicas representaciones de mujeres, Klimt también se aventuró en el tema del paisaje, especialmente durante sus estancias estivales en el Salzkammergut. El Museo Leopold alberga una de las obras alegóricas más importantes de Klimt: Tod und Leben(Muerte y vida), pintada en 1910-1911 y revisada en 1915-1916. En la composición, Klimt representó el ciclo de la vida humana a través de varias figuras que representan la Vida y la Muerte, esta última sosteniendo un garrote en sus manos esqueléticas. De forma simbólica, Klimt optó por personificar a la Muerte con un esqueleto vestido con elegantes ropajes y suntuosos ornamentos, entre ellos cruces, rememorando una tradición iconográfica arraigada durante siglos. En contraste con la figura de la Muerte, el grupo de figuras de la derecha simboliza la vida y la esperanza, creando una composición en dos partes. El grupo permanece en un estado pasivo, como dormido, y parece ajeno a la presencia de la Muerte. Las personas representadas parecen impotentes ante el destino impuesto por la Muerte. Partes del cuerpo desnudas se alternan con ornamentos de color, ilustrando el juego de Klimt entre ocultación y revelación. Por razones que aún se desconocen, Klimt decidió rehacer el cuadro en 1915, cambiando tanto los colores, en particular el fondo, como la composición con respecto a la primera versión, documentada por una fotografía histórica en color publicada en una revista de arte en 1913.

La relación entre Schiele y Klimt es un elemento clave en la narrativa artística del Museo Leopold. Klimt desempeñó el papel de maestro y mentor del joven Schiele, cambiando su estilo y su enfoque del arte. La dinámica de influencia entre los dos artistas se refleja en la disposición de las obras en el museo vienés: los visitantes tienen así la oportunidad de percibir el diálogo artístico que caracterizó su vínculo. A través de las obras expuestas, los visitantes pueden explorar las similitudes y diferencias entre ambos, en el estilo y las técnicas utilizadas por Klimt y Schiele. Esto permite captar la evolución del arte vienés y comprender mejor la influencia mutua que ambos artistas ejercieron el uno sobre el otro.

El Museo Leopold también muestra en su exposición permanente Viena 1900. Los inicios del Modernismo una panorámica de las expresiones artísticas que marcaron esta época: alrededor de 1.300 objetos entre pinturas, obras gráficas, esculturas, fotografías, así como objetos de vidrio, cerámica, metal, tela y cuero, joyas y muebles, dispuestos en más de tres niveles, sumergen al público en el Modernismo vienés. El museo también acoge regularmente exposiciones temporales que exploran temas específicos del arte austriaco o presentan a artistas internacionales, contribuyendo así al diálogo cultural contemporáneo y enriqueciendo la oferta cultural de la capital austriaca.

Pero el propio edificio, diseñado por los arquitectos Ortner & Ortner, también puede considerarse una obra de arte: un cuboide, revestido por todos lados de piedra caliza blanca, aparentemente lisa muestra a la luz rasante superficies de estructura diferente que confieren a la masa pétrea una extraña transparencia. Por último, desde la azotea del museo se puede disfrutar de fantásticas vistas de la ciudad: desde septiembre de 2020, la terraza MQ Libelle, que debe su nombre a su forma de libélula, está abierta al público cuando hace buen tiempo, aproximadamente de abril a octubre, con entrada gratuita. En esta época del año, por tanto, después de una visita al Museo Leopold, merece la pena subir al MQ Libelle para tomar un refresco y relajarse admirando la hermosa vista sobre la ciudad y la vibrante vida del MuseumsQuartier.

Oro y tormento: la poética de Klimt y Schiele en el Museo Leopold de Viena

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