Animales y lugares fantásticos en los museos de Italia: Las Marcas

Hemos llegado a la etapa número doce de nuestro viaje por los museos italianos en busca de animales, criaturas y lugares fantásticos. Esta vez, el itinerario se detiene en la región de Las Marcas en busca de las presencias en los museos de la región. ¡Esto es lo que hemos encontrado! El proyecto está realizado por Finestre sull’ Arte en colaboración con el Ministerio de Cultura para promover la asistencia a los museos, lugares seguros y aptos para todos (familias, niños, amigos, parejas, colegas, visitantes individuales... ), a través de un punto de vista diferente.

1. El Pegaso de los pendientes del Museo Arqueológico Nacional de las Marcas

Según la mitología griega, fue el caballo alado que domesticó el héroe Belerofonte, y acompañó a éste en la empresa que le llevó a derrotar a la Quimera, otra criatura fantástica. También según el mito, Pegaso golpeó con su pezuña el monte Helicón, haciendo brotar un manantial llamado “Hipocrene” (es decir, “manantial del caballo”), que luego se convirtió en sagrado para las musas. Aquí vemos a Pegaso en un par de pendientes de aro de oro fino, trabajados con la forma del caballo alado: el orfebre antiguo que realizó estas dos piezas trabajó toda la parte delantera para darle la forma del caballo alado. Se trata de una elegante pieza de orfebrería que puede compararse con el trabajo del Mediterráneo oriental: fue hallada en la tumba de una mujer, junto con otras joyas, en la necrópolis de Montefortino di Arcevia. Según los expertos, este objeto data de finales del siglo III a.C. y demuestra la calidad de la producción orfebre que se alcanzaba en la zona en aquella época.

2. El grifo del sarcófago de Medea en el Museo Arqueológico Nacional de las Marcas

El Museo Archeologico Nazionale delle Marche alberga un suntuoso sarcófago romano de alrededor del año 150 d.C., en el que se narra toda la historia de Medea. La versión más famosa es la narrada en la Medea de Eurípides: la hechicera Medea había ayudado a Jasón y a los argonautas a conquistar el Vellocino de Oro, y ambos estaban unidos por el amor. Sin embargo, al cabo de unos años, Jasón abandonó a Medea para casarse con Glauce, hija del rey de Corinto, Creonte: Medea se vengó haciendo morir de forma atroz a Glauce y a Creonte, y matando, aunque atormentada por el dolor, a los hijos que había tenido con Jasón, y después voló de vuelta a Atenas en el carro del Sol. El sarcófago, descubierto en el siglo XV, se consideraba tan importante en la antigüedad que incluso Pieter Paul Rubens lo dibujó durante una de sus estancias en Roma (de hecho, pudo verse en el Cortile delle Statue del Belvedere del Vaticano: sólo llegaría a Ancona en 1927 tras una adquisición para enriquecer las colecciones del naciente Museo Arqueológico de la ciudad). En uno de los laterales del sarcófago se representa un gran grifo: esta legendaria criatura tenía cuerpo de león y cabeza y alas de águila, y en la antigüedad se consideraba una criatura sagrada para el dios del Sol. De ahí que se la represente en un sarcófago que narra el mito de Medea.

3. Las esfinges aladas del ónfalos del Museo Arqueológico Estatal de Urbisaglia

Un ónfalo (término que también puede traducirse al italiano “onfalo”, y que literalmente significa “ombligo”) es una piedra tallada que en la antigüedad tenía un importante valor religioso (de hecho, solía colocarse en la parte central y más sagrada de un santuario antiguo, normalmente dedicado al dios Apolo: el omphalos más famoso de la antigüedad grecorromana era el del santuario de Delfos), y podía estar decorado con escenas, figuras, motivos ornamentales. No sabemos dónde se utilizó elónfalos que ahora se encuentra en el Museo Arqueológico Estatal de Urbisaglia, pero dada la presencia de las dos esfinges (las criaturas fantásticas que tenían cabeza y pecho de mujer, cuerpo de perro, alas de águila, patas de león y cola de serpiente), se supone que esta piedra también estaba vinculada al culto de Apolo: en el santuario de Delfos había, de hecho, dos grandes esfinges sobre dos altas columnas, que actuaban como guardianes del templo.

4. Sátiros en el kylix del Antiquarium Statale de Numana

En la antigua Grecia se llamaba kylix a una gran copa de vino hecha de cerámica. Tenía forma de copa plana, con dos asas a los lados: el cuenco, muy ancho y delgado, descansaba sobre un pie esbelto, y estaba decorado tanto en el fondo como en la parte central, la que se llenaba de vino. Este kylix ático del Antiquarium Statale de Numana es un kylix de fondo blanco con figuras negras, de perfil redondeado, interior completamente negro (salvo el redondel central que representa un discóbolo) y exterior decorado con figuras de sátiros, unos tocando la lira y otros la flauta. Dado que el kylix se utilizaba durante los banquetes, era normal que estuviera decorado con escenas que evocaban momentos de fiesta, ociosidad y diversión: esta obra no es una excepción, con los sátiros, criaturas mitad hombre, mitad cabra, tocando música.

5. El sátiro y el animal fantástico en la lámpara de aceite del Museo Arqueológico de Ascoli Piceno

De la época romana nos han llegado muchas lámparas de aceite: eran los instrumentos de iluminación más extendidos en el mundo romano. Podían ser de terracota, bronce u otros materiales, y tenían un cuerpo redondeado que servía de depósito para el combustible (normalmente aceite, que se introducía por un orificio de alimentación), un asa y un pico (aunque a veces podía haber más de un pico). Se fabricaban de todos los tipos y solían estar decoradas con las escenas más diversas: la conservada en el Museo Arqueológico de Ascoli Piceno representa a un sátiro, una criatura fantástica con cuerpo mitad hombre (la parte superior) y mitad cabra (la inferior) y con cuernos de cabra, junto a un animal fantástico, una especie de dragón. Como los sátiros se representaban a menudo montados en animales fantásticos o monstruos diversos, es probable que aquí el autor anónimo de este óleo haya querido simplemente representar a las dos criaturas juntas en un momento en que el sátiro no está montado en el animal, sino que se toma un momento para tocar.

6. La Esfinge de la Rocca Roveresca de Senigallia

Entre las salas de la Rocca Roveresca de Senigallia también es posible encontrar algunas esfinges. La conformación actual del castillo se debe, de hecho, a Giovanni della Rovere, que fue señor de Senigallia entre 1474 y 1501 y tenía entre sus símbolos también la esfinge sin alas, coronada por siete serpientes unidas por una cinta con la inscripción: “Hinc nostras licet estimare”, o “desde aquí es justo estimar nuestras (virtudes)”. Completa el lema otra frase: “Seram haec semper nec mors mihi seva negabit”; es decir, “Siempre las conservaré, ni la muerte cruel me las arrebatará”. Juan se preocupaba por la esfinge porque se consideraba un nuevo Edipo capaz de vencer con agudeza la maligna astucia (las serpientes) de la esfinge que, vencida, se arroja por el precipicio (por tanto sin alas que puedan protegerla) en el que caían los viajeros que, en el camino hacia Tebas donde se encontraba la esfinge, eran incapaces de resolver la cuestión planteada por ella. La inteligencia del hombre logra así una victoria sobre la propia muerte. Juan, según esta mentalidad, encarna la virtus renacentista: lo logrado en vida consigna a la posteridad, a través de la memoria, la inmortalidad del hombre valeroso, y la Roca es un ejemplo de ello.

7. El dragón del San Miguel de Andrea di Bartolo en la Galleria Nazionale delle Marche de Urbino.

Este San Miguel, del pintor sienés Andrea di Bartolo (Siena, c. 1360 - 1428), forma parte de un políptico desmembrado: el arcángel está representado sobre un fondo dorado, bajo un arco apuntado polilobulado, y con sus típicos atributos iconográficos la armadura (en este caso también dorada, extremadamente refinada, y cubierta por un manto rojo tornasolado ribeteado de oro), la lanza y, por supuesto, el dragón, que en esta refinada pintura se sujeta precisamente con la punta de la lanza. El dragón, en las pinturas que tienen a San Miguel como protagonista, es el símbolo del diablo, del mal, que ha sido derrotado por las huestes angélicas comandadas por el arcángel Miguel: por eso, en las pinturas antiguas, este santo aparece siempre representado como un caballero fuerte, apuesto y elegante. Esta obra se distingue por sus colores suaves, la finura de sus detalles y su preciosismo, características típicas de la escuela sienesa a la que pertenecía Andrea di Bartolo: era hijo de otro gran pintor local, Bartolo di Fredi, y había estudiado observando las obras de Spinello Aretino y Simone Martini.

8. Los demonios en el Milagro de la Hostia Profanada de Paolo Uccello en la Galleria Nazionale delle Marche de Urbino.

El panel con el Milagro de la Hostia Profanada es una de las obras más famosas de Paolo Uccello y, en uno de los compartimentos en los que se divide la historia, aparecen dos demonios. La obra, pintada entre 1467 y 1468 como predela del retablo con la Comunión de los Apóstoles pintado por Giusto di Gand para la iglesia de Santa Maria di Pian di Mercato de la cofradía del Corpus Domini de Urbino, narra un suceso relatado por el cronista Giovanni Villani en el siglo XIV, y que tuvo lugar en París en 1290: el protagonista es un usurero judío que compra una hostia consagrada a una mujer (primer episodio). El judío y su familia prenden fuego a la hostia, que milagrosamente comienza a sangrar, atrayendo la atención de algunos guardias (segundo episodio). La hostia se vuelve a consagrar (tercer episodio) y la mujer sacrílega que la había vendido es ejecutada (cuarto episodio), y lo mismo ocurre con el judío y su familia, que son quemados en la hoguera (quinto episodio). Finalmente, en el sexto y último episodio, diablos y ángeles se disputan el alma de la mujer. El relato refleja así la opinión extremadamente negativa que la población europea de la época tenía de los judíos. La obra, explica el estudioso Andrea Bernardini, “está pintada con el lenguaje maduro de Paolo Uccello, caracterizado por formas y colores fantásticos y sus originales invenciones de perspectiva”.

9. Las criaturas fantásticas de Porta Virtutis de Federico Zuccari

Esta obra singular y única de Federico Zuccari (Sant’Angelo in Vado, 1539 - Ancona, 1609) fue creada a raíz de un incidente que despertó la indignación del autor. En 1581, el artista había recibido el encargo de Paolo Ghiselli, mayordomo del papa Gregorio XIII, de pintar una obra para la capilla familiar de la iglesia de Santa María del Baraccano de Bolonia, con el tema de la procesión de Gregorio Magno. La obra no gustó ni a Ghiselli ni a los artistas boloñeses, por lo que el artista fue objeto de burlas y humillaciones, y Ghiselli decidió recurrir a otro artista, Cesare Aretusi. Para compensar la deshonra sufrida, Federico Zuccari pintó, junto con Domenico Cresti, conocido como il Passignano, un enorme cartón, la Porta Virtutis, que se expuso en la fachada de la iglesia del gremio de pintores el día de San Lucas (patrón de los pintores) de 1581. Durante la exposición, Zuccari explicó la obra a todos los presentes: sin embargo, el gesto le causó muchos problemas legales. En Urbino se conserva una versión pintada a pequeña escala del gran cartón original, que el artista regalaría más tarde al duque Francesco Maria II Della Rovere. Es una alegoría del ambiente pictórico de Bolonia: el gran arco del centro es la puerta de la virtud, donde vemos a Minerva, diosa de la sabiduría, vigilando la puerta para ahuyentar a las criaturas que simbolizan las cualidades negativas. Son las criaturas monstruosas que vemos a sus pies y algunos animales: el jabalí y el zorro son símbolos de la ignorancia, la mujer atormentada por las serpientes es la envidia, el sátiro que respira fuego es el ministro de la envidia. Por encima de ella, vuelan las cuatro cualidades del arte (dibujo, colorido, invención y decoración), simbolizadas por cuatro ángeles que llevan en triunfo el retablo de Federico Zuccari, mientras que la personificación de la presunción muestra al rey Midas ignorante, caracterizado por las orejas de burro (en referencia, por supuesto, al mecenas), el retablo de peor calidad, pero que luego será elegido por el mecenas.

10. El tritón en la cerámica de Carmine Gentili en la Galleria Nazionale delle Marche de Urbino

La ciudad de Castelli, en los Abruzos, es uno de los principales centros italianos de producción de cerámica: los talleres de los artesanos que fabricaban la mayólica se desarrollaron principalmente entre los siglos XVII y XVIII (aunque las primeras obras modernas de ceramistas castellanos datan del siglo XV). Sin embargo, fue entre los siglos XVI y XVII cuando se establecieron y crecieron los talleres más importantes, que transmitieron la actividad de generación en generación: entre ellos, el taller Gentili, al que pertenecía el autor de esta cerámica de la Galleria Nazionale delle Marche de Urbino, Carmine Gentili (Castelli, 1678 - 1763). Los ceramistas de Castelli se distinguían por sus obras muy coloristas (casi siempre en tonos azules y amarillos), que representaban escenas incluso complejas, como esta Galatea llevada al mar por un tritón: Galatea era una nereida, es decir, una ninfa marina, y a menudo se la representa junto a sus compañeras o criaturas fantásticas del mar. El tritón, que se ve aquí abajo junto a un gran pez mientras intenta tocar a otra de las ninfas, era una criatura marina mitad hombre y mitad pez: estos seres, todos pertenecientes a la descendencia del dios Tritón, hijo del dios Poseidón y de la ninfa Anfitrite, desempeñaban el papel de sirvientes de los dioses del mar.

Animales y lugares fantásticos en los museos de Italia: Las Marcas

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