Una larga y repetitiva inmersión en la angustia de Munch. Cómo es la exposición de Milán

Es cierto que Edvard Munch es uno de los artistas más angustiados de la historia: él mismo afirmaba que su sufrimiento, su ansiedad y su enfermedad formaban parte de sí mismo y de su arte, hasta el punto de que su destrucción destruiría también su arte, pero de la exposición que el Palazzo Reale de Milán le dedica hasta el 26 de enero de 2025 con motivo del80 aniversario de su muerte probablemente saldrás deprimido y con una sensación de pesimismo cósmico si ya tiendes a dejarte atrapar por la ansiedad y la angustia en ocasiones. El título elegido, Edvard Munch. El grito interior, ya te alerta del carácter de la exposición, pero sobre todo sirve de referencia directa a la obra más famosa, más significativa y más reinterpretada delartista noruego, El grito, que sólo verás en forma de litografía en la exposición. Así que si piensa visitar la muestra milanesa para ver de cerca esa figura humana con rostro de calavera, vestida de negro, que se lleva las manos a las orejas mientras abre mucho los ojos y la boca para soltar un sonoro grito de desesperación, un grito que aparentemente es de un solo individuo pero que puede representar el grito de todos porque universales son los sentimientos de soledad, angustia y los tormentos de la muerte, y ese cielo ardiente y sinuoso que sigue las líneas del paisaje, deformado como las de la propia figura humana, no, no lo veréis: ni la pintura al temple ni el pastel de El grito de la colección del Munchmuseet de Oslo, museo del que proceden todas las obras de la exposición, llegaron a Milán para la ocasión; sólo hay una litografía en blanco y negro de 1895.

También hay que tener en cuenta que el objetivo de la exposición, como se afirma en una de las páginas del prefacio del catálogo, es “restaurar una visión más articulada de Munch que, partiendo de la necesaria biografía psíquica del artista, amplíe nuestra visión y comprensión” del propio artista; “ampliar el campo de investigación para comprender, por un lado, cómo encaja Munch en el proceso evolutivo de la historia del arte y, por otro, cómo Munch forma parte del proceso evolutivo de la historia del arte”.historia del arte y, por otro, cómo afectaron a su arte las manifestaciones artístico-literarias, las especulaciones filosóficas de sus contemporáneos, en definitiva, su cultura" y poner de relieve cómo, más allá de la experiencia personal, las obras de Munch están insertas en elhumus sociocultural de matriz nórdica. En la exposición, estas intenciones se concretan en largos paneles de lectura (prepárense porque serán muchos, escritos con el apoyo de Costantino D’Orazio) y en la exhibición de algunas obras del noruego que representan el círculo bohemiomiento de Kristiania (actual Oslo), un grupo, al que también pertenecía Munch, de intelectuales noruegos que luchaban contra los valores restrictivos de la clase media, los prejuicios de género y de clase y contra el poder constituido, y en la presencia del retrato de Stanisław Przybyszewski, escritor polaco con el que Munch entró en contacto en Berlín en el círculo literario del dramaturgo y escritor sueco Johan August Strindberg. Fue en este contexto donde Munch se encontró compartiendo reflexiones con otros intelectuales en torno a filósofos existencialistas como Kierkegaard, Schopenhauer y Nietzsche, bajo la influencia de un simbolismo pesimista que sustentaba las ideas del círculo, así como ideas sobre los mecanismos del inconsciente. Habría sido útil, en mi opinión, proponer comparaciones o documentos escritos para hacer comprender de forma más concreta y directa el vínculo entre el arte de Munch y el contexto cultural nórdico.

Como ya se ha dicho, todas las obras expuestas proceden del Munchmuseet de Oslo, por lo que la exposición de Milán es no obstante, una buena oportunidad para ver en directo pinturas que no se conservan a la vuelta de la esquina y que difícilmente encontraríamos en exposiciones italianas (han pasado diez años desde la última gran exposición en Italia de obras de la colección del Munchmuseet, celebrada en el Palazzo Ducale de Génova, mientras que han pasado cuarenta desde la exposición dedicada al artista noruego celebrada en el Palazzo Reale de Milán y enel Palazzo Bagatti Valsecchi entre 1985 y 1986, para la que se eligió como imagen guía Las chicas en el puente, obra que cierra la actual muestra milanesa). Aunque, como ya se ha dicho, El grito sólo está presente en litografías en blanco y negro, no faltan obras maestras comoAutorretrato, Melancolía, Desesperación, El beso, Vampiro, La muerte de Marat, Autorretrato entre la cama y el reloj, Noche estrellada y Las muchachas sobre el puente. Y algunas obras se presentan repetidas en distintas versiones y con diferentes técnicas para mostrar cómo Munch solía elaborar los mismos motivos a lo largo de los años y de su producción. Algunos ejemplos son La niña enferma (aguafuerte, 1894 y litografía impresa en color, 1896), En el lecho de muerte. La febbre (pastel, 1893) y Lotta contro la morte (óleo sobre lienzo, 1915), La morte nella stanza della malata (óleo sobre lienzo, 1893 y litografía, 1896), Bacio vicino alla finestra (óleo sobre lienzo, 1891) con Il bacio IV (xilografía, 1902) e Il bacio (óleo sobre lienzo, 1897); y, de nuevo, dos litografías de la célebre Madonna y seis versiones de Vampiro, desde el óleo sobre lienzo (1895 y 1916-1918) al pastel (1893) y al panel de madera (1902).

La larga y a veces repetitiva inmersión en las angustias, ansiedades, obsesiones y encuentros con la muerte de Munch comienza en la primera sección con Melancolía, que representa a una mujer sola sentada en un entorno doméstico, cuya expresión hace referencia al título del cuadro, y al retrato de Laura Munch, la cuarta de los cinco hermanos del artista que comenzó a sufrir trastornos psicológicos desde la adolescencia contra los que luchó durante toda su vida. Sin embargo, el cuadro es un ejemplo de la mezcla de elementos que pertenecen a su formación académica y elementos que sugieren un enfoque más libre de la pintura, como el retrato de su tía Karen en la mecedora: La hermana de la madre de Munch, que se trasladó al hogar de éste cuando Edvard perdió a su madre con sólo cinco años a causa de la tuberculosis y que cultivó y apoyó su talento artístico como artista aficionada ella misma, aparece aquí representada a contraluz y con suaves pinceladas con las que Munch había empezado a experimentar bajo la dirección de Christian Krohg. Pero, sobre todo, se trata de obras en las que se percibe un enfoque emocional en la representación de los temas, influenciado por una visión interior y por los recuerdos. Las vistas que aquí se muestran de la avenida Karl Johan, la calle principal de Kristiania, no lejos de donde vivía el pequeño Edvard de niño, son también fruto de los recuerdos. La primera sección se cierra con las ya mencionadas representaciones del círculo bohemio de Kristiania y el retrato de Stanisław Przybyszewski.

La enfermedad y la muerte, experiencias trágicas que marcaron la familia y la vida de Munch, son las protagonistas de la segunda sección: el artista elimina los detalles superfluos y consigue captar la esencia misma del dolor y la muerte. En las obras aquí expuestas, vemos figuras desesperadas o fantasmales inmersas en atmósferas oscuras que enfrentan al espectador con la precariedad de la condición humana y le hacen empatizar con el dolor de velar a un enfermo, especialmente un niño, o con el sentimiento de pérdida que se siente cuando alguien muere. Son obras que relatan la agonía de la pérdida, en las que el duelo se hace tangible en una poderosa imagen pictórica ambientada en una habitación de casa. Algunos ejemplos son El niño enfermo, Muerte en la habitación del enfermo, Lucha contra la muerte. A la luz de la luna. Noche en Saint-Cloud, por otra parte, emerge claramente un fuerte sentimiento de aislamiento. El cuadro Visión es inquietante: una cabeza incorpórea con los ojos cerrados emerge de la superficie del agua, mientras un cisne y otras formas poco distinguibles flotan sobre su cabeza, y el Niño a punto de ahogarse no es menos inquietante. Sin embargo, en esta sección destaca Desesperación, donde una figura humana vestida de negro se sumerge en el mismo paisaje que el famoso Grito. Le sigue una litografía de este último, acompañada de un vídeo que narra su historia y su robo, y, por último, dos xilografías de Angustia, en las que una multitud de personas con rostros enajenados y ojos muy abiertos caminan hacia el espectador, expresando la soledad humana que está presente incluso en una multitud.

La muerte sigue presente en la tercera sección: en un caso está al timón de un velero en medio del mar, en otro, en forma de calavera, da un beso a una chica. Pero el amor-beso, además de sensual (se exponen dos litografías de su sensual Madonna), también es visto por Munch en su doble vertiente: como fuente de plenitud, explicitada en cuadros como El beso o Beso junto a la ventana, en Parejas besándose en el parque o Atracción, pero también en su lado oscuro, en su fuerza destructora, como en Vampiro. El artista siente empatía por todas las personas atrapadas por la seducción y arruinadas por la disolución del amor. Especialmente relevante es la relación con Tulla Larsen, la única mujer con la que Edvard Munch pensó en casarse: Su relación comenzó con entusiasmo, pero luego se fue deteriorando a medida que él, convencido de que incubaba enfermedades hereditarias y de la necesidad de dedicarse a su arte, se resistía cada vez más al deseo de intimidad de Tulla, lo que desembocó en una traumática pelea en la que un disparo mutiló uno de los dedos del artista. Su relación inspiró obras que exploran la relación conflictiva entre el hombre y la mujer, donde la figura femenina se presenta como seductora y el propio artista como víctima sacrificial: un claro ejemplo de ello es La muerte de Marat expuesta aquí, donde, en una habitación, un hombre desnudo yace en la cama con un brazo colgando del colchón y su mano y muñeca aparecen manchadas de óxido; la mujer, en cambio, permanece desnuda e inmóvil como una estatua. La escena podría representar una escena erótica, pero en realidad el título sugiere que el hombre ha sido asesinado, ante la frialdad de la mujer. También es emblemático el cuadro dividido con el autorretrato y el retrato de Tulla sobre fondo verde, que significa el final de su relación.

Niño a punto de ahogarse Desesperación

A continuación, la exposición dedica una sección a un aspecto poco conocido de la obra de Munch, a saber, su relación con Italia: la visitó por primera vez en 1899 y luego de nuevo en 1900, 1920, 1922 y 1927. Durante sus estancias en Italia, tuvo la oportunidad de relacionarse con las tradiciones renacentistas y quedó especialmente impresionado por Miguel Ángel (describió la Capilla Sixtina como “la habitación más hermosa del mundo”) y Rafael. Del de Urbino realizó un retrato sobre papel, expuesto aquí, pero también obras como Puente de Rialto, Venecia , y La tumba de P.A. Munch, en Roma, dan fe de su amor por Italia y el patrimonio artístico italiano. A Munch también le fascinaban las doctrinas que unían materia, energía y espíritu, como el monismo, y la posibilidad de que el universo estuviera impregnado de fuerzas invisibles, como la radiación solar, el electromagnetismo, la telepatía y el crecimiento celular. Obras como Olas, Bañistas u Hombres desnudos en un paisaje reflejan este interés. Para Munch, la naturaleza y el cuerpo humano estaban profundamente interconectados: su visión cosmológica no separaba el mundo físico de las energías invisibles; esto le llevó a crear un lenguaje visual en el que la realidad tangible y lo invisible se funden. Todas las cosas materiales, tanto vivas como inanimadas, estaban para él interconectadas. También hay una fotografía que muestra al artista desnudo, de espaldas, en el balneario de Warnemünde.

El Sol, Alma Mater, La historia y Hacia la luz que encontramos a continuación, por otra parte, se refieren a los murales monumentales para el nuevo Gran Salón de la Real Universidad de Frederick (actual Universidad de Oslo): con motivo del centenario de la institución , se convocó un concurso para las pinturas y Munch trabajó durante siete años para conseguir el encargo. Diseñó once lienzos para celebrar la nación, la Universidad y sus disciplinas académicas, con El Sol en el centro, símbolo tanto de la misión de la institución de iluminar a los estudiantes con el conocimiento como de la energía que anima todas las cosas. Sin embargo, el comité encargado de seleccionar al ganador calificó los murales de “bocetos” coloreados y nunca los aceptó oficialmente, pero más tarde fueron adquiridos por los partidarios del artista y donados por ellos a la Universidad, instalándose a continuación en 1916, después de que otras obras relacionadas con el proyecto se expusieran por toda Europa, suscitando una acogida positiva por parte de la crítica.

La penúltima sección continúa con los numerosos autorretratos realizados por Munch: el artista se representa con una cabeza de bacalao en un plato, en el infierno, ante la pared de su casa o con su modelo. A través de sus autorretratos, Munch exploró su propia psique y el paso del tiempo. El Autorretrato entre la cama y el reloj es emblemático de su confrontación con la muerte y el envejecimiento. En este último, de hecho, el anciano artista se representa de pie en su dormitorio con las manos colgando a los lados, esas manos que antes estaban activas, con las que dibujaba y pintaba, ahora están inertes.

La exposición termina con una sección que pretende mostrar cómo el arte de Munch influyó en el arte del siglo XX, anticipándose al Expresionismo y al Futurismo. De hecho, el observador se siente inclinado a participar en las emociones que transmiten las escenas representadas, como en En los escalones de la veranda o en El muro de la casa a la luz de la luna, donde en ambos casos se aprecia la sombra de una figura alargada que sugiere la presencia del artista o de otra entidad, hacia la que mira la mujer del primer cuadro. Se trata, sin embargo, de la insinuación de unainvisibilidad tangible. Una sombra, esta vez más informe, para crear en el espectador una cierta inquietud, se encuentra también en elAutorretrato en el infierno expuesto en la sección anterior, insinuando sin embargo esas fuerzas invisibles antes mencionadas. Munch utilizó técnicas innovadoras y perspectivas audaces para representar paisajes que desembocan en su personal construcción del espacio, que inspiró a los movimientos vanguardistas del siglo XX. Su estilo pictórico de pinceladas amplias y audaces sigue ejerciendo una fuerte influencia, signo de su modernidad. Cuadros como La noche estrellada y Las chicas del puente ejemplifican su innovador lenguaje visual, que trasciende los límites tradicionales de la representación para explorar la intimidad y las emociones del alma humana.

Sin embargo, el regreso de Munch a Milán no tiene nada de emocionante, aparte de traer a Italia obras que de otro modo se verían en Noruega. Decepción al encontrar obras maestras como El grito y Madonna expuestas sólo en forma de litografía y, en mi opinión, más allá de las intenciones, me parece que nos hemos centrado demasiado en las ansiedades de Munch, que son fundamentales en su arte, pero que, como se indica en las intenciones, van mucho más allá de su biografía, ya que están influidas por la filosofía de la época y la psicología de Freud, que sitúa el inconsciente en primer plano. Estos aspectos, esta “visión articulada” a la que se hacía referencia, no se percibe bien en la exposición. La sección sobre Munch en Italia es interesante, pero desgraciadamente poco completa.

El catálogo, en el que no se muestran los largos paneles de la exposición, incluye tres ensayos: el primero está dedicado a la relación de Munch con Italia, el segundo, escrito por la comisaria Patricia G. Berman, está dedicado a la percepción visual y la visión interior, el ojo interior como sujeto, por tanto la dimensión subjetiva de la pintura de Munch, mientras que el tercer ensayo explora la relación entre la evolución artística de Munch y los desarrollos contemporáneos de las ciencias de la percepción. A continuación, dos contribuciones de las escritoras Melania Mazzucco y Hanne Ørstavik: Io sono un romantico y Chi sono io, relacionadas con obras de la exposición. Expectativas incumplidas para una de las exposiciones más esperadas del año.

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