Un toscano del norte: seguir redescubriendo a Raffaello Gambogi. Cómo es la exposición de Livorno

Destruido por la enfermedad y el dolor, rebelde en su actitud, desvinculado del mundo y de la vida cotidiana, un artista del más fino genio derrotado por la vida. El 8 de febrero de 1943, Raffaello Gambogi se despidió del mundo: solo, pobre, desesperado, devastado por el alcohol y una existencia con pocas alegrías. Durante unos veinte años se había olvidado de todo el mundo, y todo el mundo se había olvidado de él. Del círculo de los post-macchiaioli, que se había formado a raíz de la lección de Giovanni Fattori, Raffaello Gambogi es quizás el menos sencillo, y también el más desafortunado. Y pensar que, cuando sólo era un joven de veintitrés años, había recibido un par de excelentes avales , como diríamos hoy: el de su maestro Fattori (aunque años más tarde cambiaría de opinión), que había sido su profesor después de que Angelo Tommasi le iniciara en el arte, y el de Telemaco Signorini. Era 1897, y el año anterior Gambogi había participado en el Festival de Arte y Flores, una gran kermés que ofrecía a los artistas la oportunidad de mostrar sus obras en una exposición internacional, presentando Il riposo delle gabbrigiane, uno de sus mejores cuadros, y ganando consenso y aprecio. Después, a riesgo de caer en el tópico, había comenzado para él una vida digna de ser contada en una película.

Primero, el encuentro con la pintora finlandesa Elin Danielson, trece años mayor que él: los dos se enamoraron, se casaron y trabajaron juntos, experimentando, abriéndose el uno al otro en una especie de simbiosis que cambiaría radicalmente su pintura. Después, las dificultades de conciliar el arte con las necesidades prácticas de la existencia: vender se hace difícil, sobreviene una crisis conyugal, Rafael y Elin se trasladan a Finlandia en un intento de reencontrarse, quizá lo consiguen, pero el idilio dura poco, porque ya en los bosques del norte surgen los primeros síntomas de un malestar psíquico que más tarde, a su regreso a Italia, desembocará en una grave enfermedad. Tal vez una forma grave de depresión, que obliga a Raffaello Gambogi a ingresar en el manicomio de Volterra. Elin tiene que cuidar de su marido y asumir todas las obligaciones de la vida cotidiana, casi deja de pintar. Luego, su muerte en 1919 es el golpe fatal para Rafael: seguirá produciendo, incluso escribiendo páginas muy originales, pero ya no como antes, y sobre todo casi aislado, encerrado en su dolor. Esta es la historia que cuenta la exposición Raffaello Gambogi. El arte como revelación, comisariada por Giovanna Bacci di Capaci, que el Museo Cívico “Giovanni Fattori” de Livorno acoge hasta el 25 de febrero.

No es la primera vez que la producción de Gambogi es objeto de una exposición dedicada: en 2017, la muestra Raffaello Gambogi. Il tempo dell’impressionismo, comisariada por Francesca Cagianelli en la Pinacoteca Comuanle di Collesalvetti. Una cuarentena de obras para reconstruir un perfil completo de Raffaello Gambogi: el de un artista que nació Macchiaiolo, pintando obras que miran a Fattori, tras lo cual se convirtió en un grácil impresionista que impregnaba sus cuadros de una tersa luz nórdica, y terminó su carrera con pinturas agudas, gestuales, violentas, originales, que casi anticipaban la investigación de posguerra. La misma trayectoria puede apreciarse en la exposición montada en el piano nobile de Villa Mimbelli, sede del Museo Cívico Fattori.

Gambogi, escribe el comisario Bacci di Capaci, se revela en primer lugar “particularmente interesado por la figura humana, feliz protagonista de muchos de sus cuadros de juventud”. Éstos son los que se ven en la primera sala de la exposición: Le fascinaie in Tombolo, con su sobrecogedor contraluz contra un atardecer abrasador, revela ya una personalidad muy original, que desarrolla la lección del maestro Angelo Tommasi hacia una dirección que parece anticipar ya los rumbos que tomaría la pintura toscana hacia finales de siglo en la estela de Nomellini y Grubicy, mientras que el posterior Ritratto della madre (Retrato de su madre) de 1893 marca un momentáneo retorno a una pintura de manchas más tradicional, más cercana a los maestros Tommasi. tradicional, más cercano a los maestros Tommasi y Fattori, y lo mismo podría decirse de Patio en Banditella, que a pesar de su tema humilde, un gallinero con gallinas en primer plano, adquiere un tono casi lírico debido a los destellos en el horizonte, y demuestra una gran fuerza compositiva.Las gavillas del fondo dan movimiento a la escena e incitan al espectador a abandonar por unos instantes a las gallinas para contemplar el paisaje a lo lejos. La siguiente Sosta, también conocida como Riposo dei campi, se refiere en cambio a la temporada en la que Gambogi comenzó a lucirse, literalmente, participando en exposiciones: la entonación es similar a la de Il riposo delle gabbrigiane, con un campesino que es retratado durante un momento de quietud, en un cuadro que deja entrever al Gambogi de años posteriores. Es decir, un pintor que demostraría una vena naturalista que poco a poco empezaría a alejarse de la lección de los maestros para virar hacia un delicado impresionismo, y sobre todo un interés por la luz que se convertiría, en el cambio del siglo XIX al XX, en el elemento preponderante de su investigación. Los signos de ello se aprecian ya en este cuadro: la figura del campesino a contraluz, los rayos del sol que inciden en su espalda y hacen brillar su blanca espalda, las finas modulaciones del perfil de las montañas, los campos rubios de las laderas de las colinas que resaltan al calor de la luz estival.

El “impresionista” Gambogi es con quien uno se familiariza en la sala contigua, donde se han dispuesto una serie de cuadros fruto de fructíferos intercambios con su esposa Elin Danielson. Es ella quien introduce la luz fría y delicada del norte de Europa en la pintura de Rafael, convirtiendo a su marido en un original postimpresionista que ve el paisaje de la costa de Livorno a través de los ojos de su mujer, a través de los ojos de una finlandesa. Los dos, por utilizar una eficaz imagen de Francesca Cagianelli, “debieron de constituir un fenómeno bastante anómalo” dentro del grupo de pintores que frecuentaban la Torre del Lago de Puccini (Plinio Nomellini, Giorgio Kienerk, Ferruccio Pagni y varios más), por su manera de ser que mezclaba “innovación impresionista” y “obsesión”.Innovación impresionista“ y ”obsesión nórdica" dirigidas a la Escuela de Skagen (y en particular a Peder Severin Krøyer), que Elin debía de conocer muy bien. Cuadros como Pini sul mare (Pinos junto al mar) y Pescatorello ad Antignano (Pequeño pescador en Antignano), ambos de principios del siglo XX, o el posterior Ore calde (Horas cál idas) de 1916, un cuadro veraniego de un baño en la costa de Antignano, un lugar más querido que ningún otro: una mujer desnuda se adentra en el mar, caminando entre las rocas, con el horizonte perdido en la blanca luz del sol. Los cuadros de principios del siglo XX, en cambio, son más claros, recuerdan la luz cristalina de los pintores daneses que conocieron a través de Elin, quizá por las revistas, o directamente, ya fuera en París en 1900, cuando el artista se quedó en Francia para reunirse con su mujer, que participaba en la Exposición Universal de ese año, o en Finlandia al año siguiente, en su primera estancia en la tierra natal de Elin. Se habían conocido hacia 1895: ella había venido a Italia a estudiar, congeniaron enseguida y, en 1898, decidieron casarse. Los dos estamos felices y contentos, y estamos haciendo miles de planes para nuestra vida juntos en el futuro", escribió Elin a un par de amigos en Finlandia poco antes de la boda.

Una sala de Villa Mimbelli también estaba reservada a las obras de Elin: una inserción útil para poder compararlas con las de su marido y apreciar los resultados de los fructíferos intercambios que tuvieron lugar entre los dos grandes artistas, que pintaban juntos: Es curioso ver un cuadro de Rafael, Il villino Benvenuti, que representa la casa de Benvenuto Benvenuti en la que él y Elin vivieron algún tiempo, y el Antignano alto de su esposa, que no es otra cosa que la misma calle pintada por su marido, pero vista desde el lado opuesto, como si ella hubiera estado pintando delante de él. Igualmente interesante es la obra Incontri (Encuentros), fechada en 1901, donde las firmas de Rafael y Elin aparecen juntas, probablemente porque ambos trabajaron juntos en este cuadro que representa a tres mujeres, tres amigas, atrapadas en un momento de felicidad frente al mar de Livorno. La visita continúa en la sala dedicada a la estancia de Raffaello Gambogi en Volterra: durante el periodo de su hospitalización, sólo el arte consiguió darle a Raffaello algunos momentos de alegría, algunos momentos de ligereza, sólo el arte parecía tener un efecto beneficioso sobre él. Elin era consciente de ello, también porque el director del frenocomio, el doctor Luigi Scabia, veía en la pintura una especie de antídoto contra el malestar psíquico que aquejaba al artista: Elin, por tanto, le seguía la corriente, dejándole pintar en paz, a costa de tener que renunciar casi por completo al arte para ocuparse de las tareas cotidianas, al igual que su marido. Al contemplar los cuadros de Volterra, casi no parece que estemos ante un artista que siente un profundo malestar: al contrario, las obras de Volterra continúan la investigación serena y relajada que el artista llevó a cabo en el paseo marítimo de Livorno, mostrando una ciudad radiante, con la plena luz del día invistiendo los monumentos antiguos. Son las iglesias y los edificios del centro histórico los que atraen la atención de Gambogi: con poco espacio para la figura humana, el artista encuentra destellos de felicidad si tiene la oportunidad de centrarse en el paisaje. Aquí, la investigación de Gambogi, escribió Francesca Cagianelli, “parece proceder en la dirección de una amplificación emocional de la vista, entre paisaje-estado de ánimo, folclore urbano y recuerdos arquitectónicos, donde tanto ciertos sorprendentes prodigios luminosos como una gama cromática cada vez más evocadora funcionan como catalizadores líricos, en términos no disímiles a la figura humana”. evocadora, en términos no muy distintos de aquellas impresiones concebidas por Francesco Gioli en la onda de una especie de intuición musical, de la que Matilde Bartolommei Gioli captaría más tarde “el carácter del fragmento en sintonía con el sentimiento del color”: seducción musical diría Baudelaire’, hasta el punto de juzgar su Mercado en Volterra no en términos de mera ’ilustración del lugar, sino el resultado de impresiones asimiladas’". Cuando, por el contrario, entran seres humanos en su pintura, el tono cambia: una de las obras maestras de Gambogi, Fra le pazze (Entre las locas), una monumental representación de seis metros de ancho de las internas del asilo de la ciudad toscana, data de la época de Volterra. Desgraciadamente, fue desmontada en un momento indeterminado y hoy sólo se conoce en su totalidad a través de viejas fotografías en blanco y negro (una reproducción a tamaño natural se instaló en la sala Volterra vedute (vistas) de la exposición). Hoy sólo sobrevive una parte, la central, conservada en el Museo de Arte de Turku (Finlandia), que representa a una mujer con la mirada perdida en el vacío, atendida por un compañero que la mira con cierto desapego mientras la sujeta del brazo durante un paseo por el patio en una hora de aire. Presente en la Exposición Nacional de Arte de Milán de 1906, la obra causó una gran sensación, pero dado su tema y sobre todo su tamaño, no encontró compradores, ni siquiera entre las instituciones públicas, las únicas que quizás podrían haber adquirido un cuadro de tales proporciones. Al año siguiente, Elin envió la obra a Finlandia con la esperanza de venderla en su país natal, pero sin éxito: la obra se perdió, pues, hasta el reciente descubrimiento de la parte central. Es probable que, para facilitar la venta de una obra tan descomunal, se decidiera desmembrarla.

La conclusión, en la última sala, corresponde a las obras pintadas por Raphael Gambogi tras la muerte de Elin de neumonía en 1919. Incluso durante el periodo de depresión y hospitalización en Volterra, el artista no había dejado de ver a sus amigos: tras la muerte de su esposa, sin embargo, todo cambió. Rafael se retiró a un aislamiento cada vez más lúgubre (aunque no le faltaron exposiciones, algunas de ellas también importantes), y su pintura se resintió de su tormento, aunque la página que el artista escribió en los últimos años de su vida marcó una de las cumbres más originales de su carrera, y así lo demuestran cuadros como Costa livornese, Via della Bassata o Giardini all’Ardenza, todos ejecutados entre los años 1920 y 1930. Se trata de una parte de la carrera de Gambogi que merece una nueva visión crítica. Las vistas aquí se fragmentan en manchas toscas e indefinidas, que se vuelven cada vez más inciertas a medida que avanzan los años. No falta la búsqueda de algún efecto luminoso, como los que se ven en Giardini all’Ardenza, con el sol filtrándose entre las ramas, produciendo manchas luminosas en el suelo bajo los pinos. La pintura de estos años, sin embargo, es decididamente instintiva, gestual; casi parece como si Rafael pintara por impulso, atacando la superficie del cuadro, a veces incluso arañándola, como en Via della Bassata, donde se aprecian, sobre el follaje de los árboles, las características incisiones de rayo que surcan, horizontal y diagonalmente, las manchas de color con las que el artista da forma a los elementos de la vista. Pero tampoco falta aquí el sentido de la luz: basta con detenerse en la fachada del edificio para darse cuenta de ello. Se trata de un arte de una originalidad suprema, que en cierto modo anticipa, por supuesto de forma bastante inconsciente, la pintura de los años cincuenta y sesenta. Es el producto de un hombre abrumado por la desgracia. Un hombre que no tenía nada más que su arte.

Quienes no se detengan en la exposición y decidan visitar todo el Museo Fattori pueden subir una planta para admirar la obra más famosa de Raffaello Gambogi, que forma parte de la colección permanente del instituto.colección permanente del instituto, Gli emigranti (Los emigrantes), obra de hacia 1894 que figura entre las más importantes y mejores de las que narran el drama de los emigrantes italianos que, a finales del siglo XIX, abandonaron el país para embarcarse rumbo a América, partiendo a menudo de Livorno: Despedidas como las que el artista plasma en su lienzo, centrando su atención en algunas familias que se despiden (a diferencia de Angiolo Tommasi que, un par de años más tarde, ofrecería una visión menos sentimental y más cronachista, podríamos decir, de la salida de los emigrantes del puerto de Livorno), ofreciendo al espectador una lectura elegíaca y melancólica de la emigración, deteniéndose también en las maletas, tantas maletas, que se convierten en símbolo del equipaje de esperanzas que los emigrantes llevan consigo al Nuevo Continente. Viendo también esta obra se obtendrá un perfil aún más completo de Gambogi, que llega así al público con una exposición de gran interés, capaz de continuar el redescubrimiento del artista iniciado hace siete años con la exposición Collesalvetti, la primera antológica dedicada al pintor de Livorno, respecto a la cual la exposición actual es de dimensiones más reducidas sin dejar de ofrecer una imagen más completa del artista.exposición actual es más pequeña en tamaño manteniendo la misma disposición y careciendo de algunas obras importantes que, en cambio, estaban presentes en la exposición de 2017 (por ejemplo, Il Cacciatore, del que la nueva exposición muestra una reproducción a tamaño natural, o La mattina del giorno di festa , que, sin embargo, se describe adecuadamente en el catálogo).

Lo que surge es un retrato más completo del artista, pintado siguiendo todo el itinerario de su vida y de su carrera, en las salas de un museo cuya visita permite profundizar en el contexto en el que se desarrolló el arte de Raphael Gambogi. Estas son las exposiciones que uno espera ver en Livorno. Un útil homenaje en el 80 aniversario de la muerte de ese “pintor emocional y empático” y ese “hombre hipersensible e inquieto”, como lo definió Giovanna Bacci di Capaci, que escribió uno de los capítulos más significativos del arte de su tiempo.

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