Uguali e Disuguali: los escenarios del arte italiano en una exposición ineludible en Carrara

La profunda penumbra cultural que envuelve a Carrara desde hace demasiado tiempo se ilumina de vez en cuando con destellos de luz procedentes de una fuente bien definida: las salas Vôtre del siglo XVIII del Palacio del Médico, actualmente el único espacio de la ciudad, a la espera de la reapertura de las exposiciones de la Fundación Conti en el Palacio Cucchiari, capaz de ofrecer al público una programación basada en la calidad y la continuidad. Tras la euforia estival de la exposición Cybei, Carrara ha vuelto a sumirse en su habitual letargo sombrío e indolente: No hay noticias de la futura apertura del Mudac, el Carmi sigue siendo un objeto misterioso (quizá incluso para la propia administración municipal), del Museo del Mármol sólo se habla en relación con su posible (y, en su caso, improvisado) traslado al centro histórico, y la Fondazione CRC vacila entre altos y bajos, aparentemente sin una visión definida y sin molestarse en mantener, al menos para las exposiciones de la cartelera, el mismo nivel entre una exposición y la que le sigue. En una Carrara en la que la cultura está ya completamente abandonada a sí misma, Vôtre se ha encargado de ofrecer al exterior la imagen de una ciudad en la que, después de todo, aún arde alguna llama de vida. Y lo hace con un importante proyecto: Uguali Disuguali (Iguales Desiguales), que llega después de la muestra colectiva KRU dedicada por entero al arte joven, después de la importante exposición individual de Michelangelo Galliani, después de la exposición-homenaje de Francesco Lauretta y Andrea Di Marco, y después de las numerosas iniciativas de Project Room que han promovido y apoyado a artistas jóvenes, emergentes y redescubribles.

Comisariada por el infatigable Nicola Ricci y organizada en colaboración con la galería Giovanni Bonelli, Uguali Disuguali lleva el mismo título que una exposición que el propio Ricci había comisariado en 2018 en los espacios del Palazzo Binelli. La idea era sencilla: traer, a las salas que entonces albergaban una selección de yesos neoclásicos y románticos de la Academia de Bellas Artes, a un grupo de artistas italianos e internacionales, todos ya consagrados y en algunos casos ya historiados, para poner de relieve acuerdos y desacuerdos entre las obras de hace dos siglos y los modos del arte actual. Pero Uguali Disuguali eran también los lenguajes de cada uno de los artistas contemporáneos: armonías y disonancias, por tanto, surgían también de las comparaciones vis-à-vis entre las obras de los diecinueve autores que Ricci había elegido para una exposición colectiva que, mirando hacia atrás, fue uno de los proyectos más interesantes de los últimos cinco años en Carrara. Así que volvemos a partir de esta sugerencia, y hoy los Uguali Disuguali son los propios artistas. Aumentados en número (son veinticinco) y limitados a la escena italiana, pero con una selección que parte siempre de la idea de comparar nombres que han entrado ya en los manuales de historia del arte con los de los llamados artistas de media carrera, ya consagrados o emergentes. Y con la elección radical de exponer sólo pintura y escultura (con sólo dos excepciones, como se verá), orientando así el camino hacia la dirección que el arte contemporáneo está tomando con creciente convicción, como demuestran también los grandes eventos y ferias internacionales. Intentando, no obstante, representar, si no todos, al menos una buena parte de los lenguajes que el arte italiano actual habla a su público.

La exposición comienza con una espectacular confrontación entre dos obras de gran formato, a saber, una de las obras de Aldo Mondino dedicada a los derviches que tanto le fascinaron durante sus viajes por Asia(Sufi, obra de 2004), y una vista(Torno domani, óleo sobre lino de 2009) de uno de los más grandes paisajistas italianos vivos, Giovanni Frangi. Por un lado, los místicos islámicos danzan sobre linóleo, convirtiéndose en una especie de alter ego de Aldo Mondino, quien nunca ocultó que para él pintar era como rezar, era como elevarse a un estado de éxtasis. Por otra parte, la pintura líquida del artista lombardo, no menos rica en implicaciones filosóficas: las marinas omnipresentes en su obra son paisajes líricos y contemplativos, hechos para ser respirados y meditados, en la conciencia de la fugacidad de la existencia (nótese que, al año siguiente, Frangi pintaría una serie titulada programáticamente Wabi Sabi). El tema de la vista sigue y termina en la sala siguiente con otra comparación, entre la Primavera de Salvo y un lienzo de Ennio Morlotti, para poner en diálogo dos formas radicalmente distintas de entender la pintura de paisaje, pero que llegan a un resultado no tan lejano: alejarnos de la realidad. Por un lado, pues, los mundos coloristas, luminosos y casi de cuento de Salvo, y por otro la obra informal de Morlotti de los años 80, que no pretende darnos una imagen de un paisaje, sino evocar el espíritu que planea sobre ese lugar, con una pintura que no describe, sino que se sumerge en la realidad para indagar en sus elementos más ocultos y escondidos. La sala se completa con una pequeña selección de papeles de Fausto Melotti, dos de los años setenta y uno de 1936, casi como para recordar el eterno enfrentamiento entre naturaleza y cultura, un topos histórico y artístico presente en casi todas las épocas. Este último es la obra más antigua de la exposición, perteneciente a un punto y aparte que marca el punto de máximo acercamiento del gran artista trentino, recién licenciado en ingeniería eléctrica en el Politécnico de Milán, a las ideas del racionalismo.

El recorrido por las salas con frescos del Palacio del Médico termina en la sala siguiente, donde se aborda un extraordinario cuadro de Omar Galliani, Las gargantas de Esmirna, y el monumental Efisio de Marco Tirelli. Volvemos así a la pintura de gran formato, con dos obras de calidad suprema que también encajarían bien en un museo. Renato Barilli, en la exposición seminal Anniottanta, celebrada en 1985 en la Galleria d’Arte Comunale de Bolonia (actual MAMbo, que ha cambiado de ubicación desde entonces), había clasificado a Galliani y Tirelli en dos polos opuestos. Galliani estaba en el del anacronismo, de la recuperación del pasado. Hoy conocemos al artista emiliano como un dibujante muy fino, por lo que sorprenderá ver esta temprana obra maestra suya, que rememora atmósferas simbolistas con una pintura neoveneciana, impregnada de recuerdos tizianescos. Tirelli, por su parte, se situó en el ámbito de la post-abstracción, exponente de esa Nueva Escuela Romana de la que es quizá el artista más esencial y riguroso, como demuestra su obra en la exposición, una investigación sobre las formas que busca reducir la realidad a su esencia para abrirse a todas las posibilidades y permitir al espectador ir más allá de lo percibido.

Continuando, en la gran sala central, un collage de los años 80 de Giulio Turcato, solitario en una pared, actúa como una especie de introducción histórica: un último destello de la neovanguardia antes de sumergirse en la pintura del presente. Por afinidad lingüística, una gran tela de la artista toscana Michela Martello se coloca junto a un lienzo Sin título de Sandro Chia. Al fin y al cabo, en una exposición que pretende trazar históricamente una parte de los principales desarrollos del arte italiano de las dos últimas décadas, una referencia a la Transvanguardia era casi obligada. Y hoy, Cingolani es uno de los artistas italianos que mejor trabaja el color: a mitad de su carrera se encuentra Comizio dei poeti, una especie de viaje arremolinado y embriagador que transmite todo el inconformismo de un artista animado por un vitalismo fuera de lo común. A su lado, para continuar el discurso sobre el color, admiramos a un artista de la misma generación, Massimo Kaufmann, con una de sus abstracciones extremadamente rigurosas donde los valores cromáticos se disponen sobre el lienzo como notas en una partitura musical equilibrada. A continuación, no muy lejos, una maravillosa Passeggiata rossa (Paseo rojo ) de Francesco Lauretta, artista vinculado a la figuración declinada, sin embargo, en un sentido fuertemente evocador: y esta pintura suya, que nos remite a la poética del paysage-état d’âme, habla directamente a nuestro ser más íntimo.

Un mosaico de Mauro Manetti, Manto, rompe el ritmo e introduce otras experiencias, las de Federico Fusj, uno de los tres únicos artistas que también estuvieron presentes en Uguali Disuguali en 2018 (los otros fueron Nicola Carrino y Luigi Mainolfi) y que en este nuevo capítulo del proyecto llega con una de sus obras sobre papel que infunden personalidad al color, y Gabriele Landi, un refinado pintor y escultor geométrico capaz de crear sofisticados equilibrios de formas y colores, que casi parecen brillar con luz propia. Por otro lado, un lenguaje completamente distinto, en la pared contigua, para Simone Pellegrini, de la región de Las Marcas, uno de los artistas más jóvenes de la exposición, con su pintura ancestral, visionaria, ambigua, atemporal, creadora de mapas de símbolos que parecen resurgir de épocas remotas. A continuación, otro exponente de la Nuova Scuola Romana, Piero Pizzi Cannella, presente en Uguali Disuguali con sus Vetri de 1997. Dos maestros cierran el itinerario en pintura: Luigi Mainolfi, que es también y sobre todo escultor, se muestra con dos obras que recuerdan, en la superficie bidimensional, la idea de la terracota, y Fabrizio Plessi del que se expone su obra sobre papel de 1982, Video installazione. Proyecto reflejo del agua, donde el protagonista es el agua, uno de los elementos centrales de la poética del artista de Reggio Emilia.

La sección de esculturas, que cierra la exposición, se abre con las formas esenciales del Decostruttivo de Nicola Carrino en acero, contrapuestas a una de las famosas y surrealistas mujeres-tortuga de Novello Finotti y, en el centro, una escultura de Andrea Cascella. En el centro de la sala se encuentra la única obra que, junto con el mosaico de Manetti, se aleja del binomio pintura-escultura: se trata de una instalación de Antonia Ciampi compuesta por objetos colocados en vitrinas dispuestos sobre pedestales y marcados por breves inscripciones. Estas obras son típicas de su producción, reviven el tema de la memoria y se presentan como pequeñas Wunderkammer reducidas al hueso y regidas por el deseo de actuar sobre las emociones y los recuerdos del observador. La exposición concluye observando la última producción de uno de los pintores más interesantes y visionarios que tenemos en Italia (y que merece mucha más consideración y reconocimiento del que goza actualmente), el genovés Roberto Chiabrera, que ha traído a Uguali Disuguali una nueva serie de obras de cerámica que, a la manera típica de su pintura, cercana a la inquietud americana de los varios Condo, Pettibon, Katz y otros pero reconsiderada bajo la luz mediterránea, reelabora en tres dimensiones su repertorio típico, compuesto por surfistas, objetos animados, personajes extraños y atormentados que parecen salir de constantes y continuas alucinaciones.

Nicola Ricci ya ha hecho saber que su deseo es concluir el proyecto con una tercera etapa y replantearlo después para una sede museística. La selección no es fácil y no tiene pretensiones de exhaustividad, pero se apoya en un nivel muy alto, en una calidad poco frecuente en las exposiciones colectivas de arte contemporáneo organizadas en espacios privados y, por supuesto, en un proyecto de indudable valor, que se completa con la presencia de los maestros históricos de los que parte el recorrido de investigación de la exposición, una indagación en las orientaciones del arte italiano contemporáneo entre la abstracción y la figuración, eligiendo algunas experiencias elocuentes en este sentido. Con todas las dificultades, y la consiguiente y necesaria valentía, que una exposición colectiva conlleva hoy en día. El resultado es una exposición que, con una treintena de obras, recorre la trama de buena parte de los escenarios italianos desde los años ochenta hasta nuestros días, con algunas incursiones en supuestos históricos, para sacar a la luz una porción, necesariamente alejada de fines plena y puramente descriptivos (la intención declarada de Uguali Disuguali es, si acaso, proporcionar algunas pistas) pero no por ello carente de interés, de esa riqueza de ideas, lenguajes, visiones y modos que caracteriza al arte italiano contemporáneo.

¿Cuántos espacios de los alrededores (que también puede extenderse a toda la región, pero no sería atrevido ir aún más lejos) pueden permitirse poner en marcha proyectos similares a Uguali Disuguali? Hay que mirar en los museos, o en las galerías que operan en el mercado nacional si no internacional: este es, por dar un término de comparación, el nivel de Uguali Disuguali. El público debería aprovechar, hasta el 8 de enero. Es una oportunidad para ver una exposición de gran intensidad. Carrara también debería aprovecharla: por una vez, la ciudad debería despertar de su torpor ruinoso y aniquilador, y darse cuenta por fin de que Vôtre es una experiencia viva y apasionante, un taller sorprendente y estimulante, y un espacio con el máximo potencial, que merece ser apoyado y potenciado.

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