Rasgos iconográficos en la Génova del siglo XVII. Exposición "Lo extraordinario y lo cotidiano

Los estrechos espacios expositivos del Palazzo della Meridiana de Génova no son fáciles de gestionar para montar allí una exposición: el riesgo de amontonar demasiadas obras en las paredes por el temor de los comisarios a crear un proyecto incompleto está a la vuelta de la esquina, pero no ha sido el caso de la exposición actual, que estará abierta hasta el 16 de julio de 2023, titulada Straordinario e quotidiano da Strozzi a Magnasco. Contradicciones humanas en la mirada de los pintores, comisariada por Agnese Marengo y Maurizio Romanengo. De hecho, los dos comisarios han optado por dar forma a una pequeña exposición con algo más de treinta obras (la cantidad equilibrada para estos espacios en opinión de quien esto escribe), dispuestas bien separadas en las paredes para proporcionar al ojo del visitante el espacio adecuado para admirarlas en su máximo esplendor, y optando también por dar uniformidad cromática al mobiliario para resaltar los cuadros y, al mismo tiempo, no perturbar la vista con demasiados colores.

Como ya se puede adivinar por el título, la exposición se basa en los opuestos, y se dedica una sección diferente a cada par de opuestos, cinco en total. Se trata de opuestos entre lo sagrado y lo profano, yuxtaposiciones temáticas contrastadas que, en la intención de los comisarios, ponen de relieve a través del arte las contradicciones humanas de la sociedad de la época. Abarcan desde elmanierismo tardío del siglo XVI hasta el siglo XVIII , con pinturas y dibujos del ámbito genovés procedentes en su mayoría de colecciones privadas. Y si el siglo XVII en Génova ha sido tratado por exposiciones recientes, es el objetivo de los comisarios presentar aquí este siglo “en una versión intimista, atenta a sus variadas expresiones, desde el naturalismo matérico impregnado de luz de Bernardo Strozzi a la pintura genial e inconfundible de Grechetto, desde el barroco consciente de Domenico Piola a la humanidad observada del natural por los hermanos De Wael, del lirismo de Giovanni Andrea De Ferrari a las notas caravaggescas de Luciano Borzone y Domenico Fiasella”.

La dicotomía que reúne “lo grandioso y lo insignificante, el universo mítico y el mínimo detalle, el misterio de lo sagrado y el gesto cotidiano” es Extraordinario y cotidiano, que da título tanto a toda la exposición como a su primera sección.

Construir una exposición sobre los opuestos parece proporcionar una lectura simplificada y comprensible de la historia del arte para todo el mundo, pero en realidad en una lectura más profunda muchas de las obras expuestas revelan peculiaridades iconográficas que hacen que la exposición sea interesante e intrigante y no trivial. Comenzamos con un par de cuadros de Grechetto, un colgante reunido por primera vez para esta exposición: se trata del Bodegón con el encuentro de Abraham y Melquisedec y del Bodegón con el viaje de los hijos de Jacob al fondo. En ambos, lo cotidiano del bodegón se sitúa en primer plano, mientras que lo extraordinario, es decir, el acontecimiento bíblico, se sitúa en segundo plano, de modo que, para descifrar el episodio del fondo, se invita al visitante a una lectura más profunda. En el interior de los cuadros hay, de hecho, dos inscripciones que remiten a los pasajes del Génesis a los que se hace referencia: el capítulo XIIII, o del encuentro de Abraham con Melquisedec, y el capítulo XLII, o del regreso de los hijos de Jacob a Canaán. En un paisaje que parece ininterrumpido en los dos cuadros, en el primero, Grechetto esboza al fondo el apretón de manos entre los jefes y coloca en primer plano el botín consistente en armaduras, trompetas y joyas cinceladas; en el segundo, la caravana de los hijos de Jacob se insinúa al fondo, mientras que en primer plano aparecen un farol alusivo a la noche, una cabra, una jarra y un frasco alusivos al hambre, y el dinero escondido en la cesta.

En laAnunciación de Bernardo Strozzi, lo extraordinario del acontecimiento sagrado se inserta en la cotidianidad de un interior sólo sugerido por el reclinatorio y la cesta en primer plano con paños; alrededor, nubes y luz desde las que se asoman ángeles, Dios Padre y la paloma del Espíritu Santo. La escena, sin embargo, no representa sólo una Anunciación, sino el momento de laEncarnación que sigue al anuncio. Esto se percibe por la actitud de María, que parece ser ya consciente de la concepción divina, por su vestido abultado sobre el vientre y por el arcángel Gabriel, que no señala al cielo, sino que está arrodillado en pose de devoción.

La Virgen del dibujo de Sinibaldo Scorza se convierte en una madre que ayuda a su hijo pequeño a dar sus primeros pasos, ayudada por su primito, San Giovannino, en una escena que narra la cotidianidad de la vida. Y de nuevo, el Descanso durante la Huida a Egipto en el dibujo de Domenico Piola parece ambientado no en un paisaje exótico, sino en el jardín de una villa de deleite. Por último, el propio Piola, en las Bodas de Caná, introduce una noble cotidianidad en la escena de la boda evangélica: la orquesta tocando bajo el dosel, los platos de plata, el mono que bromea con el perro, el joven criado que espera instrucciones del jefe de mesa.

La segunda sala está dedicada a la dicotomía Miseria y Nobleza, expresada en dos grandes cuadros de tema sacro: la Adoración de losMagos de Andrea Semino y laAdoración de los pastores atribuida a Bernardo Strozzi. Semino reúne en su obra tanto la pobreza de la Sagrada Familia, representada bajo una choza con techo de paja, como el esplendor de las telas y los regalos de los Magos. Los jinetes y dromedarios de la procesión de los Magos se vislumbran al fondo, mientras que entre el fondo y el primer plano se representan tres personajes pertenecientes a otra época, ya que van vestidos a la moda de finales del siglo XVI, lo que documenta la habilidad del pintor como retratista. El cuadro de Semino tiene como contrapunto la inédita Adoración atribuida a la primera madurez de Strozzi, ambientada en una ruina con columnas desmoronadas: aquí la atención se centra en el Niño Jesús, pero mientras que en la otra obra destacan las ricas vestiduras de los Magos, en particular el que está arrodillado en primer plano, en esta Adoración es el juego de reflejos y de luz lo que capta la atención.

A continuación pasamos a la sección Ociosidad y tienda: los genoveses se dedicaban notoriamente al comercio, sobre todo de dinero.Era en los jardines de sus villas y residencias donde celebraban esos momentos de “entretenimiento” y ociosidad a menudo representados en la pintura, como en el cuadro de Lucas de Wael en el que en el jardín escénico de una villa, de la que apenas se ve el contorno a la izquierda, caballeros y damas se entretienen con charlas y música. La ociosidad y la tienda están, sin embargo, bien representadas en el Paisaje con campesinos recogiendo calabazas de Antonio Travi, alumno de Bernardo Strozzi, donde el contraste se expresa mediante campesinos trabajando en primer plano y una rica casa solariega al fondo. Así pues, el jardín o el campo pueden ser lugares de diversión o de trabajo ( el cuadro de Anton Maria Vassallo del joven dios Apolo ordeñando una vaca en un paisaje bucólico también es particular), al igual que el mar, que también es lugar de actividad, sobre todo comercial, pero también de momentos de respiro en el trabajo: Ejemplos de ello son laBrigada alegre de Cornelis de Wael, en la que se representa a un grupo de hombres merendando en las rocas acompañados de música tras un baño, o el cuadro inédito del mismo autor con un grupo de esclavos y mercaderes en el puerto saciando su sed y refrescándose bañándose la cara en la fuente. Una escena de ociosidad junto al mar se representa también en el insólito e inédito dibujo de un desconocido artista del siglo XVI activo en Génova, que muestra a hombres desnudos bañándose en el mar y a uno incluso dándose un chapuzón. La sección se cierra con un nicho dedicado a Alessandro Magnasco y su manera de presentar las ocupaciones cotidianas de frailes y monjas, los primeros afilando cuchillos, las segundas hilando; ambos absortos en el trabajo y la oración, observando las reglas de la pobreza y la devoción.

La ociosidad como juego, especialmente con cartas, expresa un aspecto pecaminoso en la sección dedicada a la dicotomía de santos y pecadores: el anciano en camisa de I giocatori di carte de Luciano Borzone acaba de perder su chaqueta jugando a las cartas contra chicos jóvenes que probablemente le han engañado (uno incluso le hace un gesto vulgar). Se trata de una escena que parece sacada del género picaresco, muy extendido por toda Europa desde las primeras décadas del siglo XVII y protagonizado por canallas y despilfarradores. En el cuadro que se exhibe en la exposición, Magnasco representa también a picaros, personajes de apariencia zafia, jugando a las cartas. Estos están flanqueados por temas religiosos que, como explican los comisarios, “tienen en su núcleo un cortocircuito entre la justicia y el error, como el asesinato llevado a cabo por la justa Judith” de Domenico Fiasella o “el destierro del inocente Agar por Abraham” de Giovanni Andrea De Ferrari. Ambos inéditos y ambos con un detalle a subrayar: como sucede a menudo, De Ferrari inserta en sus obras una pieza de naturaleza muerta para captar la atención del espectador pero sobre todo para comunicar el sentido de la narración; en este caso, el frasco de terracota regalado por Abraham a Agar que, además de ser un signo de sus atenciones hacia la mujer, hace referencia a su experiencia en el desierto y a la posterior intervención angélica que indicará a Agar la fuente. La Judith de Fiasella está impregnada de la luz de Caravaggio, pero obsérvese la cabeza cortada sujeta por los cabellos, en la que el comisario ve los rasgos de un joven Fiasella treintañero.

La quinta y última sección se centra finalmente en los retratos y desnudos en la dicotomía de Cuerpos al descubierto y Ropas usadas. Se abre con el Retrato de Gerolamo Doria de Domenico Piola, en el que la retratada viste una túnica de alcoba ricamente decorada, y el Retrato de Bianca Maria Carpineto de Giovanni Maria Delle Piane conocido como il Mulinaretto, en el que se reconoce un cierto gusto por la descripción detallada de la indumentaria y los accesorios, y concluye con el desnudo femenino inédito de Giove e Antiope de Gioacchino Assereto , que ofrece una mirada desinhibida y nueva sobre la desnudez en una época en la que sólo podía encontrarse en las historias de los dioses antiguos, y con la Dánae vestida y dormida en Júpiter y Dánae de Bartolomeo Guidobono, que pretende ser una “reflexión erudita y ambigua sobre la naturaleza del amor”. La escena se desarrolla bajo el follaje de un árbol y, cuando Júpiter llega para verter su lluvia de oro de una bandeja de plata, la joven es la única que no muestra el menor interés, a diferencia de la vieja nodriza, otra joven figura femenina y un putto que recoge impetuosamente el oro a los pies de Dánae. También es peculiar el Baco ebrio de Giovanni Battista Langetti , que lo representa con la cabeza apoyada en una pared mientras está sumido en un profundo sueño y aferrado a una gran petaca de vino.

Volviendo a la sensual Antíope de Assereto, que no tiene precedentes tan explícitos en la época en la particular representación de la figura femenina de espaldas, Giacomo Montanari escribe en la ficha de la obra que hay que tener en cuenta que en 1649 Diego Velázquez pasó por Génova de camino a Roma por segunda vez. Y fue en Roma donde se dice que pintó la Venus en el espejo de la National Gallery de Londres, en la que reconocemos las mismas soluciones que ofrece el genovés expuesto en la muestra. Tal vez Velázquez pudo ver el cuadro de Assereto a su paso por Génova en 1649, pero ninguna fuente documental confirma hasta ahora la hipótesis.

Con esto concluye la pequeña exposición del Palacio de la Meridiana, que, como hemos visto, ofrece al público bastantes particularidades. Una exposición imprescindible, acompañada de un catálogo completo de las obras, para una mirada insólita sobre los siglos XVII y XVIII en Génova con muchas obras inéditas .

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