Prerrafaelitas en Milán, exposición con obras en bloque de la Tate: nada nuevo

by Ilaria Baratta , published on 19/09/2019
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Cuando el pasado mes de mayo el Palazzo Reale de Milán anunció su colaboración con la Tate Britain de Londres para una exposición dedicada íntegramente al movimiento prerrafaelita, Pre-Raphaelites. Amor y deseo, surgió una gran curiosidad en torno a la exposición: la fascinación por la modernidad medieval que caracteriza esas pinturas y dibujos parece indiscutible. Los dos términos “modernidad” y “medieval” yuxtapuestos podrían parecer un oxímoron, pero en realidad es la yuxtaposición más adecuada con la que se conoce a este movimiento nacido en Inglaterra a mediados del siglo XIX, hacia 1848, gracias al proyecto revolucionario de siete estudiantes de la Royal Academy que les llevó a formar una hermandad. Estos últimos rechazaban el arte académico, de ahí el medio del que procedían, y a los “rafaelitas” , los seguidores de Rafael Sanzio ( Urbino, 1483 - Roma, 1520), en favor de unarte medieval cuyos temas y estilos iban sin embargo acompañados de la idea de representar la realidad y la naturaleza tal como eran.

Su propio nombre de "prerrafaelitas " señalaba la época anterior al pintor de Urbino como su modelo de arte, ya que éste, especialmente con su Transfiguración, había distorsionado en su opinión los principios de sencillez y verdad en sus cuadros : demasiado virtuosismo, pomposidad fuera de lugar de los personajes representados y falta de adhesión a la verdad de la naturaleza. Como afirmó John Ruskin, mentor de los prerrafaelitas, su pintura respondía a “la necesidad de volver a la antigua honestidad”, es decir, al llamado primitivismo, “al margen de cualquier regla convencional de la pintura”: a través del color puro, la importancia de la línea de contorno y la búsqueda de un espacio simbólico, los prerrafaelitas encontraron en la Edad Media las herramientas adecuadas para una renovación del lenguaje y del contenido.

A partir de esta premisa, la exposición milanesa recorre un camino cuya intención es presentar al público los temas característicos de toda la poética del movimiento y la influencia fundamental de la cultura y el arte italianos prerrenacentistas.

Sala de exposiciones Prerrafaelitas. Amor y deseo

Sala de exposiciones Prerrafaelitas. Amor y deseo

Prerrafaelitas. Amor y deseo

Porprimera vez en Milán, se exponen cuadros emblemáticos del prerrafaelismo, como LaOfelia de John Everett Millais (Southampton, 1829 - Londres, 1896), Amor de abril de Arthur Hughes (Londres, 1832 - 1915), la Dama de Shalott de John William Waterhouse (Roma, 1849 - Londres, 1917), obras que apenas salen de las fronteras británicas: en este sentido, la exposición es una oportunidad ineludible dever juntos cuadros que sólo pueden admirarse si se visita el famoso museo londinense de donde proceden la mayoría de las obras maestras expuestas. Pero llegados a este punto, se abre una cuestión debatida: ¿hasta qué punto es útil a efectos cognitivos una exposición que se basa en trasladar unas ochenta obras de su ubicación para dar a todo el mundo la oportunidad de admirarlas en otro país? Ciertamente, la emoción de poder contemplar de cerca obras maestras de la historia del arte británico es extraordinaria, pero, en opinión de quien esto escribe, se han reunido en una exposición que no aporta ninguna novedad ni detalle particular que no conocieran ya los visitantes que ya poseían un conocimiento general de este movimiento. Incluso el propio catálogo de la exposición sólo ofrece dos ensayos que ilustran primero la Hermandad Prerrafaelita y luego la relación entre los prerrafaelitas e Italia. Maria Teresa Benedetti, en su contribución, afirma que el propio John Ruskin, el erudito inglés que “guió a los artistas prerrafaelitas hacia la comprensión de la belleza de nuestra arquitectura, pintura y paisaje italianos”, había expresado su pasión por nuestro país. Además, desde finales del siglo XVIII, el arte italiano se difundió en Inglaterra principalmente a través de numerosas reproducciones de obras de arte italianas, en particular gracias a los grabados de los frescos medievales del cementerio de Pisa realizados por Carlo Lasinio (Treviso, 1759 - Pisa, 1838) en 1812, las reproducciones de los maestros florentinos realizadas por William Young Ottley, las cromolitografías de laArundel Society, así como a través de libros ilustrados y repertorios. Millais poseía un ejemplar del volumen Pitture a fresco del camposanto di Pisa publicado en 1832; prueba de ello es el estudio de Millais para Cristo en casa de sus padres de c. 1849: el estudio es la base y el modelo del cuadro, pero realizó una escena de la vida cotidiana de la infancia de Jesús y una composición en la que la familia parece expandirse a partir de la figura central de Cristo. O en El desenterramiento de la reina Matilde, una obra gráfica abarrotada y detallada que el mismo artista realizó en 1849, haciendo hincapié en los contornos y evitando el uso de claroscuros fuertes y sombras sombreadas. El tema del dibujo está tomado de las Vidas de las reinas de Inglaterra de Agnes Strickland: la protagonista es Matilde, esposa de Guillermo el Conquistador, ambos enterrados en la iglesia de la Santísima Trinidad de Caen. En 1562, los calvinistas ocupan la ciudad y saquean las tumbas reales, robando las joyas de Matilde. Millais representa la escena haciendo hincapié en los detalles y los gestos de los personajes representados, especialmente de las monjas, cuyos rostros expresan una gran desesperación ante lo que está sucediendo. Éstas se asocian con las figuras de santos y mártires visibles en las decoraciones de la pared de detrás.

John Everett Millais, Estudio para Cristo en casa de sus padres (c. 1849; grafito sobre papel, 19 x 33,7 cm; Londres, Tate Britain)

John Everett Millais, The Unearthing of Queen Matilda (1849; tinta sobre papel, 22,9 x 42,9 cm; Londres, Tate Britain)

Como ya se ha dicho, la exposición lleva al visitante a través de los temas más característicos del Prerrafaelismo: de los poetas pintores a la fe secular, de la lealtad a la naturaleza alamor romántico, de la belleza del alma y del cuerpo al mito. La sección dedicada a las biografías de los dieciocho artistas que participaron en el movimiento prerrafaelita resulta muy útil, ya que proporciona una contextualización cultural y vivencial de su arte: aquí se encuentran los nombres de los exponentes más conocidos del movimiento, como Edward Burne-Jones, Arthur Hughes, William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, John William Waterhouse, y de exponentes algo menos conocidos, como John Brett, Philip Hermogenes Calderon, Charles Allston Collins, Frank Cadogan Cowper, pero todos ellos estaban vinculados a una forma de pintar de la que surgieron grandes obras maestras del arte británico.

Una de sus intenciones era producir un arte que tuviera una calidad similar a la de las obras literarias de sus escritores favoritos, entre ellos Chaucer, Shakespeare y escritores románticos como Alfred Tennyson, así como Dante Alighieri , que influyó enormemente en el arte de Dante Gabriel Rossetti (Londres, 1828 - Birchington on Sea, 1882): tradujo las obras del famoso poeta y su padre era también un estudioso de Dante, hasta el punto de que llamó a su hijo como él. Entre los temas favoritos que los prerrafaelitas gustaban de encontrar en sus lecturas y que deseaban transponer a sus cuadros estaba el amor trágico y romántico: historias de infidelidad, de jóvenes enamorados pertenecientes a clases sociales diferentes que, por ello, se veían obstaculizados por sus respectivas familias. Sus lecturas eran, por tanto, la inspiración de sus cuadros, pero a ello añadían la pintura del natural; de este modo podían pintar hasta el más mínimo detalle de elementos naturales, como el follaje, las flores, la hierba, y a menudo amigos y familiares eran los modelos de las figuras humanas. De hecho, la poetisa y pintora Elizabeth Siddal (Londres, 1829 - 1862) aparece con frecuencia en los cuadros prerrafaelitas: empezó a posar para ellos cuando el pintor Walter Deverell (Charlottesville, 1827 - Londres, 1854) la conoció en una sombrerería donde trabajaba la joven, pero el personaje femenino más famoso que retrató fue el de Ofelia en la obra homónima de Millais. El artista se inspiró enHamlet, de Shakespeare, pero mientras el escritor hace que la reina Gertrudis relate el trágico final de Ofelia desde la distancia, Millais traslada al espectador íntimamente al lugar de la muerte de la joven. Para crear el cuadro, el artista pasó cinco meses en las inmediaciones de una zona dominada por la vegetación por la que discurría el río Hogsmill, de modo que pudiera observar cuidadosamente el agua turbia y el follaje que iban a dar cabida a latrágica escena de la muerte por ahogamiento de Ofelia. Una vez de vuelta en Londres, hizo posar durante horas a la modelo Elizabeth Siddal en una bañera, vestida de novia, para que pudiera observar cuidadosamente el efecto del pelo de la muchacha en el agua y de su vestido pegado al cuerpo al mojarse. Cada hoja, cada pétalo de flor, cada brizna de hierba han sido creados individualmente por el artista, con profunda precisión; obsérvese el pequeño ramo de flores de colores que Ofelia sujetaba en la mano y que, a consecuencia de su muerte, está esparcido en el agua.

William Hunt (Londres, 1827-1910) también representa una escena íntima y cercana en Claudio e Isabel, un cuadro inspirado en un tema de la obra de Shakespeare Medida por medida . Claudio está condenado a muerte por adulterio y pide a su hermana que rompa sus votos de monja para encontrarse con Angelo, el vicario del duque que tiene el poder de liberarle de su condena. El punto de apoyo de la escena son las manos de Isabella apoyadas en el pecho de Claudio: mientras medita sobre la posibilidad que tiene de ayudar a su hermano sacrificando su propia condición de monja, siente latir el corazón de Claudio, símbolo de la vida. Ésta toca las cadenas que lo mantienen prisionero. También se ha dedicado mucho cuidado a la vestimenta de terciopelo y pieles del joven.

John Everett Millais, Ofelia (1851-1852; óleo sobre lienzo, 76,2 x 111,8 cm; Londres, Tate Britain)

William Holman Hunt, Claudio e Isabella (1850; óleo sobre tabla, 75,8 x 42,6 cm; Londres, Tate Britain)

Los temas bíblicos también eran muy apreciados por los prerrafaelitas, pero fueron objeto de críticas en la Gran Bretaña protestante, ya que estas pinturas expresaban una cercanía a la tradición católica o, en algunos casos, las figuras bíblicas se representaban con demasiado realismo, como en el caso del Cristo musculoso de Jesús lavando los pies de Pedro, de Ford Madox Brown (Calais, 1821 - Londres, 1893). Sin embargo, los prerrafaelitas renovaron la pintura religiosa británica representando personajes con una fuerte expresividad psicológica: en particular, Edward Burne-Jones (Birmingham, 1833 - Londres, 1898) realizó una serie de dibujos en los que experimentaba con la expresión de las emociones de los personajes a través de sus diferentes poses. Se exponen estudios para la representación de Ezequiel en Ezequiel y la olla hirviendo: Dios impidió al profeta expresar su dolor por la muerte de su esposa; a pesar de estar lejos del lecho de muerte de la mujer, el profeta impone su presencia. Varios estudios se centran en la mano de Ezequiel que sostiene la cuchara para remover lo que hay dentro de la olla; de hecho, son precisamente los trazos con los que el artista traza la olla y la túnica del profeta los que expresan su inquietud y su dolor por la muerte de su querida esposa. Entre los volúmenes preferidos de Burne-Jones figuraba también la colección de relatos sobre el tema de la caballería cristiana The Broad Stone of Honour, en la que ocupa un lugar central el momento en que San Juan Gualbert es abrazado en agradecimiento por el Cristo de madera de un santuario devocional: aquí se expone al público un estudio para The Merciful Knight .

Además de los temas bíblicos, los prerrafaelitas representaron temas típicos de su época, como la situación socioeconómica de la mujer, el cuidado y la educación de los niños y las relaciones infelices. De este último tema trata uno de los cuadros más llamativos de la exposición, que apenas sale de las fronteras de Gran Bretaña, Amor de abril, de Arthur Hughes. Una joven, vestida con un largo vestido azul oscuro que destaca sobre el verde follaje, llora una relación amorosa que ha terminado bajo un cenador, con la mirada perdida, mientras el hombre sostiene la mano de la doncella entre las suyas: el significado del cuadro está explícitamente sugerido por el lenguaje de las flores, ya que el amor floreciente expresado por la exuberante lila más allá del cenador se marchita como los pétalos de rosa esparcidos en primer plano; la hiedra y la rosa aluden irónicamente al amor eterno. Este cuadro iba acompañado de unos versos del poeta Alfred Tennyson que decían “El amor se convierte en un vago pesar / bañamos nuestros ojos con vano llanto. / Por fútiles vejaciones atados estamos / todavía”. Al igual que en los cuadros de tema bíblico, incluso en las obras con temas tomados de la vida contemporánea, los personajes están cargados de realismo y complejidad psicológica. Cargada de expresividad está, por ejemplo, la niña de la acuarela Mal sujeto, de Ford Madox Brown: una alumna algo apática que vuelve la mirada hacia el espectador casi desafiándole.

Gracias a John Ruskin, los prerrafaelitas empezaron a representar la naturaleza tal y como era, ya que su defensor creía firmemente en la naturaleza como obra de arte de Dios, en la que se podía encontrar la verdad emocional y espiritual. “Acércate a la naturaleza con total sencillez de corazón [...] sin descartar ni seleccionar ni despreciar nada”, afirmaba Ruskin. Fue John Brett (Reigate, 1831 - Londres, 1902) en particular quien abrazó este aspecto naturalista: Suyos son el espectacular Glaciar de Rosenlaui y el majestuoso Canal de la Mancha visto desde los acantilados de Dorset, así como la Vista de Florencia desde Bellosguardo, en la que el artista representa con detalle las torres, cúpulas y tejados de la ciudad, que el crítico Allen Staley consideró “uno de los cuadros prerrafaelitas más extraordinarios, el equivalente en el siglo XIX de las elaboradas vistas urbanas ricas en detalles de Canaletto y Bellotto”. Elaspecto más espiritual de la naturaleza se expresa en cambio en Picciola de Robert Braithwaite Martineau (Londres, 1826 - 1869): la escena representada en el cuadro está tomada de la novela homónima de Joseph-Xavier Boniface; un soldado francés prisionero, el conde Charney, cuida de una plantita que ha crecido entre las losas del patio de la prisión. Con ello se pretende subrayar que es posible encontrar espiritualidad incluso en la simple observación de la naturaleza.

Ford Madox Brown, Jesús lavando los pies de Pedro (1852-1856; óleo sobre lienzo, 116,8 x 133,3 cm; Londres, Tate Britain)

Edward Burne-Jones, Composition Study for The Merciful Knight (c. 1863; grafito sobre papel, 25,2 x 15,3 cm; Londres, Tate Britain)

Edward Burne-Jones, Estudio de composición para Ezequiel y la olla hirviendo (c. 1860; grafito sobre papel, 18,1 x 13,3 cm; Londres, Tate Britain)

Arthur Hughes, Amor de abril (1855-1856; óleo sobre lienzo, 88,9 x 49,5 cm; Londres, Tate Britain)

Ford Madox Brown, Bad Subject (1863; acuarela sobre papel, 23,2 x 21 cm; Londres, Tate Britain)

John Brett, El glaciar Rosenlaui (1856; óleo sobre lienzo, 44,5 x 41,9 cm; Londres, Tate Britain)

John Brett, El Canal de la Mancha visto desde los acantilados de Dorset (1871; óleo sobre lienzo, 106 x 212,7 cm; Londres, Tate Britain)

John Brett, Vista de Florencia desde Bellosguardo (1863; óleo sobre lienzo, 60 x 101,3 cm; Londres, Tate Britain)

Robert Braithwaite Martineau, Picciola (1853; óleo sobre lienzo, 63,5 x 81,3 cm; Londres, Tate Britain)

ADante Gabriel Rossetti le fascinaban especialmente las historias de amor del mundo medieval, sobre todo las narradas por Dante Alighieri o la Muerte de Arturo de Thomas Malory, pero también las inspiradas en el famoso Roman de la rose. El artista realizó pequeñas acuarelas sobre estos temas, caracterizadas por un decorado a menudo íntimo y privado: entre ellos, La tumba de Arturo, donde Lancelot se empuja literalmente ante el rostro de su amada Ginebra justo sobre la tumba del rey Arturo, marido de ésta; o Las bodas de San Jorge y la princesa Sabra, donde los dos amantes se abrazan en un tierno abrazo en el que ella se corta un mechón de pelo con unas tijeras y lo ata a la armadura de él y San Jorge la besa en la nariz. La modelo de Sabra fue Jane Morris, esposa del artista y escritor William Morris, mientras que se encuentra en la acuarela Paolo y Francesca da Rimini y en algunos dibujos a la ya mencionada Elizabeth Siddal, pintora y compañera de Rossetti. Elamor ilícito de Paolo y Francesca, la famosa pareja del Canto V del Infierno de Dante que se enamoró leyendo la historia de amor de Lancelot y Ginebra, hace referencia a la relación casi clandestina entre el artista y la modelo: ambos se casaron más tarde, en 1860. La obra se divide en tres partes: entre el beso terrenal y el abrazo infernal de Paolo y Francesca, Dante y Virgilio se dan la mano, observando los dos extremos de la trágica historia de los dos jóvenes amantes.

Continuando hacia el final de la exposición, se encuentran los magníficos retratos de Dante Gabriel Rossetti de las seductoras mujeres prerrafaelitas que respondían plenamente a las teorías delMovimiento Estético: la belleza debía estar representada en todas las formas de arte. Rossetti estaba familiarizado con la pintura renacentista italiana y con los retratos de Tiziano, Rafael, Leonardo y Miguel Ángel, y se inspiró fuertemente en ellos: los personajes femeninos retratados encarnan precisamente la belleza moderna, con su espesa cabellera, a menudo pelirroja, y sus marcados rasgos faciales; incluso las ricas telas y los suaves drapeados de sus ropajes recuerdan ese ideal de belleza omnipresente, hasta el punto de que la moda de la época se inspiró en el modelo prerrafaelita. Estas mujeres dominan conscientemente todo el lienzo: claros ejemplos son Aurelia (la amante de Fazio), Mona Vanna y Mona Pomona. La primera es un tema inspirado en una canción de Fazio degli Uberti, que Rossetti había traducido como Retrato de su dama, Angiola de Verona; la influencia de la pintura veneciana del siglo XVI, de Tiziano a Palma el Viejo pasando por Veronés, cuyas obras vio el artista en el Louvre, es aquí notable. El rasgo más distintivo de este cuadro es la gran sensualidad que transmite, en particular a través del gesto de peinarse su larga y ondulada cabellera pelirroja mientras vuelve la mirada hacia el espejo: es de suponer que el cuadro esté influido por la Mujer en el espejo de Tiziano, cuya fotografía poseía Rossetti. En este caso, Aurelia fue modelada por Fanny Cornforth, con quien el artista mantenía una relación.

Monna Vanna representa a una mujer de encanto inaccesible por su belleza imponente pero distante; sin embargo, lo que atrae fuertemente la mirada del espectador es sin duda el vestido que domina casi toda la escena. Muy seductoras son las manos enjoyadas en las que la protagonista teje y enrolla el collar de piedras rojas. Además, la influencia del retrato italiano también es fuerte en este cuadro: la gran manga remite al Retrato de Juana de Aragón de Rafael en el Louvre y al Velado de Rafael en el Palacio Pitti.

En cambio, la modelo Ada Vernon se convirtió en la protagonista del retrato de Monna Pomona: la mujer encarna la belleza renacentista ricamente vestida, adornada y enjoyada; es un cuadro que involucra todos los sentidos del espectador debido a la presencia de la manzana, las flores y las perlas. La sensualidad es tangible en los gestos de las manos y la expresión, como una mujer consciente de su seducción.

Los personajes literarios también encarnaron los ideales de belleza, como la Beatriz de Dante Alighieri en Beata Beatrix; sin embargo, en este caso en el cuadro hay una referencia directa a la vida de Rossetti, ya que el artista creó esta evocadora obra en memoria de su Isabel, fallecida prematuramente a una edad temprana. Esta obra maestra está impregnada de significados simbólicos: la paloma roja, alusión al Espíritu Santo y al amor, ofrece una amapola a la mujer, flor que alude a la pasión pero también a la muerte; el color rojo predominante en el cabello de Beatrice, en el manto de Amore y en la paloma hace referencia a la pasión humana pero también a la intensidad espiritual. El reloj de sol que indica las nueve horas es una referencia literaria a la Beatrice de Dante, ya que Dante la conoció a los nueve años y Beatrice murió a las nueve horas del 9 de junio de 1290: dentro de la composición del cuadro, sin embargo, el reloj de sol vincula a la mujer con la luz, por lo que Beatrice es la luz. Y otras referencias a la vida y al renacimiento se encuentran en el muro del primer plano que divide una zona terrenal de otra trascendente, en el pozo detrás de Dante, en el árbol en flor. Para Rossetti, el amor era una unión de sentimiento terrenal y éxtasis religioso, y en esta obra coexisten elementos terrenales y espirituales.

Las mujeres prerrafaelitas empezaron a ser retratadas a finales de la década de 1880 como protagonistas de mitos y leyendas en los que la magia, el encantamiento y la maldición ocupaban un lugar central: las heroínas representadas eran femmes fatales envueltas en un mundo misterioso.John William Waterhouse , en particular, se inclinó por este tema; una de sus obras maestras más famosas es La dama de Shalott que, como sugiere su título, se inspira en el poema romántico homónimo de Alfred Tennyson. La protagonista es una mujer que vive en una torre de la isla de Shalott, cerca de Camelot, y que debido a una maldición se ve obligada a no mirar nunca hacia ese lugar, pues de lo contrario morirá. Ella mira a través de un espejo y teje lo que ve en una tela mágica. Un día, al ver a Lancelot desde su espejo, la vence la tentación de mirar directamente por la ventana de la torre y su mirada se vuelve hacia Camelot, momento en el que decide abandonar la torre y dirigirse hacia ese lugar y se embarca en un río cantando palabras tristes, condenada a morir. Waterhouse representa en su obra a la muchacha ya sentada en la barca que navega río abajo, desvaneciéndose poco a poco.

Dante Gabriel Rossetti, La tumba de Arturo (1860; acuarela sobre papel, 23,5 x 36,8 cm; Londres, Tate Britain)

Dante Gabriel Rossetti, Paolo y Francesca da Rimini (1855; acuarela sobre papel, 25,4 x 44,9 cm; Londres, Tate Britain)

Dante Gabriel Rossetti, Elizabeth Siddal se trenza el pelo (c. 1855; grafito sobre papel, 17,1 x 12,7 cm; Londres, Tate Britain)

Dante Gabriel Rossetti, Las bodas de San Jorge y la princesa Sabra (1857; acuarela sobre papel, 36,5 x 36,5 cm; Londres, Tate Britain)

Dante Gabriel Rossetti, Aurelia (La amante de Fazio) (1863-1873; óleo sobre tabla, 43,2 x 36,8 cm; Londres, Tate Britain)

Dante Gabriel Rossetti, Mona Vanna (1866; óleo sobre lienzo, 88,9 x 86,4 cm; Londres, Tate Britain)

Dante Gabriel Rossetti, Mona Pomona (1864; acuarela y goma arábiga sobre papel, 47,6 x 39,3 cm; Londres, Tate Britain)

Dante Gabriel Rossetti, Beata Beatrix</em (c. 1864-1870; óleo sobre lienzo, 86,4 x 66 cm; Londres, Tate Britain)

John William Waterhouse, La dama de Shalott (1888; óleo sobre lienzo, 153 x 200 cm; Londres, Tate Britain)

Si el objetivo de la exposición del Palazzo Reale es ilustrar los temas favoritos del movimiento prerrafaelista, los visitantes los conocerán bien, sobre todo gracias a los interesantes dibujos expuestos, en su mayoría de Burne-Jones, que ayudan a comprender las fases de creación y estudio de un cuadro. En cuanto al catálogo, sigue exactamente la subdivisión de las secciones de la exposición, presentando cada una de ellas con un breve texto introductorio, pero en la mayoría de los casos faltan las fichas de trabajo.

También es digna de mención la exposición Pre-Raphaelites. L’utopia della bellezza (La utopía de la belleza) celebrada en Turín, en el Palazzo Chiablese, de abril a julio de 2014: por primera vez en la capital piamontesa, procedentes de la Tate Britain, se trajeron a la ciudad varias obras maestras prerrafaelitas, entre ellas L ’amata (La novia), de Dante Gabriel Rossetti, que no está presente en la exposición de Milán.

¿A qué otra ciudad italiana llegarán por primera vez los prerrafaelitas dentro de unos años?

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