Picasso, la historia de un mito y un hombre complejo. Cómo es la exposición en Palermo

Caníbal. Así se había apostrofado a veces Pablo Picasso, con una lúcida conciencia de su propia experimentación carnal en una búsqueda continua de formas siempre nuevas, de materiales inéditos, con una firma estilística inconfundible que le convirtió en un genio indiscutible del arte del siglo XX. “Nada se crea, nada se destruye, todo se transforma”: la ley física de la conservación de la masa podría aplicarse a su arte. Arte rehecho sobre arte. Temas y motivos de la historia del arte devorados por el gesto picassiano.

La historia y el mito de un hombre y artista complejo, que deconstruyó las reglas convencionales de la representación artística, cobran vida en la exposición Celebrar a Picasso. Obras maestras del Kunstmuseum Pablo Picasso de Münster, comisariada por Markus Müller, director del museo, hasta el 4 de mayo en la Venta Duca di Montalto del Palazzo Reale de Palermo. La exposición, organizada por la Fondazione Federico II, en colaboración con el museo de Münster, cuyo presidente es Olivier Widmaier Picasso, hijo de Maya Picasso y nieto del maestro, presenta 84 obras, entre litografías, linograbados, aguatintas, aguafuertes, cerámicas, punteseches, junto con tres pinturas, con préstamos también del Museo Picasso de Antibes, del Mart de Trento y Rovereto, de la Galleria La Nuova Pesa de Roma, así como préstamos de colecciones privadas (catálogo publicado por la Fondazione Federico II). Obras capaces de narrar la profunda huella autobiográfica de un arte del que él mismo dijo: “La obra que uno pinta es una especie de diario que hay que llevar”.

Como una especie de diario fotográfico es la “caja” espacial de la primera sala de exposición, con una serie de fotografías tomadas por David Douglas Duncan, fotógrafo principal del español, que le concedió acceso total a su estudio y a sus espacios vitales en 1956.

La transición a la vista general de la siguiente gran sala con las obras da a primera vista la impresión de una “retahíla de cuadros” que confiere a la exposición un aire minimalista e incluso retro. Sin embargo, es al acercarse a las contraparedes de la exposición cuando la perfecta iluminación consigue crear rupturas de aislamiento entre una obra y la siguiente, permitiendo la mejor apreciación.

Únicamente, para el raro cuadro de paisaje de la exposición, Paisaje de Vallauris (1958, óleo sobre lienzo, colección privada), habríamos preferido otra solución de distanciamiento del público a la más obvia del cristal colocado para cobijarlo. Aunque sólo fuera para resaltar aún más los elementos más destacados de la exposición expuestos en el centro de la pared del fondo: éste y el Pescador sentado con gorra (3 de noviembre de 1946, óleo sobre contrachapado, Musée Picasso, Antibes, donación del artista en 1946).

En el paisaje, dominado por el verde y el azul, los planos de superficie eluden la perspectiva tradicional, interpenetrándose unos a otros en un juego dinámico. El Pescador, ejemplo de lo que se conoce como “estilo Picasso”, que caracteriza la obra del maestro de finales de la década de 1930, combina múltiples vistas cubistas y metamorfosis surrealistas con el uso de una representación abreviada de los detalles faciales, utilizando pintura de barco y un panel de madera contrachapada. Una característica clave es la simplicidad y esencialidad de la representación. Como en otras obras, el español confía la expresión del estado de ánimo a la actitud del cuerpo, y no al rostro, que aquí, haciéndose eco de lo que ya se ha dicho sobre su relación con la tradición iconográfica, se representa con una reinterpretación de la representación clásica de la melancolía: un “marinero melancólico”, lo llamaría yo, con la cabeza apoyada en la mano y el otro brazo suelto sobre la pierna, como en la célebre Melencolia I de Alberto Durero, pero también, por citar a pintores cercanos a él, en el Retrato del Dr. Gachet (1890) de Vincent van Gogh o de nuevo en las diversas representaciones de la Melancolía realizadas por Edvard Munch entre 1891 y 1896.

La imagen icónica elegida para la exposición es la Pequeña cabeza de mujer coronada de flores (linograbado en color, prueba de imprenta, tercer y último estado; préstamo permanente de la Sparkasse Münsterland ost al Kunstmuseum Pablo Picasso Münster), realizado con la técnica del linograbado, que ofrecía al artista la oportunidad única de crear una “pintura por grabado”, en la que las superficies coloreadas se combinan con la precisión del dibujo lineal. En este caso, los marrones son el aspecto cromático predominante, como también en Cabeza de mujer con sombrero/Paisaje de bañista (8 de marzo de 1962, linograbado en color, 2ª de 3 etapas; préstamo permanente de la Sparkasse) en Jacqueline con cinta en la cabeza (13 de febrero de 1962, linograbado en color, prueba, 1ª de 3 etapas; préstamo permanente de la Sparkasse). El español también realizó con esta técnica un cartel para una corrida de toros. De este último, metáfora existencial de su propio arte, dijo: “Imagina por un momento que estás en medio de la plaza de toros. Tienes tu caballete y tu lienzo, está en blanco y hay que pintarlo, y todo el mundo te está mirando. [...] El más mínimo error y estás muerto. Y ni siquiera necesitas un toro para hacerlo”. El tema de la tauromaquia está representado en la exposición a través de varias aguatintas y linograbados, entre ellos A los toros (plancha 2 de Tauromaquia, 1957-1959, aguatinta; Kunstmuseum Pablo Picasso Münster - Colección Huizinga), Picador y torero Esperando el paseo de cuadrillas (8 de septiembre de 1959, linograbado en color, prueba, segundo y último estado,

préstamo permanente de la Sparkasse), Corrida de toros en Vallauris 1960 (13 de julio de 1960, linograbado en color, préstamo permanente de la Sparkasse).

Un papel igualmente icónico, reproducido también en el suelo que recibe al visitante en la entrada, se asigna a la famosa “paloma” que el español interpretó en variantes siempre distintas a partir de aquella primera litografía, presente en la exposición, creada el 9 de enero de 1949 para ser expuesta en París en abril de ese mismo año en el Congreso de Intelectuales por la Paz. Se convirtió en un símbolo de la paz mundialmente reconocido, según la iconografía creada por el propio Picasso. En la primavera de 1949, Françoise Gilot, compañera de Picasso, tras el nacimiento de su hijo Claude en 1947, dio al artista una segunda hija a la que llamaron Paloma.

Entre las obras más interesantes de la exposición figura una litografía que representa a la niña en el acto de exhibir casi con orgullo su muñeca Paloma y su muñeca, fondo negro, 14 de diciembre de 1952

litografía (tiza, raspado sobre zinc), última de cuatro pruebas con márgenes reducidos antes de la edición, firmada en tiza roja: “Bon à tirer Picasso”. “Es una hazaña difícil”, escribe Müller en el catálogo, “motivar a un niño pequeño para que se siente como un modelo y se quede quieto”. Según testigos contemporáneos, Picasso utilizaba el truco de hacer creer a los niños que no quería retratarlos a ellos, sino a sus peluches o muñecas. Esto explica también la actitud ostentosa de la pequeña Paloma". Hay también un retrato de Paloma yuxtapuesto por contraste al de su hermano: líneas negras sobre fondo blanco para la niña, bitono invertido para Claude(Paloma y Claude, 16 de abril de 1950, litografía (dibujo a mano [con tinta] sobre papel transfer, reimpreso en piedra).

Tal vez sólo la ausencia de ciertas figuras típicas del repertorio del artista, como los arlequines melancólicos y los personajes de circo, sea perceptible en este recorrido bien representativo por el universo de Picasso. Esta ausencia está más que compensada, en el gran espacio central de la sala, por las maravillosas cerámicas creadas después de la Segunda Guerra Mundial en Vallauris, en el sur de Francia, entre las que destaca el espléndido plato rectangular con las Tres sardinas, loza blanca, decoración engobada, grabado a cuchillo bajo vidriado amarillo (nº. 98/200; Kunstmuseum Pablo Picasso Münster, colección Classen) y el de la Paloma resplandeciente (1953, cerámica, plato rectangular, colección Nicola Pontalti, Trento), la jarra Búho (1954, jarra torneada, terracota blanca, decoración de óxido sobre esmalte blanco, 500 ejemplares producidos; Kunstmuseum Pablo Picasso Münster, colección Classen), la de La donna del Barbuto (1953, cerámica, jarra torneada; colección Nicola Pontalti, Trento). O Jacqueline en el caballete (1956, cerámica, plato redondo; colección Nicola Pontalti, Trento), verdadera traducción a la cerámica de una obra entre cubista y surrealista, que pone de manifiesto que Picasso era fiel a su propia autonomía estilística independientemente del material y del objeto con los que trabajara.

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