Mirar la pandemia a través de una portada. 49 artistas italianos exponen en Massa

"Las coacciones del encierro nos han llevado a cada uno de nosotros a cuestionarnos nuestro modo de vida, nuestras verdaderas necesidades, nuestras aspiraciones, reprimidas en quienes sufren una condición cerrada entre el hogar y el trabajo, olvidadas en quienes disfrutan de una vida menos subyugada, y enmascaradas en general por la alienación de lo cotidiano o removidas en el divertimento pascoliano, que nos distrae de los verdaderos problemas de nuestra condición humana". Lo escribió Edgar Morin en la primera de sus 15 Conferencias sobre el Coronavirus, publicadas cuando la segunda oleada de la pandemia Covid-19 empezaba a tomar forma y a convencer de nuevo a los gobiernos de medio mundo de que encerrar a la gente en sus casas durante periodos más o menos largos era la solución más adecuada al problema. Tiempos sin precedentes los llaman en los países anglosajones: un momento sin precedentes. Y como todos los momentos sin precedentes, el flujo de emociones que lo atraviesa es tormentoso, violento, contradictorio, inquietante y perturbador, quizá incluso más imprevisible que el curso de las olas de la epidemia. Es un torbellino que también ha barrido el arte, con al menos un par de consecuencias positivas: ha desencadenado un momento de euforia creativa luminosa y generalizada (como es típico de los momentos de crisis, al fin y al cabo) y ha tomado la forma de una especie de rappel à l’ordre, como una unidad de medida concreta, tangible e inmediata con la que los artistas se han visto obligados a enfrentarse.

Es demasiado pronto para saber si surgirán resultados originales y cómo afectará esto al curso de la historia del arte. Es cierto para los que escriben sobre arte, también lo es hasta cierto punto para los que producen arte. Pero devolver al arte contemporáneo a una dimensión urgente y apremiante ya es un logro: no documentar, porque el arte no es para eso, ni nació para eso. Si el arte, recordando a Gastone Novelli, es la forma en la que el ser humano se orienta en el mundo, más que nunca es necesario en situaciones en las que una humanidad desconcertada y perdida siente la necesidad de herramientas que le faciliten la navegación. Así pues, hay que reconocer a Valentina Ciarallo el mérito de haber fabricado una especie de pequeña brújula que ofrece, en la pequeñez de la contribución que pueden aportar las artes visuales, la posibilidad de comprender hacia qué puntos cardinales se orientaron los artistas italianos en los primeros meses de la pandemia. El comisario romano tuvo la idea de que cuarenta y nueve artistas llenaran el White Issue de Vogue Italia, es decir, el número de abril de 2020 que salió con una portada completamente blanca para dar una idea del desconcierto ante el estallido de la epidemia que conmocionó al mundo.

Es bien sabido que los lectores de la edición italiana de Vogue siempre han estado acostumbrados a portadas coloristas, extravagantes y a la última. Era una costumbre que se repetía sin cesar desde 1962: nunca una portada había estado vacía en casi sesenta años de publicación. El vacío se convertía así en una alegoría del desconcierto. Una alegoría, sin embargo, que Ciarallo, una especie de artista cincuentón como muchos señalaron en la presentación de la exposición, desbarató con diligencia e ingenio: un vacío también puede llenarse, un vacío puede representar un comienzo, un espacio en blanco más o menos circunscrito es casi siempre el comienzo de una obra de arte. Los resultados de la iniciativa, que naturalmente contó con el pleno apoyo de Vogue, pueden verse en la exposición Carta Bianca. Una nuova storia en el Museo Guadagnucci de Massa (aunque ya se sabe que luego la exposición será itinerante), hasta el 29 de agosto: las cuarenta y nueve portadas se exponen en las salas del museo, que con esta muestra, además, inaugura el nuevo curso bajo la égida de la nueva directora Cinzia Compalati, capaz a la primera de devolver el arte contemporáneo de calidad a un museo público de los Alpes Apuanos, tras demasiado tiempo de ausencia y desánimo. También por este motivo merece la pena visitar la exposición.

Vista de la exposición Carta Bianca. Una nueva historia. Foto de Serena Rossi

Vista de la exposición Carta Bianca. Una nueva historia

Vista de la exposición Carta Bianca. Una nueva historia

Vista de la exposición Carta Bianca. Una nueva historia

Vista de la exposición Carta Bianca. Una nueva historia

La “nueva historia” a la que alude el título de la exposición es la que los cuarenta y nueve artistas escriben en la portada de Vogue: como ocurre con todas las exposiciones colectivas, hay quien interpreta su papel de una forma más apasionada y atractiva y hay quien, en cambio, se presenta de una manera más cansina o retórica, pero el resultado global es más que positivo. Dan la bienvenida al visitante 7,62 x 63 mm de Flavio Favelli y #836 A de Giovanni De Angelis: la primera obra es conceptualmente más compleja, con su referencia a otra tragedia (la de Ustica), y la segunda es más inmediata, resolviéndose en un corte limpio en el centro de la revista, una línea roja luminosa que es casi una herida de la que, sin embargo, brota el renacimiento. El simpático mono de Mauro Di Silvestre(¡Quiero ser como tú!) está cargado de significados que remiten a otros olvidados (“qué siente un animal al vivir en este planeta y qué pensaría un chimpancé de nuestro progreso”, se pregunta el artista), e introduce La pittura precede la natura de Matteo Fato, una reflexión sobre el arte como mímesis desarrollando un pensamiento del filólogo musical Gianni Garrera. Continuamos en la sala contigua, donde la portada sin título de Francesco Arena utiliza la palabra “Italia” dentro de la palabra “Vogue” para presentar una cita de Pasolini de 1975, elegida por su desconcertante actualidad: “Italia elimina su pasado cercano, lo pierde en el olvido de las ondas televisivas, sólo conserva sus recuerdos, los fragmentos que podrían ser útiles para sus contorsiones, sus conversiones. Pero Italia es un país circular, felino, en el que todo cambia para seguir siendo como es. En el que todo fluye para no pasar de verdad”. La obra de Arena está flanqueada por La elegía de la blancura, de Mario Airò, que celebra la blancura como forma abierta y símbolo del nacimiento y la muerte, y por un collage de Marina Paris, Numero 836, que pega una foto de grupo de 1951 en una portada, probablemente para subrayar las diferencias entre los italianos de hoy y los de los años 50 que refundaron el país.

Stefano Arienti perfora el anuncio de Giorgio Armani en la contraportada, logrando una transfiguración: ya no es una modelo segura de sí misma, sino una mujer que casi parece pedir ayuda, atrapada entre las páginas. Lenguaje minimalista para Elisabetta Benassi, que pone aún más blanco sobre blanco borrando “VOG” para que quede “EU”, con una obvia referencia a la Unión Europea y su papel durante la pandemia. Decididamente más interesante es la obra Allunati de Rä di Martino, que escenifica en la portada de Vogue una recreación de la conquista de la luna, experiencia que, según el artista, representaba (y representa) el desafío a lo desconocido y la supremacía de la razón sobre el caos, otros temas que han entrado en nuestra vida cotidiana. No muy lejos, Windows, de Patrick Tuttofuoco, razonaba sobre el futuro transformando la portada de Vogue en una refinada escultura e imaginándola como una ventana abierta sobre un cielo amenazador, rasgada, sin embargo, por el rayo del arte, la creatividad y la imaginación. Un collage también para Giuseppe Pietroniro, que juega con la percepción de las formas a través de la ilusión óptica, mientras que Diego Miguel Mirabella se inspira en los mosaicos islámicos para mostrar, a través de aberturas en la portada, el contenido de la revista (la referencia es a cómo solíamos mirar el mundo durante el encierro: a través de nuestras ventanas, pero también a través de las estrechas y opresivas aberturas de los medios de comunicación).

Mauro Di Silvestre, ¡QUIERO SER COMO TÚ! (2020; óleo y cintas de seda en la cubierta). Cortesía del artista. Fotografía de Giorgio Benni

Giovanni De Angelis, #836 A (2020; luz LED en la cubierta). Cortesía del artista. Fotografía de Giorgio Benni

Francesco Arena, Sin título (2020; impresión sobre adhesivo transparente en la cubierta). Cortesía del artista, foto de Giorgio Benni

Stefano Arienti, Sin título (2020; perforación en la cubierta). Cortesía del artista y Studio SALES di Norberto Ruggeri, Roma. Foto de Giorgio Benni

Patrick Tuttofuoco, Windows (2020; perfil de acero, fotografía adhesiva en la cubierta). Cortesía del artista. Fotografía de Giorgio Benni

Rä di Martino, Allunati (2020; impresión fotográfica y recortes de lienzo en la cubierta). Cortesía del artista Foto de Giorgio Benni

Matteo Nasini, Stringimi che andiamo (2020; lana acrílica e hilos de algodón sobre Vogue). Cortesía del artista y Clima Gallery, Milán. Fotografía de Giorgio Benni

Goldschmied & Chiari, All’alba di un tramonto (2020; impresión digital sobre cubierta, detalle de la obra Untitled Views). Cortesía del artista. Fotografía de Giorgio Benni

Federica Di Carlo, Je suis la Vague (2020; concha fósil francesa, empuñadura de hierro plateado sobre Vogue). Cortesía de la artista. Fotografía de Giorgio Benni

Riccardo Beretta, Never Say Bullshit (2020; bordado sobre terciopelo pintado en portada, patrocinado por Anna Monti). Cortesía del artista. Fotografía de Giorgio Benni

Tighten Me That We Go, de Matteo Nasini, es una de las interpretaciones más poéticas de la exposición: la revista se convierte en una metáfora de la realidad y se enrolla porque no sabemos qué pasará en el futuro, y la esperanza de un renacimiento queda simbolizada por el dorado combinado con el negro del sombrío presente. A su lado, aparece Saving Time, una obra densa de Letizia Cariello, a quien la portada blanca de Vogue le recordaba un cielo cubierto de nubes, lo que la condujo a una dimensión onírica expresada a través del círculo de números: una alusión a un calendario herido pero cosido, ya que la naturaleza destruye y reconstruye, permitiendo que el tiempo fluya en redondo. La que sueña con el mar es Federica Di Carlo, que con Je suis la vague fija una concha marina a la portada de Vogue mediante un tornillo de banco: su deseo durante el encierro era volver al mar, un anhelo instintivo de reencuentro con un elemento primordial. Pero también, subraya la comisaria, “una reflexión sobre cómo aflojar el agarre”, ya que “el frenesí global se convierte en un tornillo de banco que hay que aligerar para evitar que la concha se desmorone y nosotros con ella”. Marítimo es también el trabajo de Salvatore Arancio, que propone otro caparazón: un collage que nos transporta de nuevo a la dimensión de la naturaleza. También con sensaciones auditivas: el podcast que Arancio creó para la obra (cada artista fue invitado a producir uno, así que los hay que explicaron la obra, los que recitaron pasajes o los que, como Arancio, crearon ambientaciones sonoras para su obra, y todos se pueden descargar desde la web del museo) contiene los sonidos de un día en una playa solitaria.

Si el dúo Invernomuto coloca un inquietante Terminator en la portada de Vogue, más relajante aparece Dawn of a Sunset del otro dúo de la exposición, Goldschmied & Chiari, que presentan una de sus clásicas, coloristas y populares obras realizadas con nubes liberadas de bombas de humo, los colores se inspiran aquí en lo que Calvino definió como “la hora en que pierden la consistencia de sombra que las acompañaba en la noche y recuperan poco a poco sus colores”, el momento del alba, “la hora en que uno está menos seguro de la existencia del mundo”. La visita a la primera planta termina con Never Say Bullshit de Riccardo Beretta (un curioso y acertado encuentro entre Alighiero Boetti y Maurizio Cattelan), con la inteligencia artificial de V.I.P. (Vogue Intelligent Pro) de Donato Piccolo que, mediante un software, analiza los contenidos de Vogue para crear signos que se proyectan en la pared, abriéndose así a nuevas percepciones pero sin perder el contacto con una realidad encarnada por la portada aún envuelta (una realidad que, sin embargo, está dispuesta a generar nueva vida), y con el tercer dúo, Vedovamazzei, que en una operación conceptual cierra Vogue con un candado.

Bajando las escaleras, nos encontramos primero con Eugenio Tibaldi y su See Beyond, que reelabora ilustraciones de los años 50 para reflexionar sobre un artilugio popular de la época, las gafas de rayos X, que nadie compró (¿quién pensó alguna vez que funcionarían?) pero que, en un mundo contemporáneo en el que todo el mundo se engaña con la ilusión del conocimiento, se convierten en un medio para devolvernos a la realidad (sentir el ardor de la vergüenza tras comprobar lo infundado de las propias teorías es una especie de buena práctica educativa, parece sugerir el artista). Giuseppe Stampone también habla de educación con Global Education, un dibujo a bolígrafo destinado a subrayar la necesidad de volver a “un compromiso ético incluso antes que estético, al activismo político en la vida cotidiana y a la urgente necesidad de construir estructuras conectivas, cognitivas, táctiles y globales”, escribe Ciarallo. Al lado, Lamberto Teotino utiliza una vieja foto recuperada de la red para meditar sobre el valor del concepto de “familia”, mientras que Giovanni Kronenberg aplica pan de oro a la solapa inferior de la portada de Vogue para darle una dimensión escultórica y abrirla así al mundo exterior. Entre las mejores obras de la exposición, La sombra del alma, de Fabrizio Cotognini, transforma Vogue en un libro antiguo utilizando pan de oro, e incorpora también grabados originales del siglo XIX que representan personajes y animales monstruosos para componer una especie de alegoría del tiempo presente utilizando medios de expresión tradicionales. Gianni Politi cubre Vogue con pintura metálica para crear una inscripción en la que afirma sentirse siempre en cuarentena(I have always been in quarantine), y a su lado Jacopo Benassi transforma Vogue en otra revista, Brutal Casual, que recoge la “brutalidad cotidiana” del artista, incluyendo cenas de comida basura, sexo, veladas alcohólicas y muchos otros momentos de los que todos o casi todos hemos sentido nostalgia durante nuestros diversos encierros. El muestrario del encierro es evocado por Marco Raparelli que, en List for reboot, enumera una serie de objetos que le ayudaron a sobrellevar la segregación forzosa: ordenadores, bolígrafos, lápices, música, libros, cerebro, corazón, ojos. Al lado, Stanislao Di Giugno, con Sfregio #9, graba la portada para buscar nuevas formas y colores en las profundidades de la revista.

Eugenio Tibaldi, See beyond (2020; rotulador permanente en la portada). Cortesía del artista. Fotografía de Giorgio Benni

Jacopo Benassi, Brutal Casual vs Vogue (2020; técnica mixta sobre cubierta). Cortesía del artista y Galleria Francesca Minini, Milán. Fotografía de Giorgio Benni

Fabrizio Cotognini, La sombra del alma (2020; pan de oro, tinta, mylar y grabado original del siglo XIX sobre cubierta). Cortesía del artista y Prometeo Gallery di Ida Pisani, Milán. Fotografía de Giorgio Benni

Sissi, Portrait in Bloom (2020; bordado en la cubierta, hilo de algodón). Cortesía del artista y Galleria Tiziana Di Caro, Nápoles. Fotografía de Giorgio Benni

Guglielmo Castelli, Mañana (2020; óleo sobre cubierta). Cortesía del artista. Fotografía de Giorgio Benni

Simone Berti, Cebra con Louboutin (2020; técnica mixta sobre papel y cubierta). Cortesía del artista. Fotografía de Giorgio Benni

Un retrato femenino, Arianna, destaca en la portada de Silvia Celeste Calcagno, mientras que un plato roto(Un solco, una strada) remite a la dimensión del encierro cotidiano de Silvia Camporesi, pero también alude a las fracturas que la pandemia ha provocado en nuestras vidas. Giulia Andreani, por su parte, imagina un Monde d’après en el que una niña derriba el patriarcado, y Romina Bassu, con una pintura acrílica, se refiere a una dimensión de ansiedad e inconsuetud (el cigarrillo sostenido por dos pies femeninos). El Ritratto in fiore di Sissi cierra este paréntesis exclusivamente femenino con una delicada “mirada que florece sobre lo nuevo”, en palabras del comisario. Por otro lado, Pietro Ruffo y la artista más joven de la exposición, Bea Bonafini, de 30 años, razonan sobre las grandes manifestaciones cuadradas: Ruffo se limita a un retrato con lemas banales de desfile(No hay planeta B), Bonafini crea un collage de tallas imaginando un beso didáctico entre blancos y negros en la onda de Black Lives Matter. Alessandro Piangiamore abandona sus lenguajes habituales para pegar una receta de levadura madre en la portada de Vogue, mientras que Guglielmo Castelli, uno de los pintores jóvenes más interesantes de Italia en este momento, puebla su portada de criaturas soñadoras y vulnerables, un poco como el resto de nosotros en estos días. Más pintura con el tranquilizador Vaso di fiori (Jarrón de flores), de Vincenzo Simone, mientras que Marco Basta confía a rotulador su desánimo por los tiempos que corren: Ya no quiero sentirme así. En A-Bee-C, Alice Schivardi resume su encierro con una boca y una abeja, y el mismo mecanismo rige la Chaqueta afectuosa de Ludovica Gioscia, que salpica la portada de Vogue con tela, hojas, lana, hierba e incluso pelo de gato para crear un sobre de quita y pon. La exposición se cierra con la bizarra Cebra con Louboutin de Simone Berti (una atmósfera en la que la naturaleza “parece constreñir e inmovilizar a la cebra, expresión de la inmovilidad que nos impone esta época”, escribe Ciarallo), obra de Davide Monaldi, que consideraba el White Issue tan significativo que no necesitaba rellenarlo (y por eso lo reprodujo en cerámica vidriada), la reinterpretación de Manfredi Beninati de la creación de Adán por Miguel Ángel, el puercoespín existencialista de Corinna Gosmaro(Aún no lo sabemos) y el evocador autorretrato de Maria Crispal, vestida de blanco, de pie sobre el sello de la revista que recuerda el globo terráqueo, para transmitir, explica la comisaria, “un concepto de renacimiento global y de unión en la fuerza de la vida”.

Por supuesto, no hay relámpagos porque los artistas de la exposición han trabajado casi todos según sus formas habituales, pero el objetivo de la muestra no era abrir caminos no transitados: se trata de un proyecto de reflexión sobre el pasado reciente, un “relato coral animado por la variedad y la diversidad de lenguajes”, como lo define Ciarallo, destinado a establecer un diálogo vivo con el público, y que encaja bien en el contexto de un museo que se renueva y aspira a convertirse en un punto de referencia para su comunidad. Descubrir el valor del arte para la comunidad, para el territorio, para las personas: esta es la invitación a la que parece dirigirse Carta Bianca, con una terna de artistas que abarca todos los posibles sentimientos generados por la pandemia, con obras que abordan el tema a veces con ironía, a veces con melancolía, a veces con fuerza, a veces hurgando en la realidad, a veces sumergiéndose en los sueños. Después de la exposición Ti Bergamo del otoño pasado, Carta Bianca es probablemente la respuesta coral más interesante de los artistas italianos contemporáneos a la pandemia. Y es también una demostración de que el arte italiano, se diga lo que se diga, está ahí y es vital.

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