La exposición sobre la ironía en el MAMbo de Bolonia mata un aspecto fundamental de la ironía

Después de Mozzarella in Carrozza, una gran obra de Gino De Dominicis que inaugura la exposición Facile Ironia en el Museo MAMbo de Bolonia, el camino se fragmenta en muchas obras que tienden a perderse y a pasar desapercibidas dentro de una instalación donde las paredes rojas y amarillas invaden y perduran demasiado en la cabeza del espectador. Mozzarella in Carrozza desafía cualquier interpretación unívoca, divertida y desorientadora, una broma visual que esconde, bajo su aparente sencillez, una reflexión más profunda sobre la percepción, el lenguaje y la propia naturaleza del arte. Tiempo e inmortalidad, absurdo y metafísico. La mozzarella, colocada sobre el asiento de un antiguo carruaje negro, genera un cortocircuito conceptual entre un pasado fuerte y eterno y la fugacidad y fragilidad de la materia. Una broma lingüística que elabora con fuerza y originalidad el ready-made de Marcel Duchamp, que luego acompaña a toda la exposición como un fantasma engorroso.

Todo arte moderno y contemporáneo se basa siempre en una desviación conceptual que cuestiona la definición clásica de obra de arte, y que remite a algo necesariamente “irónico”. Por eso, además de la amarga ironía conceptual que impregna el arte moderno y contemporáneo, la exposición también habría necesitado obras más frontales e inmediatas en relación con una realidad compleja y palpitante que vivimos con fuerza fuera de los museos en 2025. Faltaron, por ejemplo, artistas como Gabriele Picco, con su pintura irónica y onírica, y Giulio Alvigini, capaz de aplicar la cultura meme al mundo del arte. Al mismo tiempo, artistas como Riccardo Baruzzi y Federico Tosi (por poner dos ejemplos) parecen elecciones gratuitas y forzadas.

Entre las muchas obras no muy grandes, pequeñas fotos en blanco y negro, dibujos, pequeñas intervenciones, echamos de menos la obra de Roberto Fassone, a pesar de haber realizado dos visitas a la exposición, mientras que nos gustaron las obras de Italo Zuffi, Maurizio Mercuri (aunque limitadas) y Francesco Vezzoli. Las obras de Monica Bonvicini y Lara Favaretto eran demasiado pequeñas y mínimas, lo que, si por un lado, hace pensar en los problemas de reducción del presupuesto que el museo ha tenido que afrontar en los últimos años, por otro, en los recorridos donde la ironía no tiene realmente una presencia tan fuerte y preponderante. La sensación es que habría sido útil en la exposición un complemento más lúdico y frontal a, por ejemplo, la ironía sutil y conceptual de Italo Zuffi, que sigue durante muchos días y fotografía al galerista que le había rechazado como artista.

La parte de la exposición dedicada a laironía en el arte feminista no restituye la importancia de este movimiento: hay obras ciertamente importantes desde el punto de vista histórico, pero sin embargo parecen débiles y poco incidentes para competir con la complejidad de 2025. En general, para entender y adentrarse en las obras expuestas, hay que leer mucho, muchos pies de foto largos y escritos en letra pequeña sobre fondo de color. Esto, si se piensa bien, mata un aspecto fundamental de la ironía: la inmediatez. Se tiene una sensación parecida a la de tener que explicar un chiste. Si esto ocurre, obviamente perdemos esa frontalidad e inmediatez que son fundamentales para activar la dimensión irónica de la obra. Si un espectador tuviera que leer todos los pies de foto de la exposición y los textos de muchas de las obras, tardaría horas y horas, lo que condicionaría mucho su experiencia.

En el MAMbo encontramos después a Pascali, Boetti, Accardi, Cattelan: todos grandes artistas, pero en la exposición también salen perdiendo, con obras que se ven sofocadas por los colores de las paredes y las numerosas obras que las rodean. Las palomas de Cattelan, inmóviles y taxidermizadas(Fantasmas), pierden mordiente, y queda una sensación de insatisfacción, como si esas palomas, para afectar a 2025 (la obra data de 1997), debieran al menos estar vivas.

Esta exposición, a la vez que demuestra un esfuerzo en un sentido histórico por leer el cincuentenario del museo MAMbo, muestra una vez más la crisis del arte contemporáneo y del sistema del arte a la hora de definir modos, actitudes, visiones y actitudes útiles para afrontar nuestro presente. La sensación es que los artistas y comisarios de las últimas generaciones, surgidos entre finales de los noventa y la actualidad, están como varados en los bajíos del siglo XX, el ready-made y lo posmoderno, sin que la cita pueda convertirse en un puente para abordar eficazmente lo contemporáneo.

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