La elección dura, contemporánea y actual de Daniel Spoerri

Artículo publicado originalmente en culturainrivera.it

El título de una exposición de arte puede ser muy revelador. A menudo lo es en sentido negativo: quienes están familiarizados con el mundo de las exposiciones ya saben más o menos qué esperar del título, dado el conformismo que caracteriza a la mayoría de los organizadores y comisarios. Pero también puede tener diversas interpretaciones: es el caso de la exposición Daniel Spoerri. A Hard Choice, la exposición principal del verano de Carrara, y líder del programa de las Semanas del Mármol de Carrara. ¿Quién hace al final una elección difícil? Casi todo el mundo: Daniel Spoerri, cuya investigación es una evolución continua siempre impulsada por esa convicción (“la pintura de caballete ha tenido su día”) en torno a la cual Pierre Restany elaboró el manifiesto del nouveau réalisme, firmado más tarde por varios artistas, entre ellos el propio Spoerri. El público, llamado a visitar (pero se podría decir fácilmente “a participar”) una exposición de un artista cuyo lenguaje ya ha entrado en los “cánones oficiales” de la historia del arte, pero que no figura entre los más inmediatos y fáciles para los acostumbrados a la tradición (y es innegable que Carrara está fuertemente arraigada en su propia tradición). El comisario, Luciano Massari, ha tenido que elegir literalmente unas cuarenta obras procedentes en su mayoría de colecciones privadas para documentar la larga carrera del artista suizo-rumano.

Algo, inevitablemente, se queda fuera. Faltan, por ejemplo, los llamados Oráculos, entre las creaciones más recientes de Spoerri, que habrían encajado perfectamente en la trayectoria de Massari, también para ilustrar visualmente lo que afirmaba el crítico Antonio d’Avossa en el ensayo del catálogo: “la de Daniel Spoerri es una aptitud única que se presenta en ese gran fresco de la historia del arte contemporáneo como un verdadero lenguaje, con reglas y excepciones, con casos y conjugaciones, y sobre todo con una gran variedad de intuiciones poéticas que lo hacen asombroso, en su producción de crecientes contradicciones entre el sentido de la modernidad y el sentido del clasicismo”.

Sin embargo, un primer ejemplo flagrante de esta tendencia a reunir el “sentido de la modernidad” y el “sentido del clasicismo” para poner de manifiesto todas sus contradicciones se encuentra justo al comienzo de la exposición: el Gato y el Zorro son dos esculturas de bronce que reproducen los cadáveres de los dos animales. Un “bodegón” de la memoria clásica en el verdadero sentido de la palabra. Y que vuelve como protagonista al final, en una obra de la serie Histoires des Boîtes à Lettres ( " Historias de los buzones"), donde los objetos más dispares (un cuchillo y tres animales momificados en el número 10 de la serie, o, en El peso de la magia, primera obra del recorrido, una estadera de la que cuelga una caja llena de chucherías -¿memorias, recuerdos? - y la reproducción de una mano) se fijan a unos tableros sobre los que se ha dispuesto un lecho de caracteres tipográficos. Los caracteres sirven para comunicarse, con los caracteres se escriben cartas que se enviarán a todo el mundo, que cuentan las historias más variadas (reales o fantasiosas, vinculadas a hechos reales, a sueños más o menos inquietantes, o a recuerdos) y que se convertirán ellas mismas en parte de una historia.

Daniel Spoerri, El gato y el zorro (vaciado en bronce)

Daniel Spoerri, Histoires de Boîtes à Lettres, vol. 10 (2003; ensamblaje, 125 x 80 x 66 cm)

Daniel Spoerri, El peso de la magia (ensamblaje)

Las Histoires des Boîtes à Lettres, concebidas a finales de los años 90 y principios de los 2000, forman parte de las últimas investigaciones del artista: el hecho de que se muestre una obra de la serie en la inauguración de la exposición podría leerse, por tanto, como una declaración de intenciones, ya que la muestra sigue a continuación un recorrido sustancialmente cronológico que comienza con una referencia a los tableaux pièges, los famosos “cuadros trampa” mediante los cuales, desde los años sesenta, Daniel Spoerri ha fijado en soportes verticales objetos encontrados en la realidad y propuestos al observador en la posición exacta en la que el artista los encontró. Sólo que en vertical, en lugar de en horizontal. Se diferencia de los tableaux pièges de los inicios en que en este caso los objetos se deslizan hacia el suelo, rompiéndose en el suelo y comunicando un dinamismo poco habitual en el arte de Spoerri. Los objetos en cuestión no son más que lo que uno encontraría en una mesa puesta, con los restos de una comida: botellas de agua y vino, corchos, paquetes de grisines abiertos y vaciados.

Así es, además, como Spoerri lleva a cabo su crítica de la sociedad de consumo: a través de ese "arte de comer" inventado por el artista (arte en el que la protagonista es la comida), Spoerri se pregunta cuál es nuestra relación con la comida. Una relación ciertamente llena de contradicciones, que estallan con todas sus angustiosas consecuencias en una de las obras más terroríficas de la exposición, el Fantasma del Hambre: un ensamblaje de objetos dispares, principalmente juguetes, rematado por una vieja máscara de esgrima a la que Spoerri ha añadido una máscara veneciana de Zanni. Unicef dio a conocer recientemente una estadística según la cual más de tres millones de niños menores de cinco años mueren de hambre cada año en el mundo: sólo podemos decir que se trata de reflexiones inducidas por la observación de las obras de Daniel Spoerri. Y no es casualidad que junto al Fantasma del Ham bre haya otra obra, si se quiere, aún más terrible: la Natividad al revés, con una cigüeña disecada que lleva el esqueleto de un niño. Una atroz reinterpretación contemporánea de un tema clásico, el del memento mori.

Daniel Spoerri, El fantasma del hambre (Ensamblaje, h. 220 cm)

Daniel Spoerri, Natividad al revés (Assemblage, 120 x 60 x 90 cm)

Hay que decir que una de las características de la obra de Daniel Spoerri es llevar a cabo una reflexión continua sobre la relación entre la vida y la muerte. Al principio de la exposición encontramos dos obras que tocan una fuerte fibra sensible, como Pêche interdite (" Pesca prohibida") y To knot or not to be (un juego de palabras intraducible en italiano que juega con laque juega con la asonancia entre “nudo”, “nudo”, y “no”, “no”... podría traducirse, tal vez estúpidamente, como “Ser o no ser”). La primera es una obra de 1979 que pertenece a la serie de Investigations criminelles ("Investigaciones criminales "): utilizando el mismo procedimiento que en los tableaux pièges, el artista cuelga una fotografía de una mujer muerta por ahogamiento y una serie de objetos sobre la mesa que reconstruyen la investigación del crimen. Con la segunda, Spoerri sondea la posibilidad de que los objetos cotidianos se conviertan en armas letales: la espeluznante fotografía de un hombre ahorcado y dejado colgando durante quién sabe cuántas horas está flanqueada por cuerdas que se tensan en nudos de diversos tipos.

Daniel Spoerri, Pêche interdite (1979; ensamblaje, 134 x 34 x 20 cm)

Dos de los temas principales del arte de Spoerri, el alimento y el final, vuelven a confluir en la que probablemente sea la más grandiosa de las obras expuestas en la muestra, Laúltima cena, que el visitante encuentra más o menos a mitad del recorrido, después de las Investigations criminelles. La ÚltimaCena es una serie de trece paneles de mármol de Carrara (la obra fue concebida en realidad en la ciudad apuana) que representan otras tantas últimas cenas de grandes personalidades de la historia, de Sócrates a Duchamp pasando por Proust y Freud sin olvidar, por supuesto, a Jesucristo (suyo es el panel de mármol más grande, colocado en el centro). Spoerri investigó lo que todas estas personalidades habían comido en su última cena y realizó esta serie en la que los objetos y platos de mármol esculpidos recuerdan los tableaux pièges: una especie de ennoblecimiento, por el material y los personajes, de la vertiente que el artista ha practicado durante gran parte de su carrera. Y similares a los tableaux pièges son también las últimas obras del artista en la exposición, como The Flea Market Gene Chain o Erst letzt das erste (“Primero lo último, lo primero”), donde la pasión de Daniel Spoerri por la acumulación se pone de manifiesto una vez más.

Daniel Spoerri, Última cena (13 placas de mármol de Carrara)

Daniel Spoerri, Última Cena - Jesucristo (mármol de Carrara)

Daniel Spoerri, Última Cena - Marcel Duchamp (mármol de Carrara)

Daniel Spoerri, Cadena genética del Rastro, detalle (ensamblaje)

Daniel Spoerri, Erst letzt das erste (2009-2010; ensamblaje, 75 x 75 cm)

El arte de Daniel Spoerri es pura fealdad. Pero si su arte habla de fealdad, de inutilidad, de basura, de violencia, de acumulación extrema, lo hace porque así es como el artista ve la realidad y, sobre todo, porque así es como la realidad se presenta a los ojos del artista (y a los nuestros): la premisa del nouveau réalisme ya no es presentar la realidad en forma de imitación para ser representada en un cuadro o una escultura, sino hacer hablar directamente a los objetos reales. El filósofo francés Mattéi hizo de los objetos de Spoerri un paradigma del supuesto nihilismo de nuestra sociedad, así como de la incapacidad de gran parte del arte contemporáneo para hacerse portador de significados. De hecho, quienes esperen encontrar mensajes pueden sentirse decepcionados, pero esto no significa que el arte de Spoerri carezca de significado: el artista, de hecho, narra. Los objetos de Spoerri hablan de forma escalofriante, a menudo brutal, y es sobre todo este componente violento, que nos habla de una realidad poco idílica, lo que se desprende de la exposición de Carrara. La única esperanza se confía a la instalación que extiende la exposición al Aula Magna de laAccademia di Belle Arti, y que lleva por título L’ombelico del mondo (El ombligo del mundo), de 1991: nueve unicornios en círculo, instalados en el centro de la sala, que proceden del jardín del artista en Seggiano. Una posible reconciliación con el mundo de la fantasía, con la antigüedad (el número elegido, el nueve, está lleno de referencias simbólicas) y con una pureza incontaminada, de la que el unicornio es símbolo.

El principal problema de la exposición reside en el hecho de que muchos de los pasajes mencionados no se pueden captar, ni siquiera en la coherencia básica de un itinerario que se desarrolla según un cierto rigor cronológico (y que, por tanto, procede esencialmente de forma temática, ya que los distintos proyectos de investigación de Spoerri se escalonan de forma bastante regular a lo largo de su carrera artística). Se trata de un problema común a la mayoría de las exposiciones de arte contemporáneo, que a menudo recurren a aparatos de comunicación deficientes o, como en el caso de Daniel Spoerri. Casi nada. El hecho de que el arte contemporáneo tenga problemas de comunicabilidad con el público, que también se puso de manifiesto en la exposición de Carrara, debería haber sido un estímulo para los organizadores: Para un itinerario bien concebido, como el de la exposición (sólo hay que objetar la ausencia de algunos tableaux pièges de los primeros tiempos, que se hace sentir sobre todo al principio, cuando el visitante se ve obligado a dar un salto bastante largo hasta los años 70, así como el de los oráculos y también el détrompe l’oeil), un aparato didáctico para el público igualmente bien concebido habría sido esencial para el pleno éxito. Dejando a un lado estas carencias, la operación es sin duda digna de promoción.

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Daniel Spoerri, El ombligo del mundo instalación en la Academia de Bellas Artes de Carrara

Público en la exposición “Daniel Spoerri. Una difícil elección”

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