La conmovedora pintura del humilde Giuseppe Mentessi expone en su Ferrara

En la Ferrara de finales del siglo XIX y principios del XX, dibujaba y pintaba Giuseppe Mentessi (Ferrara, 1857 - Milán, 1931), un artista definido por Vittorio Pica como un artista “del sentimiento” porque “hizo de casi cada una de sus obras un himno al amor, al dolor, a la piedad”. A primera vista, sus grandes lienzos, así como los estudios preparatorios de sus obras, destilan sentimiento, expresan una historia llena de sensaciones que el espectador acoge en su interior, en su alma, conduciéndole en la mayoría de los casos a una emoción verdadera e íntima. Tal es, de hecho, el estado emocional que le acompaña durante la visita a la exposición dedicada al artista de Ferrara, titulada Giuseppe Mentessi. Un artista del sentimiento, e instalada en su ciudad natal, en el interior de la Pinacoteca Nazionale di Ferrara, hasta el 10 de junio de 2018: tres salas completamente renovadas acogen temporalmente casi un centenar de obras de Giuseppe Mentessi, entre bocetos, estudios y pinturas de diversos tamaños, desde grandes lienzos hasta dibujos en hojas tan pequeñas como notas post-it. Una exposición pequeña, de sólo tres salas, pero muy intensa, que, como ya se ha dicho, transmite al visitante un torbellino de emociones, de sentimientos que no desaparecerán tan fácilmente una vez que haya cruzado la puerta de salida del Palazzo dei Diamanti.

Además, junto con Giuseppe Mentessi. Artista del Sentimiento, y por tanto hasta el 10 de junio, los visitantes podrán (y quien esto escribe lo recomienda) bajar a la planta baja del Palazzo dei Diamanti y explorar el tema de los sentimientos con la exposición Estados de ánimo. Arte y psique entre Previati y Boccioni, un intenso recorrido por la poética de los estados de ánimo en la pintura italiana de finales del siglo XIX y principios del XX. Puede decirse, por tanto, que los años de referencia son los mismos para ambas exposiciones: en concreto, la primera se centra en el periodo comprendido entre 1890 y 1909, los años centrales y más significativos de la producción artística de Mentessi. Este último no sólo había sido definido como “artista del sentimiento” por Vittorio Pica, sino también por el crítico Vittore Grubicy y la escritora Neera: Grubicy declaraba que Mentessi figuraba entre los mejores representantes de la tendencia que aspiraba a la “expresión de sentimientos que conmueven el alma”, mientras que la escritora lo definía como “el gran sentimentalista, el sentimentalista por excelencia”.

Grubicy también había proporcionado la interpretación crítica más seguida y duradera de la Primera Trienal de Brera de 1891, en la que Mentessi presentó al público su obra titulada Ora Triste. Incluso antes de la inauguración, la Trienal ya había sido objeto de una crítica por parte del crítico de arte Bocciarelli, al afirmar que el arte italiano de la época no era capaz de “hacerse fiel espejo de su tiempo” y que el artista no había “plantado su caballete en esos sombríos talleres donde nuestro obrero suda un magro pan entre el zumbido de las poleas y el zumbido de las correas que minan su vida a cada paso”. En efecto, eran tiempos en los que las condiciones de vida y de trabajo de los obreros eran más bien complicadas y fatigosas, salpicadas de continuos sufrimientos cotidianos; la cuestión social era “la gran pesadilla, la terrible preocupación que cada día más se impone al mundo civilizado en este fin de siglo”, como decía Grubicy.

Bocciarelli lamentaba la total indiferencia ante la cuestión social por parte del arte y los artistas. Por el contrario, Grubicy había identificado en su ensayo publicado en “Pensiero Italiano” tres características de la Primera Trienal de Brera que expresaban una orientación favorable hacia ella la presencia de una pintura ideista que contrastaba con la tendencia simbolista en boga, es decir, las ideas se expresaban en un lenguaje formal más cercano a la abstracción en lugar de permanecer ancladas en la representación objetiva de la realidad; la tendencia generalizada a privilegiar “la expresión de los sentimientos que conmueven el alma”; la inclinación a “expresar con la mayor eficacia posible ciertas emociones, cuya belleza reside de manera precipitada en la intensidad de los efectos producidos por la luz, ya sea circunscrita o difusa”.

Una sala de la exposición Giuseppe Mentessi. Artista del sentimiento

Una sala de la exposición GiuseppeMentessi. Artista del sentimiento

Una sala de la exposición GiuseppeMentessi. Artista del sentimiento

El cuadro que más ejemplifica la pintura del sentimiento es laOra Triste (Hora triste) de Mentessi, donde “el alma dulce del artista, profundamente conmovida por una emoción tierna y afectuosa, brilla a través de su obra desnuda, palpitante, casi velada en lágrimas lastimeras”. Y Grubicy añade: “Ese convoy fúnebre en la hora crepuscular, ese delicioso grupo dominado por la doncella de la que se oyen sollozos desgarradores, ese velo melancólico, que envuelve la grandiosa escena de la naturaleza en una evanescencia cadenciosa, que con sus matices amorosos y acariciadores parece querer calmar el dolor humano.Es un poema amable, una elegía triste y suave que nos pone al unísono con el alma buena del artista y nos hace buenos a su vez”. Los visitantes de la exposición de Ferrara no podrán admirar el original deOra Triste , ya que está siendo restaurado, pero sí el boceto de la obra y dos estudios preparatorios, procedentes de las Galerías de Arte Moderno y Contemporáneo de Ferrara. El boceto representa un entierro de personas de condición humilde: en primer plano hay dos mujeres, una de las cuales se cubre el rostro con las manos en señal de desesperación, y la otra, a su lado, la mira y le sujeta los hombros para consolarla. En una posición más alejada de esta última, vemos una procesión de figuras femeninas con la cabeza cubierta. En la escena predominan los colores terrosos, pero la luz del crepúsculo ilumina la escultura de Cristo portando la cruz. Los estudios preparatorios de la exposición son dos dibujos en carboncillo sobre papel y sanguina sobre papel, que representan en el primer caso las dos figuras femeninas principales, en las que se concentra el aspecto conmovedor de la obra, y en el segundo caso la mujer con el velo en la cabeza, de pie junto a la mujer que se lleva las manos a la cara.

Comparables a estos últimos estudios preparatorios son los dibujos y grabados preparatorios, expuestos en la exposición, de otra obra de Mentessi, Lagrime, de 1894, que se presentó en la siguiente edición de la Trienal de Brera: en ella, dos mujeres lloran en el suelo, en la escalinata de una iglesia, a un hombre muerto durante una discusión. LaOra Triste había sido elogiada por la crítica por su temática, marcando el debut de Mentessi en la pintura de temas sociales: un género que conmovía al público. Sin embargo, los críticos se habían quejado de la ejecución, de la representación formal. En primer lugar, el propio Bocciarelli, que había declarado:"Ora Triste es una evanescencia lila que envuelve cielo y tierra en un velo melancólico. El público, que tiene un corazón muy tierno, siente la escena pero no admite el color, por lo que el cuadro no le ha entrado del todo en gracia - y - a decir verdad, yo también siento que aquí el arte ha exagerado un poco, convirtiéndose en cierto modo en un artificio". Más duro fue el juicio del pintor Francesco Vismara, que afirmó que a la obra “le falta solidez, y una excesiva difusión de la luz hace que todo parezca estar en un solo plano [...] La ejecución del cuadro, la pintura, carece de intensidad de tal manera que desaparece todo sentimiento. Es un alma sin cuerpo”.

Giuseppe Mentessi, Boceto para hora triste (c. 1890; óleo sobre tabla, 49 x 75 cm; Ferrara, Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea)

Giuseppe Mentessi, Mujer con velo en la cabeza, Estudio para Hora triste (sanguina sobre papel pegado a cartón, 500 x 360 mm; Ferrara, Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea)

Giuseppe Mentessi, Dos mujeres llorando sobre un hombre recostado - Estudio para lágrimas (hacia 1894; sanguina sobre papel, 386 x 457 mm; Ferrara, Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea)

Lo que conmueve al visitante de la exposición es otra obra extraordinaria y conmovedora, cuyo gran boceto uno a uno también se encuentra en la exposición: se trata de Visione triste (Visión triste), pintada en 1899. Fue la compra por parte de Assicoop Modena&Ferrara del boceto preparatorio y de los estudios de cuadros con una fuerte carga emocional lo que dio origen a la idea de esta exposición en homenaje a Giuseppe Mentessi. La obra original procede de la Galleria d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro de Venecia. El tema representado es la representación de las humildes condiciones de vida de los campesinos: un grupo de campesinos en un campo yermo está desplomado en el suelo bajo el peso de cruces; el centro de la escena, en el que se detiene inevitablemente la mirada del visitante, está ocupado por una madre que sostiene amorosamente a su hijo, levantándolo del peso de la cruz.

El boceto preparatorio presenta algunos cambios con respecto a la obra definitiva: en el primero, la luz ilumina el cabello rubio de la madre y la túnica blanca del niño, mientras que en el segundo, el resplandor se concentra en el horizonte, como para significar la llegada de una nueva esperanza de vida, frente a los tonos predominantemente oscuros del cuadro. Otra diferencia se refiere a la figura que se ve en primer plano a la derecha, en ambos casos en el suelo: en el boceto tiene el pelo negro, mientras que en la obra definitiva no lo tiene y detrás de ella se vislumbra una anciana en evidente estado de desesperación. Además, en el cuadro original conservado en Venecia, se ven unos brazos jóvenes a la derecha que liberan al hombre que ha caído al suelo por el peso de la cruz: un gesto que recuerda la piedad filial. Las representaciones de campesinos se descubrieron en una serie de dibujos de los archivos de trabajo de Mentessi, que muestran las distintas etapas de la creación de Visione triste. Algunos de ellos se exponen en la exposición: en algunos se representa a un campesino trabajando en el campo o pensativo mientras se apoya en la pala, en otros se le representa desnutrido, delgado, con el torso desnudo y la mirada hacia abajo mientras mira la pala en el suelo, o en otros casos tumbado en el suelo delante de la pala. Estos dibujos de sus carpetas recibieron títulos como “Al tempo della pelagra” (En el tiempo de la pelagra), que remontaba el tema a la lucha contra la pelagra, una enfermedad que se cobraba continuamente víctimas en el campo del valle del Po y que estaba causada por la desnutrición y el empeoramiento de las condiciones de vida de los jornaleros agrícolas, “Pel mi signore” (Para mi señor), que indicaba una devoción total al terrateniente, o los llamados “resignati” (resignados), que implicaban desesperación y la consiguiente postración en el suelo.

Para la realización de Visione triste, Mentessi había vinculado la representación de los campesinos a la iconografía religiosa, añadiendo una cruz sobre los hombros a los jornaleros en el suelo, y también había sustituido la figura del campesino portador de la cruz en el centro de la obra por el simbólico grupo materno, en el que la madre levanta al niño del peso de la cruz. La pala, presente tanto en los citados dibujos de las carpetas como en el primer plano de Visione triste, fue definida por el propio artista como “arma terrible”, “símbolo de un dolor antiguo”: Mentessi tampoco comprendía “qué busca en la tierra ese instrumento maravilloso y terrible, busca sangre, vida que no tiene la pobre criatura que trabaja la tierra”. Durante la visita, es posible escuchar la letra que la poetisa Ada Negri compuso en 1900 inspirándose en Visione triste: en el transcurso de la composición poética, el visitante, que acaba de poder admirar el boceto del cuadro, reconoce las partes de éste que inspiraron a la autora. Los versos que dicen “per l’erta ove non trema alito o voce / penosamente vanno; e ognun di loro / curva le spalle sotto la sua croce” (Por la pendiente donde ni el aliento ni la voz tiemblan / penosamente vanno; y cada uno de ellos / curva sus hombros bajo su cruz) conducen de nuevo a la escena de los campesinos en el suelo, caídos bajo el peso de la cruz; “Ecco, un tremulo vecchio al suol s’accascia, / col viso a terra; e l’ombra de la croce / grava su quell’orrenda ultima ambascia. [...] Y el brazo que le tiende / como para acudir en su ayuda, es el de quien está a la altura / de una vida de penurias y renuncias” son palabras que recuerdan los jóvenes brazos que se ven a la derecha del cuadro; "¡Pero tú sonríes, oh rostro pálido y sereno / de madre, que en el camino escabroso / estrechas contra tu pecho a tu criatura!

Giuseppe Mentessi, Visione triste (1899; témpera y pastel sobre cartón con soporte de lienzo, 139 x 238 cm; Venecia, Galleria Internazionale di Ca’ Pesaro 2018) © Archivio Fotografico - Fondazione Musei Civici di Venezia

Giuseppe Mentessi, Boceto para triste visión (c. 1899; carboncillo, pastel y blanco de plomo sobre papel aplicado a lienzo, 136,5 x 229,5 cm; Módena, colección Assicoop Módena-Ferrara)

Giuseppe Mentessi, Contadino in ginocchio con croce sulle spalle, Studio per Visione triste (c. 1898-99; carboncillo sobre papel, 336 x 242 mm; Ferrara, Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea)

Giuseppe Mentessi, Campesino sentado en el suelo delante de una pala, Estudio para Al tempo della pelagra - Visión triste (c. 1898; carboncillo sobre papel, 240 x 338 mm; Ferrara, Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea)

Visione triste había marcado para Mentessi el punto de inflexión hacia el simbolismo: La represión milanesa de mayo de 1898 y las consecuencias sociales del primer gobierno de Pelloux, cuyas perspectivas no eran favorables para el movimiento obrero, le habían movido en esta dirección, mientras que en el plano artístico Mentessi se había acercado a las investigaciones y técnicas de Gaetano Previati (Ferrara, 1852 - Lavagna, 1920), amigo desde sus primeros estudios en Ferrara y redescubierto más tarde en la Academia de Bellas Artes de Brera, que se había interesado por los temas religiosos y que le había llevado a la creación entre 1901 y 1902 del Vía Crucis conservado en los Museos Vaticanos y hasta el 20 de mayo de 2018 expuesto en el Museo Diocesano de Milán. Mentessi había tomado de Previati la técnica de los largos filamentos de color, que el primero había modificado utilizando tanto el pastel como el temple en una técnica mixta, un rasgo estilístico que más tarde se convirtió en su constante. Una vez más, la crítica no fue muy favorable a la técnica de ejecución del cuadro; entre otros, Mario Pilo consideró la obra “fibrosa y sucia como si estuviera tejida con heno y paja, pero también eficaz en su metáfora sombría, de los infelices que van, jadeando, gimiendo, cayendo, cada uno bajo el peso opresivo de su cruz”. No obstante, Visione triste se expuso en la Exposición Universal de París de 1900 y obtuvo la medalla de plata.

Otro grupo de obras se centra en el cuadro Ramingo (1909), que se expone junto con el boceto al temple sobre papel y los estudios preparatorios. También en este caso, el boceto presenta un cambio con respecto a la obra final: el artista ha insertado un grupo maternal que desciende la escalinata de una iglesia en el lugar donde, en el cuadro original, se representa en cambio a un viajero cansado con un bastón que sube con dificultad la escalinata de una catedral. Lo que permanece inalterado es el llamativo y conmovedor Cristo de la columna, a la derecha de ambas figuras: se inclina tanto, tanto hacia el grupo maternal como hacia el caminante, que parece dirigirse a cada uno de ellos. En la obra final hay un verdadero diálogo entre el Cristo de la Columna y el pobre peregrino, el primero en actitud de consuelo con evidente patetismo hacia la figura del humilde caminante, el segundo a su vez inclinado hacia la imagen del Cristo sufriente. Además, el camino del peregrino por la escalinata aparece marcado por las estatuas de Cristo y de los mártires colocadas a lo largo de la misma, en un juego compositivo extremadamente simbólico: aspecto reforzado por el uso de la luz, que ilumina a los mártires y deja en la sombra al grupo del caminante y de Cristo. Los estudios preparatorios de la exposición analizan precisamente estos dos temas particulares: el Cristo de la columna que se estira y se inclina cada vez más hacia el caminante, y el peregrino con bastón que se inclina cansado buscando consuelo. La gran escalinata de la catedral en la que se sitúa el cuadro se inspira en la rampa lateral de la iglesia de San Martino in Veduggio, que el artista ha variado ligeramente enriqueciéndola con estatuas barrocas. La misma escalera se encuentra también en una serie de aguafuertes titulada Il dramma del giorno della sagra, tragedia popular en cuatro actos que representa El asalto, El funeral, El regreso tranquilo, Lallama amorosa del cementerio.

Giuseppe Mentessi, Ramingo (1909; pastel y témpera; Lugano, MASI - Museo d’arte della Svizzera italiana)

Giuseppe Mentessi, Cristo en la columna, Estudio para Ramingo (c. 1909; carboncillo sobre papel, 326 x 254 mm; Módena, Colección AssiCoop Ferrara&Modena)

Giuseppe Mentessi, Peregrino con bastón, Estudio para Ramingo (c. 1909; carboncillo sobre papel, 326 x 254 mm; Módena, Colección AssiCoop Ferrara&Modena)

Giuseppe Mentessi, Escalinata de la iglesia de Veduggio, Estudio para Lágrimas (1894; tinta acuarelada y lápiz sobre papel, 143 x 214 mm; Ferrara, Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea)

Giuseppe Mentessi, El drama de la fiesta, El asalto (1894; aguafuerte, 275 x 296 mm; Ferrara, Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea)

Con Ramingo parece haber llegado a su fin el clímax de la producción artística de Mentessi, concentrada en temas sociales, y con ella el centro de atención de la exposición de Ferrara. La última sección reúne dibujos procedentes de las colecciones Assicoop Modena &Ferrara que muestran a los visitantes estudios y bocetos en hojas de cuaderno y hojas improvisadas, algunas del tamaño de tarjetas de visita. Se pueden ver el Retrato de su madre con el sistema tradicional de escuadra, el Busto de hombre con las manos en la cara, la Abadía de Acquafredda en Lenno, retratos caricaturescos, retratos de perfil, estudios de manos y los hermosos estudios de paisajes con vistas de Asís, el Coliseo, el Panteón y el lago de Como.

En definitiva, Mentessi fue un artista protagonista de la pintura del sentimiento, de esa pintura que lleva a la emoción y a la reflexión sobre temas que fueron fundamentales en la época en la que vivió y que están bien presentados en esta pequeña pero significativa exposición.

Giuseppe Mentessi, La abadía de Acquafredda in Lenno (lápiz sobre papel, 260 x 340 mm; Módena, colección AssiCoop Ferrara&Modena)

Giuseppe Mentessi, Retrato de su madre (lápiz sobre papel, 208 x 276 mm; Módena, colección AssiCoop Ferrara&Modena)

Giuseppe Mentessi, Vista de la fachada de la Basílica Superior de Asís (lápiz sobre papel, 174 x 122 mm; Módena, colección AssiCoop Ferrara&Modena)

Giuseppe Mentessi, Vista de un pueblo sobre un lago (lápiz sobre papel, 134 x 104 mm; Módena, colección AssiCoop Ferrara&Modena)

Caricaturas de Giuseppe Mentessi

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