Klimt y su especial relación con Italia. Así es la exposición en Roma

Si el arte de Gustav Klimt (Baumgarten, 1862 - Viena, 1918) le fascina y aún no ha tenido ocasión de visitar el Museo del Belvedere y la Fundación Klimt de Viena, la exposición que se le dedica en el Palacio Braschi de Roma, hasta el 27 de marzo de 2022, es realmente para usted. En primer lugar, porque la mayoría de las más de doscientas obras expuestas proceden de estos dos museos vieneses, que albergan el non plus ultra del arte del maestro de la Secesión (la exposición fue De hecho, la exposición es fruto de la colaboración entre el Belvedere de Viena, la Fundación Klimt y la Superintendencia para los Bienes Culturales de la Capital romana), y el proyecto expositivo se beneficia también del comisariado de destacados expertos en el artista (Franz Smola, conservador del Museo del Belvedere, Maria Vittoria Marini Clarelli, Superintendente Capitolina para los Bienes Culturales, y Sandra Tretter, directora adjunta de la Fundación Klimt de Viena), que han han concebido un itinerario ameno y notablemente claro, con obras bien seleccionadas y bien ordenadas y una gran riqueza de ideas para comprender el conjunto de la producción de Klimt y su parábola artística, incluyendo obras maestras célebres como Judith I y temas que hasta ahora se han tratado en menor medida, como la relación del artista con Italia.

El título de la exposición es Klimt. La Secessione e l’ Italia a través del cual se anticipan los puntos clave de la propia exposición: por un lado Klimt como fundador y principal exponente de la Secesión, y por otro su conexión con el Bel Paese y Roma en particular. Se piensa, en efecto, en el pabellón austriaco diseñado por Josef Hoffmann donde se expusieron ocho cuadros de Klimt y que fue uno de los principales lugares visitados durante laExposición Internacional de Roma de 1911, o en las dos Bienales de Venecia de 1899 y 1910; la exposición tiene el mérito de traer de nuevo a la capital una muestra sobre Klimt 110 años después. Sin embargo, más allá de los proyectos expositivos, durante su vida viajó por toda Italia y tenemos constancia de sus estancias gracias a las cartas y postales que el artista escribió y envió desde distintas ciudades a sus amigos y, en especial, a Emilie Flöge ( Viena, 1874 - 1952), su musa y amiga íntima (o quizá incluso más) de toda la vida que probablemente aparece retratada en una de sus obras maestras, El beso, lamentablemente ausente de la exposición. Pensemos de nuevo en la influencia que tuvo en su arte la contemplación de los mosaicos bizantinos durante su estancia en Rávena , en particular por el amplio uso del pan de oro aplicado sobre el lienzo, en plena edad de oro, de lo que se habla con detalle en los dos ensayos del catálogo dedicados a la “visión del mosaico” de Klimt, escrito por Maria Vittoria Marini Clarelli, y a las dos obras maestras de Klimt comparadas, a saber, El beso y Las tres edades de la mujer, escrito por Franz Smola. Y, por último, la adquisición de tres cuadros del artista procedentes de tres instituciones museísticas italianas diferentes, a saber, Las tres edades de la mujer de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma, Judith II de la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro de Venecia y el redescubierto Retrato de dama de la Galleria Ricci Oddi de Piacenza. Todas ellas se abordan en el catálogo y se reflejan claramente en el recorrido de la exposición.

Italia fue el país que Klimt visitó con más frecuencia, donde expuso la mayoría de sus obras maestras en acontecimientos de importancia fundamental, sobre todo por la influencia que ejerció en artistas italianos como Vittorio Zecchin, Galileo Chini y Felice Casorati, así como en el escultor Giovanni Prini. La crítica italiana también dedicó mucha atención a los Quadri delle Facoltà que le encargó laUniversidad de Viena y que finalmente fueron retirados tras las críticas recibidas. Toda la exposición del Palazzo Braschi acompaña así al visitante, como era la intención de los comisarios, en el descubrimiento de la vida y la producción del célebre artista a través de una nueva perspectiva, la de su relación con Italia.

El público se introduce en la Viena de la época gracias a un gran plano de 1895, año en que se inauguró Venedig in Wien, uno de los primeros parques temáticos del mundo, como lo describen Sandra Tretter y Peter Weinhäupl en su ensayo, trazado al estilo veneciano con reproducciones de palacios históricos, un canal artificial y un paseo en góndola incluidos. El plano presenta el aspecto de una ciudad moderna y cosmopolita gracias a la construcción en 1865 de una doble vía de circunvalación arbolada, la Ringstraße, a lo largo de la cual hay jardines, cafés y edificios representativos. Klimt, junto con el arquitecto Otto Wagner, también se dedicó a la construcción y decoración de los edificios del Ring en las últimas décadas del siglo XIX. De hecho, Gustav y su hermano Ernst habían asistido a la Escuela de Artes y Oficios de Viena, lo que les proporcionó las bases, más tarde perfeccionadas, para fundar hacia 1879, siendo aún estudiantes, junto con Franz Matsch, la Kü nstler-Compagnie especializada en el Anillo. nstler-Compagnie se especializó en la decoración de paredes y techos y, por encargo del estudio de arquitectura Fellner & Helmer, realizó también pinturas para telones y techos de teatros (en la exposición, algunas obras y bocetos dan testimonio de la labor de la Compañía, que se disolvió debido a la repentina muerte de Ernst en 1892). Uno de los encargos más importantes fue la creación de frescos para el techo de las dos escaleras del nuevo Burgtheater. Entretanto, Gustav se había unido a la Wiener Künstlerhaus, la asociación oficial de artistas vieneses, en cuyo seno se produjo una escisión poco antes de 1900 debido a la creciente presión de los miembros más jóvenes para modernizar las actividades expositivas: Así nació en 1897 la Secesión - Asociación de Artistas Figurativos Austriacos, que contaba con veintitrés miembros entre pintores, escultores y arquitectos, de la que Klimt fue presidente durante el primer año. La tercera sección de la exposición exhibe obras de varios secesionistas, entre ellos Carl Moll, Friedrich König, Koloman Moser, Wilhelm List y Vlastimil Hofman, que representan principalmente retratos, paisajes o escenas de la vida popular, todas ellas diferentes del estilo de Klimt, caracterizado por una pintura más evanescente y matizada, como puede verse en Dama frente a la chimenea (1897-98). Para el nuevo edificio, conocido aún hoy como Palacio de la Secesión y obra maestra de la arquitectura Jugendstil vienesa, Gustav diseñó una construcción cúbica coronada por un frontón a modo de templo, que Joseph Maria Olbrich reelaboró más tarde añadiendo una cúpula cubierta de hojas de laurel doradas y el lema Der Zeit ihre Kunst en la puerta de entrada. Der Kunst ihre Freiheit (Al tiemposu arte, al arte su libertad). Un lema en consonancia con lo que Wagner había escrito en su Moderne Architektur: “Todo lo que se crea con criterios modernos debe corresponder a los nuevos materiales y exigencias del presente si quiere adaptarse a la humanidad moderna”. Un principio común de la Secesión vienesa era laobra de arte total, en la que se fundían arte, arquitectura y diseño. En este contexto, Viena se convirtió en el centro del diseño moderno con la fundación en 1903 de los Wiener Werkstätte por Koloman Moser y Josef Hoffmann, que producían objetos, joyas, piezas de orfebrería y muebles de formas geométricas puristas (aquí se exponen sobre todo jarrones y cuencos).

Gustav Klimt también diseñó el cartel de la primera exposición de la Secesión celebrada en la primavera de 1898: representaba a un Teseo desnudo luchando en la parte superior como corresponde al arte antiguo, pero se consideró demasiado ofensivo y fue censurado, cubriendo las partes íntimas de la figura heroica con un truco. Por último, hay ilustraciones para las portadas de la revista de arte de la Secesión, Ver Sacrum, cuyo título hacía referencia a una tradición mitológica de la antigua Roma según la cual los nacidos en primavera eran enviados a fundar nuevos asentamientos cuando se hacían adultos: Se publicó de 1898 a 1903, pero dejó de publicarse al surgir conflictos en el seno de la asociación, lo que provocó que Klimt y otros diecisiete artistas la abandonaran dos años más tarde; sin embargo, siguieron activos en cuanto a exposiciones bajo el llamado Klimt Gruppe. De este modo, se aborda el macrotema de Klimt como fundador de la Secesión, con la presencia de pinturas, dibujos y objetos creados por Klimt y su círculo, para comprender bien cómo surgió la Secesión y los hitos de un movimiento artístico que sigue fascinando por su carácter decorativo. De este modo se introduce explícitamente el otro macrotema de la exposición, a saber, la relación de Klimt con Italia, a través de pruebas documentales de sus primeros viajes al Bel Paese entre 1890 y 1913: en este periodo visitó Italia al menos ocho veces.

En la misma gran sala en la que se colocan en el centro los objetos de diseño, se exponen de hecho algunas de las postales que Klimt enviaba casi a diario a Emilie Flöge para indicarle dónde se encontraba. Gracias a estos extraordinarios documentos, ahora es posible reconstruir todos los desplazamientos del artista de una ciudad a otra: Trieste, Venecia, Padua, Rávena, Florencia, Pisa, La Spezia, Verona, Riva del Garda. Klimt no era especialmente aficionado a viajar, con la excepción de su viaje anual con Emilie al lago Attersee , en la región de Salzkammergut. También escribía sus crónicas de viaje en billetes y cartas, lo que nos permite conocer sus impresiones, como la “vida de juerga” que llevaba en Venecia, que “el arte florentino no es superior al veneciano” y “los mosaicos de un esplendor sin precedentes” que vio en Rávena.

Resulta entonces inevitable dejarse cautivar por una de las obras más icónicas y sensuales del artista: la Judith de 1901, uno de los ejemplos más logrados de femme fatale que el pintor realizó a lo largo de toda su producción, gracias a su combinación de seducción, sensualidad y a la vez peligrosa criatura por el asesinato de Holofernes. En el cuadro también hace un uso considerable del pan de oro aplicado al lienzo junto con la pintura al óleo: una técnica que le hizo famoso y reconocible en todo el mundo y que confiere a la obra un aspecto resplandeciente que atrae la mirada hacia ella. Completan la sala obras, incluidas esculturas, de gran sensualidad de artistas influidos por Klimt, como el conmovedor Amanti del genovés Giovanni Prini, u obras que expresan el fuerte erotismo de la mujer en la línea de los dibujos de desnudos de Gustav de principios del siglo XX: las Dos figuras recostadas, estudio para Serpenti d’acqua II, dialogan aquí con En la fuente de la vida de Karl Borschke o Medea de Hugo Künhelt, por ejemplo.

A continuación, se entra en un entorno “inmersivo”, en el que se ha recreado el Friso de Beethoven en tres paredes de una sala: Con motivo de la 14ª Exposición de la Secesión vienesa, celebrada de abril a junio de 1902 y dedicada a Ludwig van Beethoven, se había colocado en el centro de la sala una escultura de mármol de Max Klinger que representaba al compositor (el boceto está expuesto aquí), otros artistas habían realizado diversas contribuciones, mientras que Klimt había creado un friso mural de más de treinta y cuatro metros de largo y dos metros de alto a lo largo de tres paredes de una sala lateral. Con su friso, Gustav pretendía interpretar la Novena Sinfonía, partiendo de un grupo de figuras femeninas con los brazos estirados hacia delante flotando en el agua; éstas se encuentran primero con figuras desnudas con una joven de pie y una pareja arrodillada, que se vuelven hacia un jinete, que a su vez mira hacia la pared más escénica en la que se reconoce a un joven y una mujer como protagonistas. muro escénico en el que se reconoce a un monstruo parecido a un mono, tres Gorgonas, la Muerte y otras figuras femeninas, hijas del gigante Tifeo; más allá, una figura femenina casi esquelética se agacha ante el cuerpo serpenteante del monstruo. El friso continúa con la Poesía solitaria, mientras que en el Arte, las figuras femeninas agazapadas conducen al coro celestial de ángeles, símbolo de la felicidad y del amor absoluto. Al final de la XIV Exposición, el friso no fue destruido y sigue siendo visible de forma permanente en el sótano del edificio de la Secesión. Es realmente emocionante encontrarse en medio de una sala que sólo puede verse en Viena, rodeado de una de las obras maestras más impresionantes del artista gracias a su reproducción.

Otro mérito de la exposición del Palazzo Braschi es haber reconstruido por primera vez los colores originales de las Pinturas de la Facultad, gracias al aprendizaje automático y lainteligencia artificial, como parte de un proyecto digital de Google Arts & Culture. En 1894, el Ministerio de Educación de Viena encargó a Klimt y Franz Matsch la ejecución de alegorías monumentales para el techo del Salón de Baile de la Universidad: una en el centro y otras cuatro alegorías de las Facultades. Dividiendo las tareas, Gustav eligió realizar Filosofía, Medicina y Derecho. Comenzó a realizarlas cuatro años más tarde y en 1900 presentó por primera vez Filosofía en la VII Exposición de la Secesión. Tanto ésta como, en mayor medida, la Medicina expuesta en 1901 suscitaron muchas críticas por ser demasiado sensuales y eróticas y demasiado pesimistas, cuando, por el contrario, deberían haber transmitido una visión positiva e idealizada de las ciencias. La Universidad se negó a colocarlas en el salón de baile y Klimt renunció al encargo y devolvió los honorarios. Tras diversas vicisitudes, los cuadros fueron transportados al castillo de Immendorf, que fue incendiado en 1945, con la consiguiente pérdida de las tres pinturas. Sólo se disponía de pruebas de estas obras a través de fotografías en blanco y negro, con la excepción de la figura de Hygieia en el cuadro de la Medicina, de la que se conocía un detalle en color, así como a través de los detallados informes sobre los colores de los cuadros escritos por los críticos para hablar duramente de ellos. Así, gracias a estos documentos, un equipo de investigación pudo rastrear los verdaderos colores y en la exposición es posible verlos en su aspecto original.

Otro tema que el artista trató ampliamente fue el retrato femenino, cuya técnica fue cambiando con el tiempo como puede verse en elretrato femenino de gran formato de 1894 con un aspecto casi fotorrealista, muy diferente de la Dama con capa y sombrero sobre fondo rojo de 1897-98 pintada en un estilo casi impresionista. Klimt realizó numerosos estudios a lápiz para encontrar la pose óptima de su modelo. Y de nuevo, la pintura de paisaje a la que Klimt se dedicó hacia 1900 y que sin duda está influida por las vistas y lugares que veía cada verano en la región de los lagos de Salzkammergut, en los que el paisaje se difumina y armoniza para representar un mundo sereno y paradisíaco, y su estancia en el lago de Garda.

La relación de Klimt con Italia se analiza a continuación en tres secciones: su primera Bienal de Venecia de 1899 y la segunda de 1910, la más importante, en la que dispuso de una sala entera para presentar veintidós cuadros que abarcaban sus últimos diez años de actividad en las tres vertientes de retratos, figuras alegóricas y paisajes. Entre ellos figuraban Las tres edades de la mujer, Retrato de Adele Bloch-Bauer, Serpientes de agua II, Las amigas (Las hermanas), Retrato de una dama de rojo y negro, El castillo de Kammer II y El bosque de abedules. En laExposición Internacional de Roma de 1911 , llevó ocho pinturas y cuatro dibujos del periodo comprendido entre 1902 y 1911, que se colocaron a lo largo de las paredes de una sala blanca, semicircular y con forma de ábside, para dar a toda la estancia un aura sagrada. Las obras incluyen Serpientes de agua I, Muerte y vida, y el Retrato de Emilie Flöge. Por último, sólo hay un cuadro de Klimt en la Segunda Secesión Romana de 1914, el Retrato de Mäda Primavesi, en la que también se expusieron obras de artistas como Vittorio Zecchin, Felice Casorati y Galileo Chini, en las que la influencia del arte de Klimt es notable, sobre todo en Corte de princesas y Princesas en el jardín, de Zecchin, y La oración , de Casorati, donde los ropajes y el paisaje circundante están formados por motivos de mosaico.

Las dos últimas secciones están dedicadas a dos auténticas joyas, La Novia, una monumental obra maestra inacabada en la que Klimt estaba trabajando cuando su muerte le sorprendió en 1918. Se trata de uno de los cuadros más grandes de toda su producción, en el que aborda el tema delamor y del deseo sensual. También aquí, la sensualidad de los cuerpos desnudos se alterna con el fuerte cromatismo y los motivos ornamentales de los ropajes: la novia del centro vestida con un vestido azul oscuro, dormida, con el rostro cerca del de su marido, destaca entre figuras femeninas que flotan en el espacio en diversas posturas para representar la gratificación sexual total. Y por último, el redescubierto Retrato de dama de la Galería Ricci Oddi de Piacenza. Realizado en la última fase de la actividad del artista, entre 1916 y 1917, el cuadro fue adquirido en 1925 por Giuseppe Ricci Oddi, único coleccionista privado en Italia que posee un cuadro de Klimt. En 1997, el cuadro fue robado y fue encontrado después de más de veinte años, en 2019, en una bolsa negra dentro de un nicho en el patio del museo. Esta es la primera vez que la obra sale del Ricci Oddi desde que regresó a su casa y, por lo tanto, tenemos la oportunidad de admirarla aquí, en el Palazzo Braschi, después de tantos años.

El cuadro redescubierto cierra así una exposición tan esperada, sobre la que ha habido tantas expectativas y que al final de la visita quedan plenamente satisfechas. No sólo por la presencia de un núcleo tan amplio de obras procedentes de Viena, sino también por el itinerario comprensible y bien dividido entre las distintas etapas y temas, por la disposición a veces evocadora, por la exhibición de obras poco conocidas como La novia , que salía por primera vez de la Fundación Klimt, y de obras maestras que dejan sin palabras como Judith I. Y de nuevo, por el proyecto innovador que ha permitido reconstruir los colores originales de los Quadri delle Facoltà, pero sobre todo por relatar un aspecto hasta ahora poco estudiado como es la relación con Italia a la que la exposición dedica, como se ha dicho, varios pasajes y secciones enteras. Por todas estas razones, así como por el catálogo que la acompaña, con aportaciones de expertos (una carencia es la falta de fichas de trabajo), la exposición romana del Palazzo Braschi merece ser visitada con calma para disfrutarla plenamente. Un consejo: prepárese, sin embargo, para armarse de paciencia si quiere permanecer unos instantes más frente a su obra favorita... se trata de una exposición en la que apenas encontrará a algunas personas, dado el gran número de visitantes que atrae cada día.

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