Hokusai en Pisa, muchas obras maestras y algunas incertidumbres

La exposición Hokusai, que se inauguró enel Palazzo Blu de Pisa el 24 de octubre de 2024 y permanecerá abierta hasta el 23 de febrero de 2025, llega a su fin. Una vez más, el palacio patricio que domina el Arno ha propuesto una gran exposición en el periodo otoño-invierno, vinculada a un nombre fundamental de la historia del arte y de gran atractivo. Forma parte de una clarividente estrategia expositiva que ha labrado para el Palazzo Blu un papel protagonista en el panorama cultural italiano, haciendo de sus exposiciones una cita ineludible. La respuesta tampoco se hace esperar esta vez, y los organizadores anuncian que han superado con creces la barrera de los 75.000 visitantes, y con una previsión final de unos 100.000 visitantes, y para alcanzar el objetivo fijado, durante todos los fines de semana de febrero el horario de la exposición se amplía hasta las 23.00 horas.

A estas alturas, no es raro encontrarse en Italia con exposiciones dedicadas al arte japonés y, en particular, a Hokusai, pero la de Pisan tiene el indudable mérito de haberse construido sobre obras maestras de gran calidad: De hecho, exhibe más de 200 obras procedentes del Museo de Arte Oriental Edoardo Chiossone de Génova y del Museo de Arte Oriental de Venecia, y algunas otras de colecciones privadas italianas y japonesas, en un proyecto comisariado por Rossella Menegazzo, profesora de Historia del Arte de Asia Oriental en la Universidad de Milán. La fama de Katsushika Hokusai está tan extendida incluso entre el gran público que ha convertido al artista en el símbolo (probablemente involuntario) de todo el arte del Sol Naciente y, en cierto modo, incluso del arte asiático. Pintor y grabador, Hokusai nació en 1760 en Edo, hoy Tokio, para morir allí tras una larga y exitosa vida en 1849. Su celebridad, sobre todo en Occidente, está ligada a su obra gráfica, mientras que en su tierra natal obtuvo un gran reconocimiento por toda su producción, incluida su pintura, lo que le llevó a distinguirse en concursos y desafíos artísticos, donde destacó por su carácter excéntrico y creativo. Entre las numerosas anécdotas que rozan casi la hagiografía, se menciona a menudo la realización en 1804 de un retrato de Daruma, el patriarca divinizado del budismo zen, sobre una superficie de unos 200 metros cuadrados de papel. La obra, realizada en una especie de happening, fue aclamada por el público, al igual que otra del tipo opuesto, en la que pintó un pájaro en vuelo sobre un grano de arroz. También en 1804, cuando fue invitado a un concurso de pintura al que asistía el shōgun Tokugawa Ienari, se dice que pintó sinuosos trazos azules sobre una puerta corredera desmontada, y que después cogió una gallina y le mojó las patas en pigmento rojo, para finalmente dejarla dar zarpazos sobre el cuadro. Una vez colocada de nuevo la puerta en su sitio, aparece el río Tatsuta, sobre el que revolotean hojas rojas de arce, haciéndose eco de la imagen de un famoso poema.

Poco importa que estos episodios sean ciertos o en parte exagerados, porque retratan la inspiración de un hombre que dedicó toda su vida al arte, produciendo más de tres mil grabados y muchas pinturas, de las que han llegado hasta nosotros al menos mil, doscientos libros ilustrados e innumerables dibujos y bocetos. Su obra forma parte de la escuela japonesa de pinturaukiyo-e (imágenes del mundo flotante), una corriente que se desarrolló a lo largo del periodo Edo, es decir, desde el siglo XVII hasta finales del XIX. Se trata de un periodo en el que Japón era un país sakoku, es decir, caracterizado por una política de aislamiento, y en el que el poder shogunal, a la cabeza de una organización feudal, que había desbancado de hecho al emperador, había impuesto como muestra de lealtad a sus daimyo residir durante largos periodos del año en Edo, donde vivía el shōgun. Esto llevó a Edo, una pequeña aldea fortificada, a convertirse en la megalópolis más poblada del mundo, escenario de los constantes rituales impuestos por el poder. Lo que ganó fue la clase mercantil y artesana, que se enriqueció prestando los servicios que este gran aparato necesitaba, y al mismo tiempo nació una cultura común, articulada en torno a la convicción de una vida efímera, que por tanto había que combatir escapando hacia los placeres: el teatro, los viajes, las casas de recreo y las bellezas del mundo, como el arte y la poesía. Los grabados ukiyo-e son el termómetro de este cambio de gusto, abandonando los temas tradicionales para abrazar temas contemporáneos relacionados con restaurantes, teatro, casas de té, estaciones de correos, etc. Por lo general, estos grabados no eran patrimonio de la élite más culta del país, sino que estaban destinados a un público masivo. Eran xilografías policromadas, que alcanzaron un alto grado de perfección técnica en Japón con la colaboración de artistas, editores, grabadores e impresores. El dibujo proporcionado por el artista se reproducía en matrices de madera, una por cada color o detalle a entintar, hasta un máximo de veinte. De ahí la incomprensión de Occidente, que durante mucho tiempo ha pensado que este arte era la expresión de una sociedad aristocrática, y no “figuritas vendidas a dos céntimos”, como intentó desmitificarlo Henri Focillon.

La exposición de Pisa reúne una rica selección de grabados que hechizaron al mundo, en particular los de vistas famosas(meishoe) que representan los lugares más pintorescos de Japón, desde los naturales, como montañas, cascadas, ríos y jardines, hasta los artificiales, como puentes, templos, santuarios, restaurantes y posadas. Son obras de Hokusai creadas hacia 1830 y pertenecen a las series de Treinta y seis vistas del monte Fuji, Vistas insólitas de famosos puentes japoneses en todas las provincias y Viaje entre cascadas japonesas.

Muestran composiciones de gran naturalismo, en las que los fenómenos naturales o las instancias arquitectónicas son a veces los protagonistas, en otras ocasiones el telón de fondo de una población ocupada en las labores de la vida cotidiana, mientras siguen el implacable cambio de las estaciones. Los grabados, siempre caracterizados por una gran vivacidad narrativa, alternan entre los descritos con el más mínimo detalle y los confiados a unos pocos trazos y a amplios y serenos fondos, como en el grabado El puente de Kintai en la provincia de Suo. En algunos de estos grabados también se aprecia el uso del gofrado, pequeñas hendiduras que forman texturas animadas que confieren valores táctiles a detalles como el agua ondulante, el pelaje o las escamas. Pero el protagonista absoluto de esta producción es el brillante colorido, a veces confiado sólo al azul, otras a varios colores.

Las obras más emblemáticas pertenecen a la serie dedicada al monte Fuji, un relieve volcánico tan sagrado para la cultura japonesa que recibió el título honorífico de San. En los grabados de Hokusai, suele aparecer en segundo plano y apenas visible, a excepción del grabado conocido como Fuji rojo, que en la exposición del Palazzo Blu se muestra en tres versiones con diferentes tonos de color y brillo, y Tormenta eléctrica bajo la cima. La obra más conocida de Hokusai, La gran ola de Kanagawa, también pertenece a esta serie, aunque en la maraña del mar la montaña es apenas perceptible. Esta obra maestra de signos gráficos y colores es quizá uno de los primeros grabados ukiyo-e en los que se adopta plenamente el uso del azul de Prusia, descubierto en Europa e importado a Japón hacia 1829 por barcos holandeses, lo que demuestra cómo el aislamiento del país nipón no era precisamente hermético. La gran ola, que, como todas las obras japonesas, debe leerse de derecha a izquierda, ha sido vista a menudo por los europeos desde un punto de vista romántico, como una naturaleza madrastra que se alza sobre el hombre. En cambio, Hokusai quiso plasmar un fenómeno efímero por excelencia y, al mismo tiempo, mostrar la dura vida de los pescadores, que, sin embargo, casi encuentran una comunión con la creación. La estampa expuesta en Pisa atestigua el gran éxito que tuvo, hasta el punto de que se imprimieron miles de copias, aunque evidentemente las más tempranas fueron las de mejor calidad: la aquí expuesta muestra ya un avanzado desgaste de la matriz, apreciable en la línea discontinua de la ola de la derecha, así como en el sello de la izquierda, y por un brillo más tenue del azul.

“El viejo loco por la pintura”, como se autodenominaba Hokusai, fue también promotor de una escuela con varios alumnos, y a lo largo de su vida produjo numerosos manuales de dibujo, entre ellos Manga, que comenzaron a publicarse en 1814 y se completaron con el decimoquinto volumen, publicado póstumamente en 1878. También presentes en la exposición en unos pocos ejemplares, se trata de espléndidos volúmenes, inagotables muestrarios de imágenes, en los que queda patente la pasión y la curiosidad de Hokusai por todo tipo de formas, objetos, animales u hombres. Estas fueron las primeras ilustraciones con las que los europeos conocieron el arte japonés: se dice que los mangas se utilizaban como papel de envolver para la porcelana y así fueron descubiertos por los artistas franceses.

Una pequeña sección muestra también la implicación del artista en el género del Shunga (imágenes de primavera), ilustraciones de carácter erótico, a las que los artistas se prestaban de buen grado porque garantizaban unos ingresos económicos seguros. Para escapar a la censura, las portadas iban acompañadas de dibujos guiñolescos pero no explícitos, mientras que en el interior se desplegaban escenas sexuales desenfrenadas, en las que se exageraban los atributos íntimos: en una actitud bastante ajena a Occidente, estas imágenes, por indecorosas que fueran, no carecían de calidad compositiva y de dibujo.

La exposición continúa con la producción más refinada destinada a un público culto y elitista: a este género pertenecen los Surimono (cosas impresas), encargados por particulares para ocasiones especiales, como tarjetas de felicitación de fin de año, calendarios o invitaciones. Muy difundidos en los círculos poéticos, combinaban hábilmente ilustraciones de inventiva más libre y caligrafía, en un maridaje de palabra y arte bastante común en Japón. Las composiciones poéticas fusionan y complementan las imágenes, los temas se despojan de la contemporaneidad para beber de la iconografía antigua, extraída de la tradición, la mitología y lo sagrado. Como fueron concebidos para una clientela de alto rango, los colores más delicados se obtienen a partir de los pigmentos más finos y los papeles más finos se decoran a menudo con polvo de oro, plata o cobre. Aunque su tirada era absolutamente limitada, mucho más raras son las pinturas expuestas que se realizaron sobre rollos de seda, tela o papel.

Estas obras muestran los continuos esfuerzos y abnegación de Hokusai por mejorar su estilo: esperaba profundizar en el significado oculto de las cosas en su vejez, y conseguir infundir vida propia incluso a un punto y una línea. Sin la limitación de trasladar el dibujo a la letra impresa, su gran fuerza expresiva se expresa aquí con contornos fluidos, como trazados por la pluma de un calígrafo. Hay varios cuadros de belleza, dedicados a mujeres o jóvenes, que, si bien renuncian a una connotación fisonómica precisa, ostentan rasgos de gran realismo, como en el retrato de una parturienta pintado en 1817. Del año siguiente es la obra Tigre entre los bambúes mirando la luna llena que, a pesar de traicionar un desconocimiento del animal, se denota por una vivacidad que recuerda las mejores obras del Dogan Rousseau o de nuestro Ligabue. También se exponen algunos ensayos de los alumnos que continuaron su tradición, entre ellos su hija Ōi, que colaboró frecuentemente con su padre. También se exponen algunas obras de artistas contemporáneos, que deberían atestiguar la influencia que el arte de Hokusai sigue teniendo en el arte actual, pero que dejan la impresión de ser meras citas pop.

En conclusión, la exposición de Pisa es un viaje casi vertiginoso, gracias a la calidad de las obras maestras, algunas de las cuales no suelen verse en las frecuentes exposiciones de la península. Sin embargo, también hay que destacar algunos puntos débiles de la exposición. Ya hemos mencionado la comparación con los contemporáneos, que no puede en modo alguno agotar el fenómeno del japonismo, es decir, la tendencia de los artistas occidentales a nutrirse del arte del Sol Naciente, a superar los límites de su propia cultura y proponer nuevas soluciones y esquemas.

Evidentemente, la exposición no tiene ningún interés en proponer ninguna investigación o avance en los estudios: en línea con la política de exposiciones del Palazzo Blu, se trata de un acontecimiento de gran atractivo mediático y éxito seguro, objetivo que no me siento en absoluto inclinado a demonizar. Por esta razón, sin embargo, algunas elecciones parecen poco comprensibles: en primer lugar, la vinculada a los aparatos explicativos, que renuncian a trazar cualquier itinerario biográfico sobre el artista o sobre el contexto japonés, cultivando el riesgo de que el visitante salga de la exposición con los ojos llenos de obras maestras pero sin ninguna información adicional sobre la extraordinaria parábola de Hokusai en el mundo del arte.

Quizá aún más imperdonable, en mi opinión, es otra omisión: si esta exposición ha sido posible hoy en Italia, se debe a la previsión de dos personalidades extraordinarias, Edoardo Chiossone y Enrico di Borbone, que en el siglo XIX, primeros entre muchos, hicieron viajes a pie por la cuerda floja para conseguir estas extraordinarias obras maestras. En particular, Chiossone (a quien pertenecen la mayoría de las obras expuestas), llamado a trabajar en Japón en el Departamento de Objetos de Valor del Ministerio de Hacienda, permaneció allí veintitrés años y allí murió. Como artista y grabador, reunió con gran sensibilidad más de tres mil xilografías y numerosos cuadros y volúmenes de rara calidad, y los envió a Génova, su ciudad natal, donde formaron el museo que aún lleva su nombre.

Aquí, la deuda de gratitud con estas personalidades y sus museos debería haber sido sin duda más evidente. Y si tal vez hubiera sido demasiado pagarlo en el título, aunque sea práctica habitual en los museos más lustrosos, como ocurrió con la anterior exposición del Palazzo Blu “Las vanguardias. Obras maestras del Museo de Arte de Filadelfia”, al menos habría sido justo y, en cualquier caso, interesante contar algo de su historia como coleccionista, como de hecho se hace en el catálogo. Tal vez, entre los miles de visitantes que acudieron a la cita pisana, alguno se hubiera animado a visitar el Museo d’Arte Orientale Edoardo Chiossone de Génova y el Museo d’Arte Orientale de Venecia, de los que rara vez oímos hablar. Sin embargo, en conjunto, la exposición de Hokusai en Pisa es sin duda un acontecimiento importante que, aunque con algunos defectos, merece una visita.

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