Giulio Turcato en el CAMeC: una historia de libertad

Artículo publicado originalmente en culturainrivera.it

Entre los acontecimientos expositivos más interesantes del verano (y me atrevería a añadir “de todo el país”) no puede dejar de figurar la muestra que el CAMeC de La Spezia dedica a la figura fundamental de Giulio Tur cato (Mantua, 1912 - Roma, 1995), uno de los pintores más representativos de la Italia del siglo XX. Giulio Turcato. Dalla forma poetica alla pittura di superficie (de ahí el título) no es sólo una exposición de arte contemporáneo (pero ya codificado hasta tal punto que se puede hablar fácilmente de historia del arte): es una historia de la libertad, porque Giulio Turcato fue uno de los artistas más libres y menos dóciles de los que trabajaron a partir de los años cincuenta. Y es precisamente esta libertad extrema la que parece constituir el leitmotiv principal sobre el que quiere insistir la exposición, que recorre a grandes rasgos toda la trayectoria artística de Turcato, desde las obras de los años cuarenta hasta sus últimas investigaciones.

Giulio Turcato. De la forma poética a la pintura de superficie

Los primeros años de Turcato, cuando formó parte primero del grupo Forma 1, luego del Fronte Nuovo delle Arti y más tarde se separó de él para unirse al llamado Gruppo degli Otto (Grupo de los Ocho) en 1952, se resumen en algunas de las obras de la primera sala: se trata de obras en las que su adhesión al dato natural sigue siendo bastante evidente, aunque la sensibilidad del pintor parece orientarse ya hacia formas originales que se desarrollarán aún más en los años siguientes. Es el caso de algunas obras que aún muestran referencias cubistas pero que ya empiezan a abrirse a otras experiencias, como la de Kandinsky, hacia quien, a partir de 1947, año de su estancia en París, Turcato empezará a sentir una sincera admiración. Así tenemos un Bodegón con peces de 1945, procedente de una colección privada de Milán, y sobre todo el Astillero de 1951, obra fundamental por varias razones. La primera: es una obra que vincula indisolublemente al artista con la ciudad que acoge la exposición, porque con esta obra el artista ganó el Premio Nacional de Pintura “Golfo della Spezia”, y porque es uno de los dos lienzos conservados en la colección permanente del CAMeC. En segundo lugar, es sin duda la obra de la exposición que mejor testimonia elcompromiso social de Giulio Turcato en esta fase de su actividad (su obra más famosa en este sentido, el conocido Comizio, lamentablemente no está en la exposición).

Giulio Turcato, “Naturaleza muerta con pescado” (1945; óleo sobre lienzo, 60 x 80 cm; Milán, colección particular)

Giulio Turcato, “Cantiere” (1951; óleo sobre lienzo; La Spezia, CAMeC)

Giulio Turcato era de hecho un comunista convencido, pero desde luego no era un comunista al que le impusieran la línea a seguir: esto se hizo especialmente evidente en el momento de la ruptura entre los pintores figurativos y abstractos que constituían el Fronte Nuovo delle Arti. El PCI rechazabael arte abstracto por considerarlo inadecuado para las necesidades del partido, cuyas exigencias, según Togliatti, estarían mejor atendidas por un arte realista e inmediato. Turcato, sin embargo, concedía más importancia a su propia sensibilidad que a las directrices del partido, por lo que se unió, como estaba previsto, al “Gruppo degli Otto” (Grupo de los Ocho), fundado por un puñado de artistas que pensaban como Turcato, y prosiguió sus investigaciones, que viraron definitivamente hacia un abstraccionismo ecléctico y versátil. En palabras de Lionello Venturi, “prevaleció su naturaleza de artista”.

No es que los vínculos con la realidad (y también con el compromiso político) desaparecieran de un día para otro: así lo demuestra una obra como El jardín de Micurin , de 1953, cuyo título hace referencia a la figura del botánico ruso (y más tarde soviético) Ivan Vladimirovic Micurin, que trabajó para crear variedades de plantas resistentes a las duras condiciones climáticas de Rusia, empeño que le valió el reconocimiento del régimen (que incluso cambió la toponimia de una ciudad en su honor). En el cuadro, que pertenece a toda una serie sobre el mismo tema (éste, procedente de una colección privada milanesa, es el único expuesto en La Spezia), los tejidos negros evocan las ramas de las plantas, mientras que las figuras de diversos colores sugieren los colores de las flores y los frutos producidos por las plantas estudiadas por Micurin.

Giulio Turcato, “El jardín de Micurin” (1953; óleo sobre lienzo, 66,5 x 80 cm; Milán, colección particular)

La carga innovadora del arte de Giulio Turcato experimentó ulteriores evoluciones dictadas, con toda probabilidad, por las sugerencias que los artistas espacialistas , pero también, en cierto sentido, los nouveaux réalistes, pudieron proporcionarle: se pueden explicar en este sentido obras como los Tranquillanti y los Superfici , de los que el visitante puede encontrar varios ejemplos en el CAMeC. Se trata de investigaciones iniciadas a finales de los años cincuenta, pero que se prolongaron durante toda la década siguiente. Con los Tranquillanti, el artista pega pastillas tranquilizantes reales sobre superficies monocromas: dado que el uso de tranquilizantes está muy extendido, piensa el artista, nadie pondrá objeciones si se utilizan para crear una obra de arte. El objeto real entra en la obra de arte para evocar determinadas situaciones al observador, a lo que también contribuyen los tonos casi siempre oscuros y nocturnos del fondo. Las Superficies continúan esta búsqueda de nuevas posibilidades expresivas: el propio material se convierte en una obra de arte capaz de expresar y evocar, como ocurre en las Superficies lunares, donde las rugosidades, agujeros y grietas de la gomaespuma, uno de los materiales favoritos de Turcato en esta fase, sugieren los cráteres y mares de la Luna. “Experimento para poder desplazar un poco más el límite de la expresión posible”, dice Turcato en una entrevista fechada en 1982, “para dilatar el lenguaje. Es necesario crear una forma intensamente psicológica, trabajando también sobre las herramientas”, y esta búsqueda de nuevas posibilidades nace de la convicción de que el cuadro tiene que “ser un vehículo de sentido y de comunicación, llegar inmediatamente al ojo” y que es “todo el cuadro” el que tiene que “abofetearte en la cara”. Y la elección de la gomaespuma, como escribió el artista en 1966 pero también como recuerdan las inscripciones en letras grandes de la pared que exhibe las Superficies lunares en el CAMeC, nació “porque su corteza rugosa está llena de nuevas advertencias y maravillas”.

De izquierda a derecha, obras de Giulio Turcato: “Tranquillanti” (hacia 1968; óleo y técnica mixta sobre lienzo; Milán, colección particular), “Tranquillanti” (1961; óleo y técnica mixta sobre lienzo; Milán, colección particular), “Superficie malata” (1961; óleo y técnica mixta sobre lienzo; Milán, colección particular)

Tres “Superficies lunares” de Giulio Turcato

Giulio Turcato, “Superficie lunar” (1968; óleo y técnica mixta sobre gomaespuma, diámetro 90 cm; colección particular)

Las nuevas posibilidades de las técnicas expresivas pasan entonces a investigar no sólo los objetos y las superficies, sino también las formas, los colores y la luz. La relevancia del gesto del artista emerge en una obra como Aleluya, donde la línea blanca, curva, continua y entrelazada, creada con una técnica expresionista abstracta, se une a lahuella de la mano: para un artista no hay gesto más sencillo y primitivo que colocar la mano sobre el lienzo, y este gesto casi liberador (de ahí quizás el nombre del cuadro) permite a Turcato “identificarse” en la obra. Suposiciones no muy alejadas de las de los expresionistas abstractos, con la diferencia de que, escribe el crítico Vito Apuleo, “la angustia existencial de Rothko en Turcato se convierte en emoción musical”. Esta emoción musical también está sugerida por las obras en las que el motivo de estos graffiti de colores vivos vuelve, a menudo atrapando objetos reales: es el caso, por ejemplo, de las Liras, donde los signos de colores queridos por Turcato crean entrelazamientos lúdicos en plena libertad alrededor de billetes reales.

Giulio Turcato, “Aleluya” (1970; óleo y técnica mixta sobre lienzo, 180 x 180 cm; colección particular)

De arriba abajo, obras de Giulio Turcato: “Lire” (1971; óleo, técnica mixta y collage sobre lienzo; Milán, colección particular), “Lire” (1971; óleo, técnica mixta y collage sobre lienzo, 73 x 92 cm; Milán, colección particular)

La investigación más reciente, entre los años ochenta y noventa, se centró principalmente en el color y sus posibilidades: a este periodo pertenecen los Cangianti, lienzos en los que Giulio Turcato esparce colores, explorando combinaciones y tonos y haciendo que sus bocetos ejecuten casi una especie de danza armoniosa (y no es casualidad que en la última sala de la exposición, la que alberga los Cangianti, uno se traslade a un fondo musical diseñado para la ocasión: una “instalación sonora” concebida por el músico Andrea Nicoli , profesor del conservatorio de La Spezia). Los cambios de color expresan cambios de humor, subrayan sensaciones, intentan establecer una relación con el observador, frente a ellos “podemos recibir diferentes señales: depende de nosotros si queremos movernos”. La conclusión de la exposición se confía a dos “variantes” del tema Cangianti, a saber, Viaje astral yArchipiélago, que demuestran plenamente las posibilidades mencionadas: con un solo color, a través de diversas gradaciones, Turcato ofrece la posibilidad de hacer un itinerario por el espacio y ver desde lo alto un grupo de islas que emergen de un mar cristalino.

En el sentido de las agujas del reloj, obras de Giulio Turcato: “Cangiante arancio” (1989; óleo y técnica mixta sobre lienzo; 80 x 100 cm; Milán, colección particular); “Barbaglio” (1988; óleo y técnica mixta sobre lienzo; 80 x 100 cm; Milán, colección particular); “Cangiante blu, viola” (1991; óleo y técnica mixta sobre lienzo; 80 x 100 cm; Milán, colección particular); “Cangiante giallo, rosa” (1991; óleo y técnica mixta sobre lienzo; 80 x 100 cm; Milán, colección particular)

Izquierda: Giulio Turcato, “Viaje astral” (1989; óleo y técnica mixta sobre lienzo; 200 x 260 cm; colección particular). Derecha: Giulio Turcato, “Archipiélago” (1983; óleo y técnica mixta sobre lienzo, 90 x 130 cm; colección privada).

Las dos comisarias, Eleonora Acerbi y Marzia Ratti, han logrado crear un itinerario rico y completo que recorre toda la carrera de Giulio Turcato, tocando los puntos más importantes de su evolución artística, deteniéndose inteligentemente en las cimas más originales de su investigación, sondeando a fondo la personalidad de uno de los artistas más libres e innovadores del siglo XX en Italia. Si realmente se quisiera encontrar un defecto, podría decirse que, ante la ausencia total de obras de otros artistas, el aparato podría haber insistido más en el contexto en el que trabajó Giulio Turcato, quizá utilizando un lenguaje más adaptado al gran público (no todo el mundo debe conocer, por citar uno de los paneles introductorios, “las orientaciones del zdanovismo italiano” que llevaron al pintor a romper con los artistas del Fronte Nuovo delle Arti más fieles a las directrices del partido), y tal vez haciendo hincapié en las relaciones con otras experiencias contemporáneas. Pero aparte de esto, el visitante de Giulio Turcato. Dalla forma poetica alla pittura di superficie se verá gratamente sorprendido por una exposición orgánica capaz de relatar de forma gratamente eficaz a un “protagonista del siglo XX”, como lo define Marzia Ratti.

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