De Monet a Chagall, de Van Gogh a Kandinsky: cómo se coleccionaba en Estados Unidos a principios del siglo XX. La exposición en Milán

El enfoque adoptado por los comisarios estadounidenses Jennifer Thompson y Matthew Affron para organizar la exposición Impresionismo y vanguardia. Obras maestras del Museo de Arte de Filadelfia instalada en el Palazzo Reale de Milán y que estará abierta al público hasta el 2 de septiembre de 2018 parece, desde el principio de la exposición, diferente de la única intención de presentar artistas pertenecientes a diversos movimientos artísticos, sino que los visitantes que recorran las salas de la exposición comprenderán paso a paso cómo nació el famoso Museo de Arte de Filadelfia y cómo se fue enriqueciendo con las grandes obras de arte que aún hoy alberga. El público admirará sin duda obras maestras de Monet, Manet, Degas, Renoir, Cézanne, Gauguin, Pissarro, Mary Cassatt, Berthe Morisot, Matisse, Klee, Kandinsky, Van Gogh, Picasso, Brâncuși, Dalí, Miró, pero con una visión de conjunto más definida y contextualizada de las obras de estos artistas: de hecho, se llegará a la conclusión de la visita con la certeza de haber conocido la verdadera historia de uno de los museos más significativos de Estados Unidos.

La historia del Museo de Arte de Filadelfia comienza en la segunda mitad del siglo XIX, precisamente en 1877, año de su apertura al público. En ese siglo, la ciudad de Filadelfia era la más grande de Norteamérica, floreciente gracias al comercio, el transporte y la cultura que se habían desarrollado cada vez más. Fue aquí donde se organizó en 1876 la primera feria mundial oficial de Estados Unidos, que tuvo un éxito increíble: más de diez millones de personas la visitaron, y fue esta primera feria la que dio un gran impulso al flujo de estadounidenses adinerados hacia Europa en busca de arte que ver, conocer y comprar. El movimiento impresionista despertó un gran interés entre los propios habitantes de Filadelfia, como demuestra la colección de obras impresionistas conservada en el museo americano: ésta se formó a partir de colecciones enteras pertenecientes a los ricos coleccionistas de la ciudad, con las que embellecían sus maravillosas residencias; sus colecciones fueron donadas posteriormente al Museo de Arte de Filadelfia.

El primero en fomentar el conocimiento y la difusión de las obras impresionistas francesas en el medio estadounidense fue Alexander Cassatt (Pittsburgh, 1839 - Filadelfia, 1906), ingeniero ferroviario del Pennsylvania Railroad, la compañía que gestionaba el transporte ferroviario entre Filadelfia, Nueva York y Washington, y hermano de la célebre Mary (Pittsburgh, 1844 - Château de Beaufresne, 1926). Alexander se interesó por el movimiento impresionista francés durante una estancia en París junto a su hermana: ésta ya había entrado a formar parte del ambiente impresionista, participando en las exposiciones colectivas de aquellos artistas, exponiendo en los Salones y fascinando con su arte a Edgar Degas (París, 1834 -1917). También consiguió colaborar con el marchante Paul Durand Ruel (París, 1831 - 1922) para exponer un número considerable de cuadros impresionistas entre Filadelfia y Nueva York. Contagiado por el entusiasmo de su hermana, Alexander inició su propia colección de obrasimpresionistas en 1882, además de instar a sus conciudadanos y amigos a comprar lienzos similares. Obras que con el tiempo llegaron a formar parte de las colecciones permanentes del Museo de Arte de Filadelfia.

Mary Cassatt inició la compra de lienzos impresionistas para su hermano Alexander con un cuadro de Degas: La clase danzante, que el artista pintó hacia 1880. En consonancia con su tema favorito, Degas representó en el lienzo el mundo de la danza, en particular bailarinas que practican en el estudio durante las horas de clase: algunas, gráciles en puntas de pie con sus tutús, ejecutan un paso de baile bajo la atenta mirada de la profesora, otras se preparan para su turno. La figura femenina con vestido azul y sombrero, sentada en una silla mientras lee un periódico, fue modificada posteriormente por el propio artista: según se descubrió a través de radiografías, se trataba de una bailarina ajustándose una zapatilla.

La colección impresionista de Alexander incluía obviamente obras de su hermana, como el refinado y preciso cuadro que representa a una Mujer con un collar de perlas en una caja (1879). Un lienzo que fascina por su atención a los detalles y matices en el vestido, los accesorios, el peinado y el rostro, este último iluminado por una luz artificial que crea un juego natural de luces y sombras. Nótese el refinamiento del collar de perlas que adorna el cuello de la mujer y el abanico que sostiene con tanta elegancia en su mano derecha. Detrás de la mujer se percibe la presencia de un espejo en el que se reflejan, además de su figura de espaldas, otros espectadores de pie en los palcos frente a ella. Otro artista de la colección Cassatt fue Claude Monet (París, 1840 - Giverny, 1926), que aparece aquí con un cuadro de hacia 1874 que representa La Zuiderkerk de Ámsterdam, o la llamada Iglesia del Sur, la primera iglesia protestante erigida en la ciudad, vista desde el Groenburgwal, un canal de Ámsterdam. En este cuadro se aprecia una de las características recurrentes de la pintura de Monet: el reflejo de la luz del sol en el agua. El agua está pintada con pinceladas rápidas y cortas en diferentes tonos de azul, creando un efecto de movimiento en el canal.

Edgar Degas, La clase bailarina (c. 1880; óleo sobre lienzo, 82,2 x 76,8 cm; Filadelfia, Museo de Arte de Filadelfia)

Mary Cassatt, Mujer con collar de perlas en una caja (1879; óleo sobre lienzo, 81,3 x 59,7 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Claude Monet, El Zuiderkerk en Ámsterdam (c. 1874; óleo sobre lienzo, 54,4 x 65,4 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Las tres secciones siguientes de la exposición de Milán están dedicadas a tres temas diferentes: comienza examinando un aspecto fundamental del Impresionismo, a saber, cómo los artistas pertenecientes a este movimiento artístico revolucionaron la forma de pintar abandonando sus ateliers y estudios interiores en el curso de su vena creativa en favor de la pintura en plein air, al aire libre, en contacto con la naturaleza o en el paisaje urbano. El visitante tiene así la sensación de pasear por el Sendero protegido del barrio parisino de Argenteuil, pintado por Monet en 1873, detrás del hombre que camina entre los árboles que resplandecen en diversas tonalidades de verde por efecto de la luz del sol - el cuadro fue comprado por Elizabeth Donner Norment, hija de un magnate del acero de Filadelfia, y más tarde donado al Museo de Arte de Filadelfia- o en realidad de pie frente al Puente Japonés (1895) del jardín de Giverny de Monet, en el cuadro comprado por Otto >Haas, propietario de una empresa química de Filadelfia. O a orillas del Loing, afluente del Sena, representado en el cuadro de Alfred Sisley (París, 1839 - Moret-sur-Loing, 1899) de 1885, así como en el Paisaje de invierno en Giverny de Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839 - 1906) en 1894, durante una invitación que Monet hizo al pintor. Entre los paisajes urbanos se encuentra la Feria de una tarde soleada en Dieppe (1901), cuadro de Camille Pissarro (Charlotte Amalie, 1830 - París, 1903) con los ruidos, movimientos y colores de la feria anual de verano: Pissarro pintó la plaza desde una habitación del Hôteldu Commerce de Dieppe, ya que una infección ocular crónica le había dificultado pintar al aire libre; el cuadro fue vendido por el artista a la galería Durand-Ruel y posteriormente adquirido por coleccionistas para exponerlo en sus casas de Filadelfia. Otro ejemplo es el cuadro de Pierre-Auguste Renoir (Limoges, 1841 - Cagnes-sur-Mer, 1919), Los grandes bulevares (1875), donde grupos de personas, algunas en coches de caballos, pasean por los amplios bulevares parisinos entre edificios de piedra intercalados con árboles.

La siguiente sección examina cómo los impresionistas realizaron retratos de figuras humanas, generalmente movidos por lainmediatez del momento. Comienza con el Retrato de Madame C ézanne (1885-87): Cézanne decidió no instalarse en París, prefiriendo el ambiente menos caótico de Aix-en-Provence, por lo que sus retratos incluyen muy a menudo a miembros de su familia, como en este caso en el que retrata a Hortense Fiquet, su esposa -que aparece en más de cuarenta y cuatro cuadros y dibujos-, probablemente al aire libre, ya que se vislumbran algunas ramas de una enredadera en la parte superior del cuadro. Renoir prefería retratar a muchachas muy jóvenes, prestando especial atención a los detalles de la indumentaria, como en Muchacha con gorguera roja (c. 1896), en la que la mirada del espectador se centra inmediata e inevitablemente en la brillante y vaporosa gorguera que rodea su cuello, o en la delicada Muchacha haciendo encaje (1906), donde se aprecia un tejido trabajado casi resplandeciente. Berthe Morisot (Bourges, 1841 - París, 1895) también pintó retratos de gente muy joven; el Retrato de una niña (1894) es un ejemplo de ello en la exposición: se acercó al pintor presentándose como Marcelle, una niña; el artista la retrató al menos seis veces e incluso cuando Morisot murió, se encontró en su caballete un retrato inacabado de Marcelle.

Claude Monet, Sendero protegido (1873; óleo sobre lienzo, 54,1 x 65,7 cm; Filadelfia, Museo de Arte de Filadelfia)

Claude Monet, El puente japonés (1895; óleo sobre lienzo, 78,7 x 97,8 cm; Filadelfia, Museo de Arte de Filadelfia)

Alfred Sisley, Orillas del Loing (1885; óleo sobre lienzo, 55,1 x 73,3 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Paul Cézanne, Paisaje invernal (c. 1874; óleo sobre lienzo, 65,1 x 81 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Camille Pissarro, Feria en una tarde soleada, Dieppe (1901; óleo sobre lienzo, 73,5 x 92,1 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Pierre-Auguste Renoir, Los grandes bulevares (1875; óleo sobre lienzo, 52,1 x 63,5 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Pierre-Auguste Renoir, Muchacha con Ruff rojo (c. 1896; óleo sobre lienzo, 73,5 x 92,1 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Pierre-Auguste Renoir, Muchacha haciendo encaje (1906; óleo sobre lienzo, 56,5 x 46,7 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Berthe Morisot, Retrato de niña (1894; óleo sobre lienzo, 54,4 x 65,4 cm; Filadelfia, Museo de Arte de Filadelfia)

Continuamos con la sección dedicada a Vincent Van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890) y Paul Gauguin (París, 1848 - Hiva Oa, 1903): ambos convivieron en la famosa casa amarilla, un pequeño atelier en el sur de Francia, pero la experiencia no duró mucho, llegando incluso a una agresión de Van Gogh a Gauguin. En la exposición de Milán hay dos naturalezas muertas, cada una perteneciente a los dos artistas: la de Gauguin, en tonos apagados, muestra varias rosas centifolias en una cesta, mientras que la de Van Gogh, en tonos más oscuros y atrevidos, muestra un ramo de margaritas de diversos colores en una jarra de cerveza alemana gris y verde. También hay un retrato en esta sección: se trata del Retrato de Camille Roulin (1888) de Van Gogh, hijo del cartero de Arlés. Lo que más llama la atención es la pintura del artista, basada en colores complementarios: el azul de la gorra y los ojos del niño destaca con el amarillo de la cara y el fondo, el verde de la chaqueta resalta con el rojo del botón y el contorno de la chaqueta.

El Museo de Arte de Filadelfia también se enriqueció con la colección White: unas cuatrocientas obras, reunidas por Samuel Stockton White (1876 - 1952) y su esposa, la pintora Vera McEntire, que subrayan plenamente la transición del postimpresionismo a las vanguardias, empezando por un cuadro de Cézanne que se acerca al cubismo y las naturalezas muertas de Georges Braque (Argenteuil, 1882 - París, 1963). Ejemplos de estos últimos en la exposición son la Cesta de pescado (c. 1910), en la que un par de peces colocados en diagonal en formas facetadas en tonos marrones apagados se representa en el centro del lienzo, mientras que sólo el asa y la parte inferior de la cesta están claros; En Naturaleza muerta con plato de fruta (1936), se observa la repetición de signos ornamentales de diversos colores que decoran una serie de elementos típicos de una naturaleza muerta, a saber, un plato de fruta, una copa de vino, la cabeza de un periódico, una pipa y fruta sobre una mesa. De Cézanne, en cambio, es Le Quartier du Four à Auvers-sur-Oise (Paisaje, Auvers) pintado hacia 1873: aquí el paisaje del pequeño pueblo al noroeste de París adopta formas casi geométricas, delineando con líneas más redondeadas los contornos angulosos de las casas y de los árboles circundantes. En el centro de la sala se expone el pequeño bronce delAtleta de Auguste Rodin (París, 1840 - Meudon, 1917): la escultura fue modelada a partir del propio Samuel Stockton White, que posó para el artista en 1901 durante una estancia en París, gracias a su cuerpo de culturista, como un"atleta americano" (Rodin quedó fascinado por la espalda ancha y musculosa del estudiante de Cambridge, heredero de una empresa familiar de productos dentales, que más tarde se convirtió en uno de los grandes coleccionistas que contribuyeron a la formación del museo de Filadelfia).

A las obras mencionadas hasta ahora se añadieron pinturas de artistas de vanguardia que se habían centrado en dos famosas zonas de París: Montmartre y Montparnasse. El primero había acogido principalmente a cubistas, como Pablo Picasso (Málaga, 1881 - Mougins, 1973), Georges Braque y Juan Gris (Madrid, 1887 - Boulogne-sur-Seine, 1927), el segundo era el centro de laÉcole de Paris, en la que se dieron cita artistas de todo el mundo, como el rumano Constantin Brâncuși (Hobitza, 1876 - París, 1957), Chaim Soutine (Smilovi?, 1893 - París, 1943) y el ruso Marc Chagall (Vitebsk, 1887 - Saint-Paul-de-Vence, 1985), ambos judíos. También se desarrolló en la ciudad francesa el grupo de los fauves, literalmente bestias feroces, bautizados así por un crítico fascinado por los colores empleados por estos artistas y suuso agresivo y brutal de la línea en el Salón de Otoño de 1905: El progenitor de los fauves fue Henri Matisse (Le Cateau-Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) acompañado por Maurice de Vlaminck (París, 1876 - Rueil-la-Gadelière, 1958), Raoul Dufy (Le Havre, 1877 - Forcalquier, 1953) y Georges Rouault (París, 1871- 1958). Unas líneas negras muy marcadas delinean el contorno de Pierrot con rosa (c. 1936) de Rouault: en este cuadro, el artista vincula el tema tradicionalmente infeliz a la esfera religiosa, comparando al payaso mudo con Cristo, primer ejemplo de víctima sacrificial. Este vínculo queda subrayado por la rosa roja que sostiene el Pierrot, símbolo de la sangre de Cristo. Una obra luminosa en su conjunto, en la que destacan el blanco del vestido y el resplandor del rostro, pero que esconde un mensaje religioso, aspecto en consonancia con el fuerte catolicismo del artista. Una fuerte luminosidad impregna también el cuadro de Dufy Ventana en el paseo de los Ingleses en Niza (c. 1938): en realidad, el centro de la ventana divide en dos partes la vista desde su estudio en el Paseo de los Ingleses, ya que el lado izquierdo que da al mar aparece con un tono más oscuro que el lado derecho que da a la ciudad, más luminoso y rico en elementos, como la playa, los edificios y los transeúntes.

Vincent van Gogh, Retrato de Camille Roulin (1888; óleo sobre lienzo, 73,5 x 92,1 cm; Filadelfia, Museo de Arte de Filadelfia)

Georges Braque, Naturaleza muerta con plato de fruta (1936; óleo sobre lienzo, 60,3 x 81,3 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Paul Cézanne, Le Quartier du Four à Auvers-sur-Oise (Paisaje, Auvers) (c. 1873; óleo sobre lienzo, 46,4 x 55,2 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Auguste Rodin, Atleta (1901, fundición 1925; bronce, 42,9 x 31,8 x 28,6 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Georges Rouault, Pierrot con rosa (c. 1936; óleo sobre papel pegado sobre lino, 92,7 x 61,8 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Raoul Dufy, Ventana en el Paseo de los Ingleses de Niza (c. 1938; óleo sobre lienzo, 46 x 38,3 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Significativo por su gran contribución humana y artística al Museo de Arte de Filadelfia fue el abogado Louis Stern (1886 - 1962), originario de Ucrania, pero que se trasladó a Estados Unidos muy joven. Stern fue administrador del Museo de Arte de Filadelfia durante muchos años y, a su muerte, legó al museo unas trescientas obras de arte, entre ellas los cuadros de Matisse que se exhiben en la exposición. Mujer sentada en un sillón (1920) y Naturaleza muerta sobre una mesa (1925) son algunos ejemplos. El primero pertenece a una serie de obras en las que las protagonistas son mujeres que posan en el Hôtelde la Mediterranée de Niza, donde el pintor permaneció algún tiempo entre las décadas de 1910 y 1920. La mujer está cómodamente sentada en un sillón amarillo y parece que acaba de regresar a su habitación de hotel: está descalza, sus zapatos están en el suelo junto al sillón y su gorra descansa en el respaldo del sillón situado a su izquierda.

La figura femenina del centro está rodeada de tapices con adornos florales en el suelo y las paredes, que remiten al jarrón de flores colocado detrás de ella. El segundo lienzo tiene menos ornamentos que el anterior, visibles sólo en el biombo y en la taza y el platillo de cerámica. El cuadro forma parte de las composiciones de naturalezas muertas sobre mesas cubiertas con manteles multicolores pintadas en 1924 y 1925: los colores de los distintos elementos colocados sobre la mesa crean una armonía general en el lienzo; el amarillo de los limones, el rojo púrpura de las ciruelas, el verde del jarrón, las anémonas de varios colores dentro del jarrón y el rosa del mantel están en perfecta armonía.

Stern, gran coleccionista, comparaba obras de la pintura moderna con objetos arqueológicos de distintos continentes para encontrar en ellos una esencialidad expresiva común; le fascinaban las obras del aduanero Henri Rousseau (Laval, 1844 - París, 1910), cuyo cuadro Una velada de carnaval (1886) se muestra en la exposición. En este último, flota una atmósfera misteriosa: un hombre y una mujer en atuendo de carnaval están representados con una luminosidad increíble, destacando sobre el fondo oscuro y denso de árboles desnudos; los dos son espiados por una persona, de la que sólo se ve el rostro, que aparece en una extraña estructura también iluminada por el resplandor de la luna llena.

El abogado y coleccionista entabló amistad con Chagall, pintor judío ruso que se trasladó a Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial; ambos se comunicaban en ruso y yiddish, gracias a su origen común: Stern, como se ha dicho, procedía de una pequeña ciudad de la actual Ucrania, Balta, situada en la frontera con Moldavia, sede histórica de una comunidad judía. Entre los veintiséis cuadros de Chagall que poseía Stern, uno famoso y emocionante se exhibe aquí en la exposición de Milán: se trata de En la noche (1943). El lienzo fue realizado durante la Segunda Guerra Mundial, cuando Chagall estaba exiliado en Nueva York, y representa el recuerdo de la noche de bodas entre el artista ruso y su esposa Bella Rosenfeld. Los dos recién casados se abrazan en un tierno y romántico abrazo en el centro de la escena iluminada por la luz de la luna y una lámpara de interior; a su alrededor, la nieve blanca, que destaca sobre la negrura de la noche, y las pequeñas casas de su ciudad natal, Vitebsk, en la actual Bielorrusia.

Henri Matisse, Mujer sentada en un sillón (1920; óleo sobre lienzo, 46,4 x 39,4 cm; Filadelfia, Museo de Arte de Filadelfia)

Henri Rousseau, Una noche de carnaval (1886; óleo sobre lienzo, 117,3 x 89,5 cm; Filadelfia, Museo de Arte de Filadelfia)

Marc Chagall, En la noche (1943; óleo sobre lienzo, 47 x 52,4 cm; Filadelfia, Museo de Arte de Filadelfia)

La siguiente sala gira en torno al famoso Beso de Brâncuși (1916), donde las dos figuras se convierten en una, escultura perteneciente a la colección de los señores Arensberg, Walter (Pittsburgh, 1878 - Los Ángeles, 1954), poeta y traductor de la Divina Comedia, y Louise (1879 - 1953), pianista. Su gran pasión por el arte y el coleccionismo nació en 1913, durante una visita al Armory Show de Nueva York, donde se exponía el gran retrato, visible en esta sala, realizado por Albert Gleizes (París, 1881 - Aviñón, 1953) en 1912: se trata deHombre en el balcón o Retrato del Dr. Théo Morinaud, un ejemplo del cubismo de salón. La obra representa la monumental figura completa del médico en tonos marrones, grises y blancos con una vista de París desde el balcón. Además de El beso de Brâncuși, los Arensberg poseían La hora del té (1911) de Jean Metzinger (Nantes, 1883 - París, 1956), también del género cubista, Carnaval en la aldea (1926) de Paul Klee (Münchenbuchsee, 1879 - Muralto, 1940), realizada íntegramente en tonos rojos y negros, representa a un hombre y un niño enmascarados con un perro y una tercera figura detrás que se dirigen hacia un pueblo. Y de nuevo Círculos en un círculo (1923) de Vasili Kandinsky (Moscú 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944), obra que Kandinsky definió como “el primero de mis cuadros en destacar el tema de los círculos”: para el artista, el círculo era la figura más elemental, capaz de simbolizar la síntesis de los opuestos en una única forma equilibrada. En Hombre con violín (1911 - 1912), de Picasso, se percibe una figura masculina en el centro y en la parte inferior detalles de un violín y del reposabrazos del sillón en el que está sentado el hombre. El cuerpo y los objetos aparecen ya descompuestos en formas geométricas, mucho más que en los cuadros antes mencionados de Metzinger y Gleizes. Las figuras humanas se vuelven surrealistas con artistas como Joan Miró (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983): esto queda bien ejemplificado en la obra expuesta en la última sala de la exposición de Milán que representa un Desnudo (1926), también perteneciente a la colección Arensberg. Aquí, el cuerpo de una mujer está dispuesto sobre un lienzo negro en forma de pez blanco en posición vertical, recordando un vestido ajustado; los pechos, separados del cuerpo, están representados por una manzana y un nabo, y los genitales por una hoja. La cabeza es un huevo, con un solo ojo, al que se adhieren unos mechones que revolotean a los lados.

Junto al lienzo de Miró, obras de Salvador Dalí (Figueres, 1904 - 1989) e Yves Tanguy (París, 1900 - Woodbury, 1955) acompañan al visitante hacia la conclusión de la exposición: como el primero, éstas también pertenecen al Surrealismo, corriente que fue abrazada por artistas de diferentes naciones. El paisaje representado por el artista francés Tanguy en I Paralleli (1929) es a la vez terrestre y acuático y presenta elementos abstractos que parecen flotar en el entorno representado, bastante indeterminado. El artista apoyaba plenamente el automatismo, que consiste en la suspensión de la razón y el autocontrol para permitir el flujo incondicional de imágenes procedentes del subconsciente. Más ordenado es el cuadro del artista catalán Dalí Símbolo agnóstico (1932), que representa una cuchara que se extiende en diagonal desde la esquina de una pared agrietada, doblándose hacia el centro alrededor de un tronco de madera; en la parte cóncava hay un reloj. El agnosticismo era una característica del propio Arensberg, a quien pertenecía el cuadro: además de agnóstico convencido, era un criptógrafo que disfrutaba descubriendo mensajes ocultos en textos escritos. La exposición se cierra con un gran cuadro de Picasso que representa a una Mujer y un Niño (1961): la mujer es Jacqueline Roque -la obra fue terminada poco después del matrimonio del artista con esta última-, mientras que los dos niños son probablemente Paloma Picasso, hija de Picasso nacida de su relación con Françoise Gilot, y Catherine Hutin-Blay, hija de Jacqueline nacida con su primer marido. Las tres figuras femeninas están representadas armoniosamente con un juego de colores entre el rosa, el azul y el verde.

Constantin Brâncuși, El beso (1916; piedra caliza, 58,4 x 33,7 x 25,4 cm; Filadelfia, Museo de Arte de Filadelfia)

Albert Gleizes, Hombre en el balcón o retrato del Dr. Théo Morinaud (1912; óleo sobre lienzo, 195,6 x 114,9 cm; Filadelfia, Museo de Arte de Filadelfia)

Jean Metzinger, La hora del té (1911; óleo sobre cartón, 75,9 x 70,2 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Paul Klee, Carnaval en el pueblo (1926; óleo sobre lienzo en panel, 65,2 x 44 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Vasilij Kandinsky, Círculos en un círculo (1923; óleo sobre lienzo, 98,7 x 95,6 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Pablo Picasso, Hombre con violín (1911-1912; óleo sobre lienzo, 116,8 x 89,5 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Joan Miró, Desnudo (1926; óleo sobre lienzo, 92,4 x 73,7 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Yves Tanguy, Los paralelos (1929; óleo sobre lienzo, 92,2 x 73 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Salvador Dalí, Símbolo agnóstico (1932; óleo sobre lienzo, 54 x 65,2 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Pablo Picasso, Mujeres y niñas (1961; óleo sobre lienzo, 146 x 113,7 cm; Filadelfia, Philadelphia Museum of Art)

Como ya se ha mencionado, visitar la exposición"Impresionismo y Vanguardias" significa entender cómo se formó a lo largo de los años el famoso Museo de Arte de Filadelfia, uno de los buques insignia de Estados Unidos, y al mismo tiempo rastrear los movimientos artísticos más significativos que se desarrollaron entre los siglos XIX y XX en Europa, mostrando las obras de los artistas más grandes y famosos de cada uno de ellos. También supone comprender cómo el coleccionismo tuvo una importancia fundamental para la difusión de las obras maestras de los artistas europeos en suelo estadounidense. Es realmente el caso de decir... ¡cuando el arte llama al arte!

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