¿De cuántas formas puede representarse el silencio? Cómo es la exposición de Hammershøi en Rovigo

¿En qué lugares y de cuántas formas diferentes puede representarse el silencio en un cuadro? De hecho, los silencios no son todos iguales: existe el silencio de la quietud doméstica, existe el silencio de la contemplación, el silencio de la espera de un acontecimiento alegre y el silencio de la espera que anuncia algo dramático, existe el silencio de la melancolía y la soledad, el silencio de la noche. Hay silencio en un interior y silencio en un paisaje, ya sea natural o urbano. Silencios que pueden oírse y sentirse dentro de un cuadro de forma completamente distinta, por la presencia o ausencia de una figura humana, por las expresiones o por los colores.

Particular y quizá única es la forma de pintar el silencio y el vacío de un pintor danés, Vilhelm Hammershøi (Copenhague, 1864 - 1916), activo entre los siglos XIX y XX, que en vida fue uno de los más grandes pintores daneses de su tiempo. grandes pintores daneses de su tiempo, famoso no sólo en el norte de Europa sino también en muchos países europeos, pero que luego experimentó, fuera de su patria, largas décadas de olvido, aproximadamente desde poco después de su muerte hasta la década de 1980, y que sólo ahora, en la era moderna, ha sido redescubierto, tanto en el mercado como en términos de exposiciones. En los últimos años se han celebrado exposiciones en Barcelona, Londres, Múnich, París y Cracovia. Las últimas presencias importantes en Italia se remontan a las Bienales de Venecia de 1903 y 1932 y a la Exposición Internacional de Roma de 1911; por ello, gracias a la sensibilidad del comisario Paolo Bolpagni, una selección de las atmósferas nórdicas de este pintor vuelve ahora a Italia y se expone en Rovigo, en el Palazzo Roverella.

Un total de catorce de las ochenta y cuatro obras de Hammershøi en Hammershøi e i pittori del silenzio tra il Nord Europa e l’Italia (Hammershøi y los pintores del silencio entre el norte de Europa e Italia), título de la actual exposición en Rovigo, merecen una visita, teniendo en cuenta además que en Italia sólo se conserva una obra de Hammershøi. En Italia sólo se conserva una obra del artista, un autorretrato de 1913 donado en 1920 a las Galerías Uffizi por su esposa Ida (que desgraciadamente no se llevó a la exposición), y para ver las que aquí se exponen normalmente habría que viajar a Hamburgo, Copenhague, Estocolmo, Odense o París. Sin embargo, quien esto escribe hubiera preferido poder admirar una selección aún más amplia de cuadros de Hammershøi, incluyendo más de sus típicos interiores, como Interno. Strandgade 30 del Museo Städel de Fráncfort del Meno, Interior con mujer al piano, Strandgade 30 de una colección privada o Rayos de sol o luz del sol. Granos de polvo bailando bajo los rayos del sol, del Ordrupgaard de Charlottenlund, y algunos retratos como Retrato de mujer joven, que no es otra que Anna, la hermana del artista, e Interior con joven leyendo (Svend Hammershøi), ambos conservados en el Hirschsprung Samling de Copenhague, reduciendo quizás la última sección dedicada a los paisajes silenciosos creados en los años en que vivió Hammershøi, a finales del XIX y principios de la década de 1920, por artistas franceses, belgas e italianos.

Por otra parte, tenemos el placer de admirar su primer Interiør sin figuras, de 1888, titulado La puerta blanca (Interior con estufa vieja), en el que una puerta blanca abierta constituye la transición de una habitación poco iluminada con una estufa a un pasillo luminoso dominado por otra puerta blanca, en este caso cerrada; una transición, por tanto, de la sombra a la luz, que es, sin embargo, unaluz nórdica, tenue y tenue. También se expone el famoso Hvile (Descanso) de 1905, que forma parte de las colecciones del museo de Orsay desde 1996: el cuadro, que representa a la esposa sentada en una silla de espaldas, con el pelo recogido, la nuca descubierta y la blusa mimetizada con el color de la pared hacia la que mira, en contraste con el blanco del recipiente en forma de flor situado en el centro del mueble junto al sujeto retratado, formaba parte de los trece lienzos de la colección de Alfred Bramsen, coleccionista y afectuoso seguidor del artista, con el que Hammershøi participó a distancia en laExposición Internacional de Roma de 1911. Estuvo entre los diez ganadores del primer premio y recibió diez mil liras. Y de nuevo tenemos la oportunidad de admirar el único cuadro de Hammershøi de tema italiano , ahora en el Kunstmuseum Brandts de Odense, que es una vista del interior de la basílica de Santo Stefano Rotondo en Roma, una iglesia paleocristiana en el Celio, caracterizada por una planta central con columnas jónicas arquitrabadas que sostienen el tiburón. Hammershøi y su esposa Ida viajaron a Roma en octubre de 1902: se sabe que el artista se sentía atraído sobre todo por la arquitectura antigua, mientras que prestaba poca atención a Rafael, Miguel Ángel y las obras del Barroco. Le llamó la atención Santo Stefano Rotondo y, tras haber obtenido permiso para trabajar en el interior de la basílica y haber estudiado el encuadre en un dibujo a lápiz conservado en la Pierpont Morgan Library, comenzó a pintar, decidiendo abandonar la vista frontal por un punto de vista lateral, desplazado hacia la derecha, con cuatro columnas en primer plano. La luz aquí es notablemente cálida y suave.

Pero prosigamos por orden. La exposición comienza con una sección dedicada a la educación de Hammershøi: el estudio al carboncillo de un desnudo masculino visto de espaldas que abre la sección y la exposición es probablemente el resultado de las lecciones en la Escuela de Estudios Independientes para Artistas a la que el joven Hammershøi comenzó a asistir después de laReal Academia Danesade Bellas Artes, que tenía una larga tradición académica. Sin embargo, hay que señalar que su acercamiento al dibujo se remonta en realidad a la tierna edad de edad de ocho años y cómo su educación artística temprana fue financiada en particular por su madre Frederikke, que le dio lecciones de dibujo y pintura de algunos de los grandes nombres de la escena artística danesa de la época, entre ellos Niels Christian Kierkegaard, primo del famoso filósofo y alumno de Christoffer Wilhelm Eckersberg, que como importante exponente del Neoclasicismo había dejado a sus herederos una predilección particular por el estudio del desnudo pero con el uso de modelos reales y vivos. De hecho, Vilhelm procedía de una familia de clase media alta y culta, por lo que tuvo la suerte de cultivar y dar rienda suelta a sus dotes artísticas sin problemas económicos, tanto a nivel privado como en importantes instituciones. Y si en la Real Academia recibió un enfoque más tradicional, en la Escuela de Estudios Independientes también tuvo la oportunidad de abordar un arte que miraba fuera de Dinamarca, especialmente a Francia y París: Entre sus maestros estaba Peder Severin Krøyer, uno de los principales exponentes de la Escuela de Skagen, una especie de declinación escandinava del impresionismo francés pero sin la fragmentación del color en pequeñas pinceladas; entre los elementos apreciados por Krøyer estaba precisamente el motivo del rayo de luz que entra por la ventana y atraviesa la composición, como se encuentra en muchas de las obras de Hammershøi. Volviendo al Estudio de un desnudo visto de espaldas, el dibujo revela la habilidad de Vilhelm para retratar un cuerpo juvenil de manera realista, conservando al mismo tiempo la fragilidad de la juventud. También es digno de mención cómo aparece tempranamente el tema del sujeto retratado de espaldas, tema que se encontrará a menudo en su obra, especialmente la dedicada a los interiores con personas, donde la persona es casi siempre su esposa Ida. Otra influencia importante en la formación de Hammershøi, gracias a un viaje a los Países Bajos y Bélgica a la edad de veintitrés años, fue el conocimiento directo y el estudio de los pintores holandeses y flamencos del siglo XVII y de la Escuela de La Haya del siglo XIX, caracterizada por la pintura de género con un enfoque intimista y temas domésticos, con mujeres dedicadas a la lectura, la costura, tocando instrumentos musicales (figuras también muy queridas por Hammershøi), y colores sobrios. En esta sección, por ejemplo, hay obras de Gerard ter Borch, Johan Hendrik Weissenbruch, Bernard Blommers y Jan Jacob Schenkel, que tienen en común la representación de interiores con personas concentradas en sus actividades. También hay un gran cuadro, con un árbol en primer plano, del hermano menor de Vilhelm , Svend, que también se hizo pintor pero, a diferencia de su hermano, también ceramista: lo que llama la atención, sin embargo, es el esquema cromático predominante, casi un monocromo con tonos marrones y grises.

Seguimos con los interiores domésticos sin presencia humana representados por Hammershøi, entre ellos el ya mencionado primero de sus Interiør, La puerta blanca, y Luz de sol en el salón III, donde la tenue claridad del sol del norte de Europa se filtra tímidamente por una ventana hasta la habitación, creando ligeras sombras y sombreados, pero sin hacer visible esa ventana (sólo se aprecia su forma reflejada en la pared). Los interiores representados en Luz de sol en el salón III, como en Interior, Strandgade 30, y como en la mayoría de sus escenas de interior que también aparecerían en su producción con figuras, son los del piso del número 30 de Strandgade, una de las calles principales del barrio Christianshavn de Copenhague, donde Vilhelm e Ida vivieron de 1898 a 1909. Son obras en las que las líneas de las paredes desnudas, el mobiliario esencial, un sofá y sillas solitarias apoyadas en las paredes, las miradas sesgadas que crean geometrías entre una librería, un mueble, una puerta, un armario y un busto, representan, como escribe Bolpagni, “el pequeño mundo burgués de Hammershøi, que se detiene en los fragmentos de lo ordinario, donde se esconde una belleza inesperada, y que, en un filosófico ”elogio de la ausencia“, ha elegido ”cultivar su propio jardín“, encontrando en él todo lo que necesita”, denotando al mismo tiempo una cuidadosa atención a lo que el propio artista denominó “el carácter arquitectónico del cuadro”. En una entrevista concedida en 1907 a la revista danesa Hver 8. Dag concedida en 1907, Hammershøi afirmaba: “Lo que me hace elegir un tema suelen ser sus líneas. Y luego, por supuesto, la luz, que importa mucho. Pero lo que más me gusta son las líneas”. Los tres interiores de Hammershøi se comparan aquí con los dos interiores representados por el francés Charles-Marie Dulac (París, 1865 - 1898) y el belga Georges Le Brun (Verviers, 1873 - Stuivekenskerke, 1914), en los que, aunque se centran en los elementos esenciales del mobiliario, hay una luz completamente diferente en un caso y una minuciosa representación de los detalles en el otro. También en esta sección se comparan las escenas interiores del pintor danés, a través de dos vídeos sobre estructuras de suelo, con escenas de la película Gertrud (1964), de Carl Theodor Dreyer, ya que se observaron paralelismos entre los encuadres, los patrones compositivos y las atmósferas suspendidas de los cuadros y la película.

Al principio uno se preguntaba de cuántas maneras diferentes puede representarse el silencio en un cuadro. La sección inmediatamente siguiente, inevitablemente vinculada a la que acabamos de describir, parece responder a esta pregunta, y es también uno de los objetivos declarados de la exposición “identificar, mediante comparaciones entre sus cuadros y los de otros artistas de su época y de la generación siguiente, una poética que sitúa el tema del silencio en el centro”. Como ya se ha dicho, la de Hammershøi es una poética del vacío y de la luz, donde el vacío no es la nada, sino la ausencia de personas, y donde hay personas, es la ausencia de acción, de gestos, para dejar espacio al silencio, a la quietudeliminando cualquier aspecto narrativo, y donde la luz nunca es síntoma de una atmósfera serena, tersa, sino más bien sofocada, tendente a lo melancólico, que si acaso es síntoma de una atmósfera inquieta que emana de una calma aparente. Así, su Interior con sofá de 1907 se compara en esta ocasión con los pintores que se inspiraron en él en Dinamarca, pero también en Italia y en la zona franco-belga: elInterior confortable y cálidamente iluminado de Carl Holsøe (Aarhus, 1863 - Roma, 1952), su amigo y compañero de Academia, la extravagante obra de Henri-Eugène Le Sidaner (Port Louis, 1862 - París, 1939), las obras de Giuseppe Ar (Lucera, 1898 - Nápoles, 1956), el italiano más cercano a las composiciones de Hammershøi por las puertas y ventanas a menudo blancas, pero iluminadas por una luz cálida que expresa la tranquilidad doméstica tranquilidad doméstica, el melancólico y resignado interior de Orazio Amato (Anticoli Corrado, 1884 - Roma, 1952) y el evocador convento de Sant’Anna en Orvieto de Umberto Prencipe (Nápoles, 1879 - Roma, 1962); y de nuevo, el Roma, 1962); y de nuevo, el inquietante interior de Xavier Mellery (Laken, 1845 - Bruselas, 1921) y el opresivo interior de un molino de Charles Mertens (Amberes, 1865 - Calverley, 1919). Las comparaciones continúan en la sección siguiente, dedicada a los interiores con figuras, con artistas todos ellos contemporáneos suyos: los dos cuadros de Hammershøi, que ven en un caso a una mujer leyendo y en el otro a una mujer barriendo el suelo (aquí la referencia al arte holandés y flamenco es clara, pero con una atmósfera completamente diferente, ya que no hay la sensación de expectación y suspensión por posibles ansiedades secretas como en las del danés), se comparan con Soledad y Mujer con frutero, de Carl Holsøe, con Esperando invitados, de su amigo y cuñado Peter Vilhelm Ilsted (Sakskøbing, 1861 - Copenhague, 1933), con La signora Ojetti al pianoforte de Oscar Ghiglia (Livorno, 1876 - Prato, 1945) en la que se observan las sombras en el vestido y en la librería y los reflejos en la superficie pulida del piano, la atmósfera nocturna e inquietante del grabado Luz y sombras del simbolista sueco Tyra Kleen (Estocolmo, 1874 - 1951) comparada con un interior nocturno de Hammershøi, y el misterioso Hombre que pasa de Georges Le Brun.

De los interiores pasamos a los retratos: Hammershøi era contrario a retratar temas de encargo, ya que pensaba que un retrato presuponía un conocimiento cercano de la persona a retratar, por lo que sus retratos se limitaron a su madre, esposa, hermana, hermano y amigos íntimos. Aquí, su esposa Ida Ilsted aparece retratada nada menos que en tres cuadros, a saber, el retrato frontal de la entonces todavía prometida, caracterizado por la mirada ausente y soñadora de la joven y una chaqueta cuyo color se funde con el fondo(Rainer Maria Rilke quedó tan impresionado por esta obra expuesta en 1904 en Düsseldorf en 1904 que decidió ir a Copenhague para conocer al artista), el ya mencionado Hvile (Descanso) flanqueado por el retrato de la esposa de Oscar Ghiglia vista de espaldas mientras toca el piano, y el Doble retrato del artista y su esposa vistos a través de un espejo, que ejemplifica el tema de la incomunicación. Además, está el retrato de Henry Bramsen, el violonchelista hijo de su amigo, coleccionista y mecenas Alfred. Habría estado bien poder admirar en esta sección el retrato de su hermana Anna y de Interior con un joven leyendo (Svend Hammershøi), pero en su lugar pasamos al silencio del paisaje, empezando por el ya mencionado único cuadro de tema italiano de Hammershøi y continuando con la representación de la ciudad. Su última obra en la exposición es, de hecho, la representación del palacio de Christiansborg, uno de los edificios más famosos de Copenhague, inmerso en una atmósfera amortiguada, sin presencia humana y con una luz dominante que tiende al gris, luego, como escribe el comisario, “el discurso se amplía a vistas urbanas desiertas, nocturnos desolados, ’paisajes del alma’ y ’ciudades muertas’, que tanta fortuna tuvieron en Francia, Bélgica e Italia en los años en que Hammershøi vivió allí: una nueva declinación de ese sentimiento esquivo y enigmático, sutilmente angustiado, que encontramos en su producción”. Así pues, se ha optado por ampliar el concepto de silencio, en opinión de la escritora a veces incluso forzando un poco sus límites, para incluir obras que reflexionan más sobre los temas del vacío y el silencio que sobre la visión particular de Hammershøi, el pintor al que está dedicada la exposición. Ahí están las Brujas de Fernand Knopff y Henri-Eugène Le Sidaner, las visiones nocturnas de Émile-René Ménard, los tejados de París de Charles Lacoste o el Jardín de Luxemburgo de Eugène Grasset, la Venecia nocturna de William Degouve de Nuncques, los grabados de Umberto Prencipe y una serie de vistas urbanas y marítimas de La Haya y Amberes de Vittore Grubicy de Dragon. Y de nuevo, bajo el signo de las Ciudades del silencio de Gabriele d’Annunzio, los nocturnos de Mario de Maria, Giuseppe Ugonia, Domenico Baccarini y Raoul Dal Molin Ferenzona. Para concluir con la última sección dedicada a los paisajes silenciosos y a otros “artistas del silencio” que, entre finales del siglo XIX y principios de los años veinte, produjeron obras “impregnadas de una inmovilidad melancólica y absorta”: Así, Alphonse Osbert con sus figuras femeninas inmersas en el paisaje, Charles-Marie Dulac con sus destellos místicos, Giuseppe Ugonia con sus litografías arcádicas, Mario Reviglione con sus atmósferas crepusculares, Umberto Moggioli con sus meditaciones en lugares solitarios, Giulio Aristide Sartorio con sus arquitecturas inmersas en el verde, los paisajes desolados de Onorato Carlandi y Napoleone Parisani y las vistas de Enrico Coleman y Pio Bottoni.

Ante todo este abanico de artistas, la mirada del visitante se desvía quizás a veces de lo que debería ser el protagonista principal de la exposición, dado también que se trata, como se ha dicho, de la primera gran presencia en Italia en la era moderna de un núcleo de obras del artista danés reunidas.

Está bien realizado el catálogo, que recorre fielmente la exposición con todas las obras presentes (faltan, sin embargo, las obras individuales), y dedica ensayos a los diversos aspectos de la poética de Hammershøi, desde los temas a los lugares, las figuras femeninas, la relación con Italia y la fortuna de su arte.

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