Cuando las marionetas son arte y vanguardia. Su historia expuesta en Reggio Emilia

En una época dominada por las redes sociales, las nuevas tecnologías y la emergente inteligencia artificial que ya está creando profundos debates tanto sobre su papel como sobre la necesidad o no de la presencia humana en determinados ámbitos, quién sabe si las nuevas generaciones siguen sintiendo fascinación por los títeres y las marionetas. Recuerdo que cuando era niño, muy a menudo en las noches de verano, en compañía de mis padres, asistía a fantásticos espectáculos de títeres y marionetas que, movidos por las hábiles manos de titiriteros o marionetistas, montaban historias con choza y castillete ante las que yo permanecía mágicamente encantado y embelesado. Hoy en día cada vez vemos menos espectáculos de este tipo, casi están desapareciendo, y creo que esto es malo para la sociedad actual, porque resta a las nuevas generaciones ese sentido de la magia que anima aquel mundo y hace que cada vez estén más privados de esa buena imaginación y creatividad que hace que hasta la más insignificante botella de plástico o una bolsa de papel cualquiera se conviertan en personajes de una historia fantástica. Una sensibilidad que ha movido a la Fondazione Palazzo Magnani a realizar la exposición Títeres y vanguardia. Picasso, Depero, Klee, Sarzi, hasta el 17 de marzo de 2024, comisariada por James M. Bradburne, en el Palazzo Magn ani de Reggio Emilia. Sin embargo, la idea de que, dado el tema, se trata de una exposición dirigida únicamente a los niños no debe inducir a error: aunque lúdica, colorista y agradable de visitar, la exposición se centra en temas como las grandes vanguardias de principios del siglo XX, sus artistas y el teatro. Los visitantes más jóvenes disfrutarán sin duda descubriendo las creaciones más extrañas nacidas de la imaginación de los artistas y vivirán esta exposición como un descubrimiento lúdico; los adultos probablemente recorrerán esta exposición con un sentimiento de nostalgia que les transportará a su infancia, pero sobre todo tendrán la oportunidad de conocer la historia de los títeres y las marionetas a lo largo del siglo XX.

Se trata, por tanto, de una exposición que fascinará a todos, grandes y pequeños. ¿Quién dijo que los títeres y las marionetas son sólo cosa de niños? Baste decir, y este es uno de los principales objetivos de esta exposición, que los artistas de principios del siglo XX, en lugar de considerar los “títeres” como meros juegos infantiles, vieron en ellos un gran potencial, partiendo de la curiosidad de la juventud, tanto para imaginar un mundo mejor a través de las mismas representaciones como instrumentos de cambio social en las revoluciones que marcaron la primera mitad del siglo. La reapropiación de títeres y marionetas por parte de las vanguardias europeas a principios del siglo XX se sitúa, por tanto, en el contexto del periodo histórico, en el sentido de que, a excepción de las tradiciones indígenas, los artistas a menudo realizaban estas creaciones precisamente para presentar la sociedad en la que vivían, con la intención de romper esa frontera entre el arte y la vida; para criticar las condiciones políticas y sociales y tal vez imaginar un mundo mejor, difundiendo así estas ideas a través de nuevos modos de expresión visual, como una especie de juego creativo que, sin embargo, conllevaba significados más profundos y actuales.

Recorriendo las salas de la exposición y sus secciones, claramente marcadas por las diversas experimentaciones que tuvieron lugar durante las primeras décadas del siglo XX y por sus protagonistas, se emprende en realidad, como afirma el Presidente de la Fondazione Palazzo Magnani Maurizio Corradini, “un viaje en el tiempo y en el espacio a través de las experimentaciones de artistas visionarios” y a través de “las principales tradiciones europeas del teatro de figuras del siglo XX”. De hecho, cada sección explora una época y un lugar concretos de las primeras décadas del siglo XX, así como el modo en que el teatro se transformó de una representación dominada por actores a una forma de arte total creada por directores vanguardistas.

Comienza con cuatro trajes a tamaño natural (entre ellos Le prestidigitateur chinois y el Manager américain) diseñados por Pablo Picasso para Parade, un ballet coreográfico sin argumento, puesto en escena por los Ballets rusos de Sergej Djagilev en París en 1917, que era una especie de desfile de artistas de feria que daban cada uno una muestra de su número. Pasamos al futurismo de los años 20 de Fortunato Depero con sus Balli plastici, que ponían en escena formas de madera en movimiento acompañadas de música que representaban animales (entre los más famosos, el gato negro, el gallo, ratones), o personajes como la marioneta blanca y el salvaje rojo, creados con la ayuda de su amigo y mecenas Gilbert Clavel, para celebrar el puro gesto del movimiento, en plena moda futurista, con la eliminación también del actor. Las marionetas de Depero se presentaron por primera vez en el Teatro Odescalchi de Roma en abril de 1918. Las originales se destruyeron al cabo de unos años, pero los diseños acabaron en Rovereto cuando el propio Depero abrió su Casa d’Arte Futurista en la ciudad trentina en 1919. Fueron reconstruidas en 1981 siguiendo los diseños del artista y ahora se conservan en el Mart de Rovereto, de donde proceden las que se exhiben en la exposición. Luego están las diez marionetas futuristas de Enrico Prampolini realizadas en 1922, que representan tanto caricaturas de personajes que en aquella época desempeñaban importantes papeles políticos y culturales, como Gabriele d’Annunzio, Giovanni Giolitti, el rey Vittorio Emanuele III, Benito Mussolini, Dina Galli (la única marioneta femenina) como conceptos, como el mundo o el fascismo.

Una sección está dedicada a las marionetas clásicas javanesas talladas en cuero, conocidas como Wayang, del llamado Teatro de las Sombras, que se utilizaban en las fiestas de las aldeas, los rituales comunitarios o los pasajes y desempeñaban así un importante papel en la magia adivinatoria y la oratoria política. Muy apreciados aún hoy, aparecieron en Europa a finales del siglo XIX gracias a comerciantes y viajeros en la estela del gusto por Oriente; desde 2003, están protegidos por la UNESCO como patrimonio cultural inmaterial indonesio y obra maestra de la tradición oral e intangible de la humanidad. El bohemio Richard Teschner, considerado uno de los mayores innovadores del teatro de marionetas del siglo XX, se inspiró en el principio del movimiento del Wayang, movido por varillas desde abajo (una varilla principal sostenía la figura, mientras que otras varillas permitían el movimiento de las demás partes, por ejemplo, las extremidades), al tiempo que daba un vuelco al proceso tradicional de animación de marionetas. Su teatro de marionetas tomó forma en torno a la Wiener Werkstätte: las figuras talladas en madera se vestían con telas de la Wiener Werkstätte o se pintaban con motivos ornamentales como los del arte popular de Egerland, creando así una simbiosis entre las tradiciones culturales orientales y el mundo pictórico europeo. El de Teschner es un teatro sin lenguaje, que se reduce a gestos, y que él mismo plasma porque “la marioneta es una estructura sin vida mientras cuelga en la caja del titiritero, pero en cuanto la toma en sus manos y la conduce por cables o mediante varillas a pequeños y refinados escenarios, experimenta una extraña animación y una vida propia casi inquietante”. En la exposición pueden verse algunas de sus marionetas, como la hermosa Nawang Wulan y las extrañas criaturas de aspecto casi alienígena Zipzip y el Amarillo.

Y luego están las marionetas de la suiza Sophie Taeuber, esposa del artista franco-alemán Jean Arp: en 1918 se le pidió que diseñara las marionetas y los decorados para el texto de la commedia dell’arte Re Cervo, de Carlo Gozzi, adaptado por Werner Wolff y René Morax, que este último convirtió en una parodia del psicoanálisis de Freud. Luego están las marionetas “sonoras” del Rey Deramo, los Guardias, el Ciervo, el Dr. Komplex, el Loro, que también se presentan en movimiento en una producción de vídeo visible en la misma sección de la exposición.

A continuación pasamos a la Bauhaus de Weimar de los años veinte, cuyos protagonistas en el uso de figurines-marionetas (influidos por el redescubrimiento de la obra de Heinrich von Kleist, El teatro de marionetas de 1810) fueron Lothar Schreyer, primer director del taller de teatro de la Bauhaus (de 1921 a 1923) y su sucesor, Oscar Schlemmer (de 1923 a 1929). Figuras geométricas como la Mujer lujuriosa, elHombre lujurioso y elÁngel del nacimiento para el espectáculo de marionetas Geburt de Schreyer, cuyos planos se conservan, como podemos ver en la exposición, y el Ballet triádico de Schlemmer representado por primera vez como acto culminante de las celebraciones de la Semana de la Bauhaus en agosto de 1923, con trajes escultóricos de cuerpo entero que transformaban a los bailarines en marionetas estilizadas. Se trataba en realidad de un antiballet, una danza sinfónica sin argumento dividida en tres secciones, de allegro a serio.

Paul Klee, profesor de la Bauhaus, también realizó una serie de marionetas y un teatro de títeres para su hijo Felix. Klee llevó a su hijo, que entonces tenía ocho años, al teatro de marionetas del mercadillo Auer Dult de Múnich: allí, éste quedó tan fascinado por el travieso y pugnaz personaje de Kasperl que, como regalo de cumpleaños, su padre creó una serie de marionetas artesanales de los personajes del espectáculo que habían visto juntos, y Felix llegó a representar verdaderas obras domésticas para familiares, amigos e invitados.

Seguimos con lavanguardia rusa: artistas como El Lissitzky y Nina Efimova encontraron en las marionetas y los títeres la libertad que a menudo faltaba en medios más convencionales. Lissitzky diseñó sus figuras principalmente para presentar el brillante futuro del proletariado internacional, transmitiendo una idea de la nueva sociedad y el nuevo arte a través de imágenes abstractas. Estas figuras se componen de varias piezas que adoptan la apariencia de máquinas en movimiento en lugar de cuerpos humanos, y cada personaje tiene la forma del trabajo que realiza, por ejemplo, elAnunciador incluye un megáfono que emite los sonidos de las estaciones de ferrocarril, el rugido de las cataratas del Niágara y el golpeteo de las acerías; el Errante tiene un cuerpo en forma de hélice, que simboliza el avión en el que viaja. Los cuerpos de los Enterradores son ataúdes abstractos con cruces. Pero es elHombre Nuevo quien encarna plenamente un mensaje político, difundiendo la idea de que el hombre futuro es comunista, como su visión (el ojo izquierdo está formado por la estrella roja soviética); el propio Lissitzky afirmaba que “el sistema comunista de vida social está creando un hombre nuevo: de pequeña e insignificante rueda de una máquina, se ha convertido en su capitán”.

Por último, bocetos, carteles y proyecciones rinden homenaje a una de las pioneras del teatro experimental para niños: la pintora y titiritera Nina Efimova. En el incipiente Estado soviético dirigido por Lenin y su esposa, los títeres se convirtieron en una excelente herramienta para combatir el analfabetismo generalizado y educar al nuevo ciudadano soviético, y con esta idea en mente, artistas como Efimova utilizaron los títeres como medio de propaganda para atraer a las masas desde la infancia. Los personajes eran, por tanto, estereotipados y fácilmente identificables, y a menudo encarnaban tipos políticos y sociales. Una de sus creaciones más famosas es la marioneta rusa Petruška (la vemos en la exposición sentada en un banco esperando compañía): Nina la llevaba a todas partes, en las numerosas representaciones que hacía en fábricas, escuelas, círculos obreros y en las calles de Moscú junto a su marido Ivan (con los Efimova, la popularidad de las marionetas de feria creció enormemente).

La exposición concluye con una sección dedicada al titiritero de Reggio Emilia Otello Sarzi (Vigasio, 1922 - Reggio Emilia, 2001). Primero fue un joven ayudante en la compañía ambulante de la familia, y en los años 50 comenzó una colaboración con Gianni Rodari, fabricando máscaras para los niños que interpretaban los personajes de las historias del escritor. A partir de entonces, Sarzi se dedicó exclusivamente al teatro de marionetas, dramatizando a Alfred Jarry, Samuel Beckett y Bertolt Brecht, y realizando grandes figuras con técnicas innovadoras y materiales reciclados como gomaespuma, botellas de agua, latas e hilos. En 1957 fundó en Roma el T.S.B.M. - Teatro Stabile di Burattini e Marionette. En 1969, se trasladó con algunos miembros de la compañía a Reggio Emilia y, ese mismo año, Sarzi y sus colaboradores del T.S.B. empezaron a trabajar en centros preescolares con Gianni Rodari, Loris Malaguzzi y profesores, colaborando en el proyecto de una nueva pedagogía para la infancia. Se exponen muchas de sus marionetas, entre ellas Angoscia, un personaje que se expresaba con gestos expresionistas y representaba la angustia del hombre contemporáneo en la sociedad industrial. Este último homenaje es en realidad una de las principales intenciones de la exposición, que se propuso valorizar el legado teatral experimental de Otello Sarzi poniéndolo en diálogo con las principales tradiciones europeas del teatro de figuras del siglo XX, ilustradas hasta ahora.

La idea de acompañar la exposición con representaciones de la Compagnia marionettistica Carlo Colla de Milán y de laAssociazione 5T de Reggio Emilia fue hermosa y singular, para que los visitantes pudieran vivir un momento de representación de teatro de figuras. Una exposición, por tanto, que merece la pena visitar para redescubrir la fascinación que, por desgracia, casi se ha perdido hoy en día por el mundo de los títeres y las marionetas y para conocer su historia a lo largo del siglo XX.

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