Gucci y la prostitución del arte

Una de nuestras lectoras, Ornella Spada, nos ha enviado una respuestaal editorial de Tomaso Montanari publicado el 5 de abril en su blog Articolo 9: el tema era el proyecto “Primavera di Boboli”, la restauración del Jardín que ha sido posible gracias a una donación de la casa de moda Gucci, que organizará un desfile de moda en el Palazzo Pitti el 29 de mayo. Como redacción de Finestre sull’ Arte, queremos dejar claro que no estamos de acuerdo con el contenido del artículo y nos desmarcamos de él: sin embargo, nuestro sitio, en su tradición de acogida y fomento del pluralismo, está notoriamente abierto a todas las contribuciones de quien desee participar en los debates sobre el estado del patrimonio cultural en nuestro país. La autora de la siguiente contribución, Ornella Spada, es licenciada por la Universidad de Columbia y ha trabajado en el Guggenheim de Nueva York y en la Galería Gagosian.

El proyecto de la primavera de Boboli

“Florencia prostituta” es el título con el que Tomaso Montanari, historiador del arte, profesor de Historia del Arte Moderno en la Universidad de Nápoles Federico II y columnista, comenta en el blog Articolo 9 de Repubblica el acuerdo entre Gucci, el Ayuntamiento de Florencia y las Galerías Uffizi. El director general de la famosa casa de moda Marco Bizzarri, junto con el director de las Galerías Uffizi Eike Smidt, el alcalde Dario Nardella y el ministro Dario Franceschini, anunciaron la donación de 2 millones de euros al museo para la restauración y valorización de los Jardines de Boboli. A cambio de la donación, Gucci ha obtenido la concesión de la Galería Palatina del Palazzo Pitti para el desfile de moda que se celebrará el 29 de mayo.

Tomaso Montanari critica amargamente la actitud abierta de las instituciones italianas y defiende la mantenida por Grecia ante la petición de la casa de moda de utilizar el Partenón para el mismo evento. El Consejo Arqueológico Central de Grecia había rechazado perentoriamente la concesión de la Acrópolis de Atenas a Gucci.

“Jodido” es también el adjetivo que el historiador del arte utiliza para el Palacio Pitti, definido como “el museo más jodido de Italia, con despedidas de soltero de millonarios, préstamos impuestos por la política, exposiciones de diseñadores, no es un proyecto cultural, sino de prostitución, ”aquí estamos ante grandes multinacionales que utilizan los bienes comunes como lugares para vender mejor sus productos".

La postura un tanto romántica y agresiva del profesor no reconoce algunos de los aspectos más realistas que siempre han pertenecido al mundo del arte, y que siempre le han visto acercarse al mundo de la economía y las finanzas. Intentaré desmontar el discurso del historiador en sus puntos más destacados.

Montanari lo llama muckraking, pero lo que está ocurriendo en la Galería Palatina es la dirección que están siguiendo todos los lugares de cultura del mundo, desde el Louvre de París hasta el Met de Nueva York. Los museos se están convirtiendo en entidades líquidas donde el arte se cruza con múltiples y variadas iniciativas culturales y comerciales. Hay varias razones para ello, una de las cuales es económica: los museos de otros países no disfrutan de financiación pública (ni mucho menos como en América, o muy poco como en algunos países europeos) y desde hace años inventan sistemas de autofinanciación para evitar cerrar sus presupuestos en números rojos y fomentar la innovación y la cultura. De ahí el fomento de una fuerte política de merchandising, branding y relaciones públicas con el alquiler de espacios especiales para eventos de gala y recaudación de fondos. El hecho de que el balance de un museo sea positivo y haya márgenes significa que puede haber inversiones: esto significa, por ejemplo, la promoción de jóvenes artistas, inversiones en tecnología para un mejor disfrute, por ejemplo, de las obras de arte con los consiguientes beneficios educativos para los visitantes de todas las edades, desde niños a adultos, y sobre todo más oportunidades de empleo para los jóvenes. Si el precio que hay que pagar por todo esto es un desfile de moda de Gucci, creo que el problema radica más bien en no haberlo pensado antes, y en no haber intentado hace tiempo promover una afiliación con las casas de moda italianas para conseguirlo todo, esos 56 millones que ingenuamente rechazó Grecia[nota del editor: cifra desmentida posteriormente por Gucci].

El profesor prosigue: “Es una especie de autoglorificación del presente, subiéndose a los hombros del pasado: autopromoción barata, a través de una falsificación histórica. Y si en Pitti encontramos las mismas prendas que pueblan los escaparates de las calles que hemos recorrido para llegar al museo, ¿qué hemos hecho? Lo que está en juego no es la dignidad del arte, sino nuestra capacidad para cambiar el mundo. El patrimonio cultural es una ventana a través de la cual podemos entender que existió un pasado diferente y que, por tanto, también será posible un futuro diferente. Pero si lo convertimos en un espejo más en el que reflejar nuestro presente reducido a una sola dimensión, la económica, hemos enfermado la medicina, hemos envenenado el antídoto. ¿Y qué ”diálogo“ puede haber entre la ropa de Gucci y los retablos de Andrea del Sarto, o las Madonnas de Rafael?”.

La combinación “moda y museos”, que suena tan escandalosa a los ojos del profesor, es una práctica habitual en los grandes museos del mundo. Se repite cada temporada entre París y Nueva York, basta con mencionar el desfile de Proenza Schouler en el Museo Whitney en febrero de 2016 o el de Louis Vuitton en el Louvre de París el pasado marzo, por poner dos ejemplos. En la capital francesa, el Palais Galliera se convertirá en 2019 en el primer museo permanente de la moda del país gracias al valioso apoyo de la Maison Chanel. La moda no sólo es una de las fuentes de sustento más lucrativas para las instituciones culturales desde tiempos inmemoriales (los diseñadores más famosos son coleccionistas y filántropos: basta pensar en Miuccia Prada, Yves Saint Laurent y Dries Van Noten), sino que también es objeto de algunos de los proyectos curatoriales más célebres del arte contemporáneo, como “Azzedine Alaïa: Couture/Sculpture” en la Galleria Borghese de Roma, o la dedicada al modisto Alexander McQueen, “Savage Beauty”, celebrada primero en el Met de Nueva York y trasladada después al Victoria and Albert Museum de Londres. En la capital británica, la muestra vendió más de 480.000 entradas y fue una de las más populares de la historia del museo, que se vio “obligado” a trabajar las 24 horas del día para satisfacer la gran demanda del público.

Este tipo de contaminación, que Montanari denomina muckraking, está respaldada y promovida por las más destacadas tesis curatoriales modernistas y contemporáneas. Alexander Dorner, Hans Ulrich Obrist y Okwui Enwezor son algunos de los muchos comisarios que apoyan la teoría de que la tecnología y la globalización han anulado las distancias entre los distintos campos del conocimiento, y el hecho de que el arte no pueda distinguirse de otras expresiones creativas como el diseño, la moda, la arquitectura y el cine, y el videoarte, por su parte, es una confirmación de ello. La idea del profesor de que el museo es un lugar polvoriento donde el arte se consagra como verdad absoluta para comprender un pasado y un futuro diferentes es bastante inexacta. En primer lugar, porque el arte no sería arte si no reflejara lo que somos: de hecho, el alto valor de la expresión artística reside en la representación de la condición humana en su esencia (tanto baja como alta). En segundo lugar, el arte siempre ha tenido una dimensión económica. Las más grandes obras de arte nunca habrían existido si no hubiera existido un mecenazgo que promoviera el talento artístico y financiara la creación de obras de arte. Un ejemplo de todos es Miguel Ángel y el combativo mecenazgo y censura de sus obras por parte de la Iglesia. Este artículo no bastaría para enumerar los casos en los que el arte ha estado emparejado con personalidades del mundo de los negocios y las finanzas y con mujeres ricas y musas de la moda. ¿Qué habría sido del expresionismo abstracto si no hubiera existido Peggy Guggenheim, por ejemplo? La economía global actual sólo ha cambiado la forma y no el fondo de las cosas: el gran dinero influye en el valor de las obras de arte y convierte a los artistas en estrellas millonarias. De hecho, los expertos financieros consideran el arte uno de los activos más seguros, cuyo valor aumenta con el tiempo. No es casualidad que los mayores coleccionistas de arte sean hombres de negocios como Steve Cohen, fiel cliente y amigo de Larry Gagosian.

Negar esto es la falacia histórica que comete el profesor: enmarcar el arte como una entidad inmóvil y fija es como negar su capacidad intrínseca de reflejar la naturaleza humana. Es como negar la evidencia de que en los escaparates de los centros urbanos no sólo se exponen prendas de vestir, sino también obras de arte. Reconocer estas realidades históricas, culturales y económicas es fundamental para ver la conexión entre la ropa de Gucci y los retablos de Andrea del Sarto o las Madonnas de Rafael que el profesor niega pero que siempre ha existido.

Ornella Spada

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