Un Renacimiento brutal y verista. La Magdalena de Donatello

Dentro del espacio científica y racionalmente definido de la perspectiva renacentista palpita el alma inquieta del hombre con todas sus contradicciones, debilidades y opuestos. La lectura que Massimo Cacciari ofrece del Humanismo del siglo XV en su reciente colección La mente inquieta tiene en cuenta esa “impronta trágica” que se remonta al Secretum de Petrarca y a ciertas Epistulae : estos son los fundamentos del Humanismo de Alberti, que, escribe el filósofo, “constituye el contracanto necesario, y en modo alguno simplemente contradictorio, a las corrientes neoplatónicas”. Y Leon Battista Alberti es quien “da la voz más poderosa a contradicciones y conflictos que pertenecen a la trama más profunda y esencial de toda esta época”. La búsqueda de un lenguaje (que se exprese con palabras o con imágenes da lo mismo) capaz de transmitir toda la intrincada complejidad de la humanidad pasa, pues, inevitablemente por el infierno: "si eliminas su existencia, si la ignoras, si no pintas lo peor y sólo la imagen de la dignitas encuentra un lugar en tu pintura“, escribe Cacciari, ”no serás ni un buen filólogo ni un buen artista".

Alberti, como es bien sabido, es también el teórico de los “movimientos del alma”, que se transmiten al observador de una obra de arte a través de los movimientos del cuerpo: habla de ellos en su De Pictura. Forman parte del léxico del artista, son el medio por el que el pintor y el escultor traducen en imágenes todas las agitaciones interiores de las figuras que pueblan sus obras. La idea de Alberti se ha comparado a menudo con ciertas esculturas de Donatello, de las que podría proceder: el erudito alemán Andreas Tönnesmann ha escrito que el postulado de expresar los movimientos del alma a través de los del cuerpo, facilitando al observador la comprensión emocional de la escena, podría haber sido estimulado precisamente observando las obras del gran artista florentino. Para la carga con la que Donatello abruma la suavitas tardogótica y la medida ghibertiana, Cacciari tiene en mente elAbacuc ahora en el Museo del Duomo de Florencia, pero el anticlasicismo y el patetismo enérgico del Donatello más humanamente atormentado emergen quizá aún más brotan de una obra que el visitante del museo encuentra unas salas antes, la dramática Magdalena penitente, la escultura de madera que Donato de’ Bardi ejecutó a su regreso de su larga década en Padua, en 1453, quizá para el Baptisterio de Florencia, donde la escultura siempre ha estado históricamente atestiguada. Y donde permaneció hasta 1966, año de la inundación de Florencia: dañada, fue restaurada en el Opificio delle Pietre Dure y luego, desde 1972, expuesta en el Museo del Duomo.

La Magdalena de Donatello no es la joven y bella pecadora redimida del Evangelio: es la asceta de las leyendas medievales, huesuda y enjuta, sufriente, probada por muchos años de penitencia solitaria. Nunca antes de Donatello una imagen escultórica de la Magdalena había sido tan dramática y tan realista. Con toda probabilidad es, según escribió Arthur Rosenauer, “el primero en representar a María Magdalena [...] en toda su decrepitud”: La santa del artista florentino, esculpida en un solo bloque de madera de gattice (un material inusual para Donatello, difícil de modelar, anguloso y áspero, y por lo tanto adecuado para el tema), es una anciana que ha perdido casi todos sus dientes, una anciana con el rostro ahuecado, su cuerpo esquelético cubierto por una larga y espesa cascada de pelo sucio y desordenado, pero es Pero también es la santa que, a pesar de su sufrimiento, mientras se apoya inestable y desequilibrada sobre unas piernas que ahora parecen casi incapaces de soportar el peso de su cuerpo, no pierde la fe y aún consigue juntar las manos para dirigir una plegaria a su dios. Manos que se rozan sin tocarse: éste es el punto de apoyo de la obra maestra de Donatello, el elemento que da al espectador la impresión de estar ante un instante en pleno desarrollo, el detalle que revela la verdad de ese sentimiento, que lo hace vivo y eterno. Todo el tormento interior de la Magdalena de Donatello está en esta última súplica al Altísimo, expresada a través de un léxico fundado en el disenso entre el gesto de las manos, ese cuerpo macilento y esa expresión preñada de todas las aflicciones que la santa tuvo que soportar durante su existencia. Ya no hay una santa que parece indiferente a las privaciones del ayuno: hay una mujer que ha sufrido, que está visiblemente atormentada, pero que permanece firme en su fe.

Donatello, Magdalena (c. 1453-1455; madera en gattice, altura 185 cm; Florencia, Museo del Duomo)

Donatello había estudiado con presteza la estatuaria antigua y había acumulado una vasta cultura arqueológica que le permitió, a lo largo de su carrera, dedicarse también a obras animadas por fuertes tensiones expresionistas. En la Magdalena penitente, pues, uno se verá llevado a observar a contraluz las dudas y las angustias de un hombre de casi setenta años que, acercándose al final de su carrera y de sus días, sentía probablemente una cierta consonancia con el tema de su escultura, o al menos un cierto interés por la agitación interior de una persona que había llegado a los extremos de su vida terrenal. Pero Donatello es, ante todo, un artista que no cesa de cuestionar los límites de su lenguaje, y de buscar, para dar la idea con una observación de André Chastel, aquellos elementos “que sirven para intensificar la tensión de la forma plástica hasta los límites de lo ’terrible’”. Para Chastel, Donatello "amplía metódicamente el abanico de pasiones que pueden tener lugar en la obra esculpida y el movimiento es para él el elemento fundamental. Movimiento del cuerpo que se convierte, de hecho, en movimiento del alma. Incluso, y sobre todo, cuando el alma está desgarrada por el tormento.

Es un Donatello antigracioso, rayano en la violencia: “nunca Donatello había ido tan lejos en la representación de la decadencia física”, escribe Rosenauer. Un verismo brutal que sin duda disgustó a los muy serenos gibertinos, pero que también encontró favor: el Museo della Collegiata de Empoli alberga, por ejemplo, una Magdalena penitente de atribución incierta, recientemente asignada a Romualdo da Candeli por Rosanna Caterina Proto Pisani, esculpida pocos años después de la obra de Donatello. En la iglesia de Santa Trinita hay otra Magdalena, obra de Desiderio da Settignano, que recuerda a la escultura de madera de Donatello. También fue elogiada por Francesco Bocchi, que en 1591 la consideraba la estatua más bella del Baptisterio, y por Giorgio Vasari, que en sus Vidas hablaba de una “Santa María Magdalena de madera en penitencia, muy bella y muy bien hecha, consumida por el ayuno y la abstinencia, pues parece ser en todas sus partes una perfección de notomía, muy bien entendida para todo”.

Sin embargo, nunca nadie habría alcanzado el poder de Donatello, ni siquiera tocado antes por otros. Es la Magdalena más chocante de la historia del arte: Frederick Perkins, a principios del siglo XX, escribió que esta escultura provoca incluso un cierto sentimiento de repulsión. Es sin duda lo que sienten muchos estudiantes cuando hojean los manuales de historia del arte del Renacimiento y encuentran en ella una presencia casi inexplicable después de páginas y páginas de armonías equilibradas y equilibrios perfectos, de quiasmos y contrastes, de modelos clásicos y referencias a la más noble estatuaria antigua. Y esto es lo que sienten quienes la encuentran frente al Museo de la Catedral, con sus ojos hundidos y penetrantes, con sus manos esqueléticas y suplicantes, con su piel estirada sobre los huesos como un pergamino, para evocar una imagen de Rosenauer. Aquí: La Magdalena penitente de Donatello pone ciertamente en tela de juicio tanta retórica sobre el Renacimiento. Y, sobre todo, da testimonio de cómo la época del Humanismo (“una época de crisis”, según Cacciari, “en la que el pensamiento toma conciencia del fin de un orden y de la tarea de definir otro”), se caracteriza también por un sentido trágico de la existencia humana.

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