Un Pierrot y un Arlequín: los hijos de los artistas también se disfrazaban

Todos hemos sido niños y todos, al menos una vez en la vida, nos hemos disfrazado como hemos querido en Carnaval. A mí siempre me encantó disfrazarme de princesa o de hada, porque ya de niña tenía un alma romántica, soñadora y amante de los cuentos, como ahora, y años después mi alma no ha cambiado. cambiado (sólo un año decidí transformarme en pingüino, ni siquiera recuerdo por qué, tal vez para intentar revolucionar mi aspecto habitual de niña dulce con el pelo largo y suelto, un sombrero puntiagudo en la cabeza, un vestido abullonado con mangas abullonadas y una varita mágica en las manos, pero luego, a partir del año siguiente, volvió mi naturaleza de “cuento de hadas”). Decidir de qué disfrazarse en Carnaval puede depender de nuestras inclinaciones, nuestros deseos, nuestras pasiones, pero también de la moda del momento: Cuando yo era pequeña, por ejemplo, además de princesas, indios, zorros, mosqueteros y piratas, había irrumpido la moda del “punk”, el disfraz considerado para “niños grandes”, digamos de ocho a nueve años en adelante, y así nos encontrábamos luciendo vaqueros rotos y cazadoras vaqueras en las que no se podían contar los símbolos y la escritura, mechones de pelo fosforescentes y purpurina a raudales. O bien se debe a la creatividad de los padres: hace unos días vi por casualidad a una familia entera disfrazada de... gin tonic, es decir, de padre e hijo, en un desfile de máscaras en Viareggio, ciudad de la costa de Versilia famosa por su Carnaval y de la que vivo a pocos kilómetros. gin tonic, es decir, padre y madre disfrazados de agua de ginebra y tónica y el hijo de rodaja de limón, y por la cara del niño creo que habría querido disfrazarse de cualquier cosa, quizá de su superhéroe favorito, menos de rodaja de cítrico.

Me divierte imaginar, al contemplar el Pierrot blanco de Pierre-Auguste Renoir y el Paulo vestido de Arlequín de Pablo Picasso, que ambos artistas invitaron a los dos niños representados, respectivamente sus propios hijos, a posar para ellos, colocando una silla en el centro de la escena, dejándoles libertad para utilizarla a su antojo. La impresión que dan ambas imágenes es la que hoy podría compararse a una sesión fotográfica real realizada como recuerdo de ese Carnaval en particular. Y me gusta pensar que el que está más a gusto con su disfraz es Jean, el futuro director, segundo hijo del pintor impresionista, por la expresión de su rostro y la despreocupación que muestra al posar para su padre. En efecto, está sentado en una silla de madera, con una actitud relajada pero al mismo tiempo elegante. Su cuerpo está girado ligeramente tres cuartos, y sostiene un brazo apoyado en el respaldo de la silla mientras la mano contraria descansa sobre su pierna. La pieza central del cuadro, pintado entre 1901 y 1902 y conservado en el Instituto de Arte de Detroit, es el rostro del niño: tiene una expresión apacible y la mirada ligeramente desviada hacia un lado, como absorto en sus propios pensamientos. El delicado rubor de las mejillas y los labios apenas entrecerrados sugieren una sensación de inocencia y serenidad, y la delicadeza de sus rasgos queda aún más acentuada por la luz suave y difusa que inunda toda la composición. En particular, la luz se refleja, con una hábil mezcla de tonos claros y nacarados, en el traje blanco de Pierrot, que el pintor ha plasmado con gran maestría: una gran túnica blanca que cae en suaves pliegues a lo largo de su cuerpo con grandes botones de la misma tela y pantalones anchos del mismo color. Para completar el disfraz, un esponjoso collar de tul rojo alrededor del cuello rompe la monocromía del vestido y añade un toque de calidez cromática, y un sombrero puntiagudo de color crema. El rostro, sin embargo, no está pintado de blanco y no presenta la típica lágrima negra, como es la iconografía tradicional de la máscara.

La figura de Pierrot emerge en primer plano con toda su blancura del fondo realizado en tonos oscuros e indefinidos y con una pincelada suave que crea un efecto borroso, casi etéreo; los colores no son nítidos sino que se funden armoniosamente. Es precisamente esta fusión de pinceladas la que sugiere un ambiente íntimo y cotidiano, una atmósfera típicamente familiar, de calma y sosiego.

Contrariamente a lo que podría pensarse, la máscara de Pierrot no es originaria de Francia: procede de la Commedia dell’arte italiana con el nombre de Pedrolino, pero es en Francia donde el personaje adquiere las características que aún hoy conocemos tanto en su aspecto como en su carácter. De ser un criado ingenuo al servicio de personajes más astutos, Pierrot pasó a ser conocido en el siglo XIX por su carácter melancólico y sentimental gracias al mimo Jean-Gaspard Debureau. Personaje delicado y poético, con un eterno sentimiento de tristeza, que representa una de las figuras más evocadoras de la Commedia dell’Arte, también se le compara a menudo con la figura del artista melancólico e incomprendido. En su pintura, Renoir no subraya esta tristeza, sino que hace hincapié en sus rasgos contemplativos. Sin excesos dramáticos, representa a su hijo en una pose relajada, casi soñadora, en consonancia con su producción que sumerge al observador en la armonía de la vida cotidiana.

En cambio, el hijo mayor de Pablo Picasso, Paulo, nacido del matrimonio entre el artista y la bailarina Olga Khokhlova, aparece diferente en el cuadro de 1924, hoy en el Musée Picasso de París, que lo muestra vestido de Arlequín, el famoso personaje de la Commedia dell’ Arte, astuto y bromista, en una pose casi soñadora, en línea con su producción que sumerge al observador en la armonía de la vida cotidiana.El Arte, astuto y bromista, siempre listo para idear trucos a su favor y capaz de salir de situaciones difíciles haciendo malabarismos con facilidad y agilidad (a menudo realiza volteretas y saltos acrobáticos).

A diferencia de Jean vestido de Pierrot, que estaba cómodamente sentado en la silla del centro de la composición, aquí Paulo está de pie, apoyado con un codo en la silla, tapizada, negra y más elegante que la del cuadro de Renoir. Su expresión es seria, su mirada se dirige directamente al espectador. A pesar del extravagante traje que lleva, su rostro parece tranquilo y ligeramente melancólico, en contraste con la vibrante energía típica de la figura de Arlequín.

El traje es típico de Arlequín, caracterizado por un motivo de rombos en tonos amarillos y azules separados por marcadas líneas negras: una combinación cromática que confiere a la obra un fuerte impacto visual. Alrededor del cuello y las muñecas, un amplio cuello y unos voluminosos puños blancos con efecto de volantes añaden un toque de ligereza y refinamiento que contrasta con el tejido del vestido, que parece hecho de tela pesada. En la cabeza, un sombrero negro, sencillo y sin adornos, del que emerge el pelo castaño rojizo peinado con bonitos flequillos. El rostro de Paulo, de tez pálida, mejillas ligeramente sonrosadas y rasgos delicados, aparece casi distante: parece como si el niño, a pesar de estar vestido con una de las máscaras más exuberantes que existen, no participara plenamente de su disfraz, sino que permaneciera inmerso en sus pensamientos. Y la forma en que sujeta sus manos añade una sensación adicional de quietud y reflexión. Este contraste entre la aparente alegría del vestido y la compostura de la expresión del niño es particularmente notable.

Uno de los aspectos a destacar del cuadro es la relación entre éste y el fondo. Mientras que Paulo y su traje están representados con atención al detalle, el resto de la composición parece deliberadamente inacabado debido a la falta de tratamiento del fondo, dejado en bruto, tanto para los pies del niño como para partes de la silla apenas insinuadas con esbozos y ligeros trazos. Un pie de hombre, no referible a ninguna persona, surge también a los pies de la silla.

El cuadro, que forma parte de una serie de retratos de arlequines que Picasso realizó entre 1923 y 1924, es un ejemplo significativo del interés del artista por el tema de la infancia y el mundo teatral.

En muchas de sus obras, su identidad de artista se entrelaza con la del personaje teatral de Arlequín. Este último se convierte en su alter ego melancólico, símbolo de su fragilidad y de su sentimiento de soledad, aspecto que emerge a partir de 1901, año en que inicia su Periodo Azul. En este contexto, la figura de Arlequín está encarnada por el hijo del artista. Al mismo tiempo, Picasso sugiere la complejidad de su interioridad, representando al niño con un traje que refleja su multiplicidad, al igual que los rombos que lo componen. No se trata sólo de un retrato infantil, sino que implícitamente se convierte en un autorretrato del artista, que se identifica tanto con el famoso personaje de la Commedia dell’Arte como con su propio hijo. Es una reflexión encubierta sobre la multiplicidad del ser.

Estos dos retratos, el Pierrot blanco de Renoir y el Paulo vestido de Arlequín de Picasso, ofrecen una mirada íntima y cotidiana sobre la relación entre los artistas y sus hijos. Entre pinceladas delicadas y colores vibrantes, los niños se convierten en figuras de la Commedia dell’Arte, evocando la fina línea que separa la realidad de la ficción. Así, el arte transforma el efímero momento del disfraz en una imagen de compleja profundidad.

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