Procesar un estado de ánimo a través de la escultura. Conversación con Silvia Vendramel

Silvia Vendramel (Treviso, 1972), artista que trabaja principalmente con la escultura y la instalación, propone una investigación basada en la transformación de la vida cotidiana y la elaboración de sus propios sentimientos, en constante diálogo con la realidad que la rodea. Vive y trabaja en las colinas de Liguria, en la frontera entre Italia y Francia. Graduada en la Villa Arson de Niza en 1996, en 2021 fue una de las artistas invitadas a diseñar el monumento “Una escultura para Margherita Hack”, creó con Beatrice Meoni el proyecto Pratiche di scambi basado en el diálogo entre prácticas artísticas diferentes y a veces convergentes, y en una línea similar durante unos tres años colaboró con Beatrice Meoni, Philippa Peckham, Maja Thommen y Elena Carozzi. Ha expuesto sus obras en diversas galerías y museos. Y nos habla de su arte en esta conversación con Gabriele Landi.

GL: Silvia, quería preguntarte, para empezar esta conversación nuestra, sobre la edad dorada de la infancia, preguntándote si para ti, como es el caso de muchos, fue durante este periodo de tu vida cuando iniciaste inconscientemente tu viaje por el camino del arte. ¿Cuáles fueron los episodios, personas, hechos, objetos o encuentros que le llevaron por ese camino? Cuéntenoslo.

SV: “Creo que era muy pequeña, recuerdo el leve sonido de un lápiz sobre el papel con la euforia de un paquete por desenvolver, me puse a su izquierda y seguí su mano mientras el sonido me acariciaba, era mío”. Recojo este escrito de hace mucho tiempo, que relata una emoción que sentí de niña al observar a mi padre dibujar para mí cuando volvía a casa del trabajo. El arte siempre ha sido una fuente de emociones fuertes, una especie de enamoramiento repetido que luego encendió mi curiosidad por profundizar más y más para desenterrar el origen de todo: la receta de cómo hacerlo, cómo llegar a esa esencia silenciosa que mueve el arte. Los episodios y encuentros han sido muchos, desde niño he visto bienales y exposiciones, y amigos artistas venían a menudo a casa; lo que más me ha quedado grabado son frases cortas y cáusticas, palabras de aparente poca importancia que han permanecido para madurar en mí hasta ser comprendidas mucho más tarde. El artista siembra la duda en el niño. Las palabras de los artistas son importantes y tú, Gabriele, lo sabes. Entre las exposiciones que recuerdo más vívidamente está mi encuentro con la obra de Fausto Melotti en la planta baja del Palazzo Fortuny de Venecia, yo tenía unos quince años y un poco más tarde recuerdo que me quedé clavado por la obra de Fausto Melotti. Tenía unos quince años y un poco más tarde recuerdo que me quedé clavado delante de un Jean-Michel Basquiat en una galería de Salzburgo, el cuadro estaba colgado en las oficinas de detrás y los galeristas me invitaron a entrar, ¡creo que se rieron mucho al ver mis ojos vidriosos y brillantes! Lo mismo unos diez años más tarde en la feria Arco de Madrid, delante de una obra de Doris Salcedo, allí estaba yo ya crecido, decidido a ser artista, con la cabeza rapada y las lágrimas delante de un mueble empotrado en cemento.

¿Qué estudios realizó?

Después de asistir al Liceo Artístico de Treviso, me matriculé en la EPIAR de Niza (École Pilote Internationale d’Art de Recherche, Villa Arson): es una escuela de arte dentro de un centro de exposiciones que también organiza residencias artísticas. En aquella época, se invitaba a artistas como Franz West, Martin Kippenberger, Paul McCarthy y muchos otros, y para una joven, misoginia aparte, era interesante enfrentarse a un entorno artístico tan activo. Era un centro de matriz conceptual, en aquella época estaba de moda el vídeo, mi posición no coincidía realmente con la tendencia del lugar, lo que me interesaba era el hecho de que no tenías que elegir una dirección y que podías tener experiencias con varios medios en función del proyecto: ésta fue la razón por la que me matriculé allí y no en Venecia, que a principios de los noventa estaba completamente abandonada. En 1994, participé en un curso de dibujo en la Fundación Ratti impartido por Markus Luperz y Gérard Titus-Carmel: la propuesta de la Fundación era invitar a dos artistas con tendencias opuestas y hacerles trabajar por separado, pasamos unas tres semanas dibujando de la mañana a la noche, dentro de una iglesia con jóvenes que venían de toda Europa, fue precioso. Allí conocí a un amigo que estudiaba escultura en Carrara, así que empecé a frecuentar la ciudad y a observar todas esas técnicas tradicionales que aquí estaban prohibidas.

¿Se matriculó en la Academia de Carrara o fue allí atraído por la escultura?

No, la Academia no me interesaba, me interesaba aprender a trabajar el yeso y me interesaba el moldeado, es decir, hacer vaciados y utilizar silicona. Solía ir a Carrara para pasar temporadas cortas y ver a mis amigos lidiando con todas esas técnicas que no aprendíamos en casa; luego, en el Studio Nicoli, Louise Bourgeois mandaba hacer sus piezas en mármol, ¡así que yo iba a verlas en primicia!

Todo un privilegio. ¿La conoció en persona?

Sí, la conocí en su casa de Chelsea, Nueva York, en 2008, yo estaba allí por el Premio de Nueva York que gané en 2007, supe que era posible asistir a sus domingos en los que recibía a artistas que querían hablar de su trabajo: fue emocionante, ella ya era muy mayor y murió unos años después. Vivía en una casa típica americana con unos cuantos escalones. Por dentro era como la casa de su abuela, llena de carteles antiguos y programas de teatro de toda una vida de exposiciones, luego había una pequeña sala de estar con ella y su ayudante listos para recibirnos, una mesa baja llena de todo tipo de alcohol y bebidas, ella bebía Coca-Cola con una pajita de una lata dentro de un vaso de hojalata (más tarde le dediqué un retrato). Éramos cuatro artistas de diferentes países, ella escuchaba atentamente y de vez en cuando decía “c’est ça, c’est ça, ¡cierto!”. Recuerdo cuando expuso en la Fundación Prada de Milán, cuando la Fundación aún tenía un local “pequeño” en el centro, me presenté en la inauguración con una rosa, pero ella no estaba, la artista no estaba presente. También me encantó por su carácter tímido y franco.

En Carrara, después de estas presencias puntuales, decidió quedarse: ¿qué le atrajo?

Volví a Carrara y me instalé allí unos 20 años después, atraído por una cierta autenticidad de la gente que vive allí, que creo que proviene del amor por un oficio transmitido de generación en generación: un profundo conocimiento de la escultura y de sus técnicas. Carrara es un lugar que siempre ha estado acostumbrado a recibir forasteros en busca de material e inspiración. Ahora, por desgracia, la ciudad sufre una gestión medieval y sobrevive a duras penas entre la omertà y la falta de adaptación a las exigencias de los tiempos desprejuiciados en los que vivimos. Cuando la descubrí tenía unos 20 años y debo decir que, para mí, que venía del Véneto vía Francia, Carrara me sirvió para descubrir una Italia que no conocía.

¿Estableció relaciones con otros artistas de Carrara?

Por supuesto, en los 15 años que pasé allí, cambié varios estudios y hubo muchos encuentros, exposiciones y colaboraciones.

¿Con quién forjó los lazos más fuertes?

La amistad entre artistas no es cosa fácil, ¿sabe?: quizá uno de los aspectos más tristes de la amistad, incluso más que el amor en lo que a mí respecta, es que puede agotarse, hay que aprovecharla como el mayor de los regalos. El curso de la vida, los compromisos, la carrera, el cambio de rol pueden ser fatales y dispersar lo que, durante un tiempo, fue un gran entendimiento. En este sentido, la película de Martin McDonagh Los espíritus de la isla me pareció perturbadora, precisamente porque saca a la luz lo que yo percibía como tabú: la admisión de no soportar más a la persona a la que estábamos unidos, aceptar el cambio, cortar, desgarrarse. Entre mis lazos más estrechos está Fabrizio Prevedello, un amigo, con él me siento como en casa, compartimos elecciones y estilo de vida, los intercambios en el estudio, las críticas de dientes para afuera y las largas discusiones han durado años. Al fin y al cabo, la amistad también es una cuestión de tiempo, nos reflejamos el uno en el otro, recordándonos lo que somos y hemos sido. Otro vínculo intenso nació de la colaboración con las artistas Elena Carozzi, Beatrice Meoni, Phillippa Peckham y Maja Thommen. Durante unos dos años, colaboramos asiduamente, asistiendo en grupo a los estudios de cada una, observando el trabajo de las demás, planteando preguntas y peticiones, y dando forma a diversos proyectos. Conscientes de que deseábamos un intercambio entre mujeres artistas, se trataba de experimentar la proximidad de lenguajes absolutamente distantes, al tiempo que se mantenía viva la puesta en común de la investigación y se suprimía la autoría. Silvana Vassallo, de la galería Passaggi Arte Contemporanea, y la comisaria Ilaria Mariotti apoyaron atentamente el proyecto y se hicieron amigas con el tiempo.

¿Qué dinámica desencadenante siguió para activar esta colaboración a nivel de trabajo material?

Todo partió de un interés por el estudio, de ese lugar tan especial donde el pensamiento toma forma. Lo que más nos interesaba era observar las fases de elaboración de la obra, compartir las dudas y posibilidades que surgen a medida que el lenguaje va tomando forma. Espontáneamente, surgió el deseo de hacer ciertas sugerencias al otro, como respondiendo a una llamada. Se trataba de desplazar el propio centro de gravedad hacia el otro en la búsqueda de un nuevo equilibrio, era bueno escuchar, salir de los propios intereses para encontrarse con otros nuevos e inesperados, era un verdadero deseo de salir del propio centro, una operación delicada que requería aceptación y cuidado del otro y cierto valor para respetar la propia autonomía. Estos experimentos dieron lugar a diversas experiencias, entre ellas una primera exposición titulada Tra lo studio y más tarde L’attenzione è tessuto novissimo. En la primera, por invitación de Enrico Formica, del Liceo Artístico de LaSpezia, invitamos a los estudiantes a participar en el montaje de la exposición, queríamos que los estudiantes tomaran parte en nuestras discusiones sobre lo que ocurre durante una exposición. En la otra, unos años más tarde en Villa Pacchiani y comisariada por Ilaria Mariotti, las salas estaban habitadas por obras elaboradas a lo largo del tiempo y nacidas de las mismas instancias de las que os he hablado. El proyecto continuó entonces con la única colaboración de Beatrice Meoni y se tituló Prácticas de intercambio.

¿Cómo reaccionaron los alumnos del instituto a sus solicitudes?

Creo que al principio los chicos se sintieron intimidados porque, al fin y al cabo, teníamos la edad de sus madres, pero para nosotras esto era interesante porque podía mostrarles una mayor variedad de modelos femeninos. Hablamos de la proximidad y de la relación con el espacio y se llevaron a cabo pequeñas acciones, por ejemplo, mientras ellos se agrupaban, nosotras nos acercábamos un poco demasiado a ellos, creando inicialmente una cierta incomodidad que puede ser útil para entender lo que ocurre en una exposición cuando se tiran de ciertas cuerdas sensibles, cuando para observar y entrar en la obra hay que acercarse y alejarse, conceptos básicos pero en mi opinión importantes para ir más allá de una mirada superficial.

Me interesa esta idea de habitar un lugar, siento el latido vital de tus respiraciones en él, el cristal que a través de la energía de la respiración, que lo dilata, habita un lugar, vitalizándolo. ¿Cuál es la idea que subyace en estas obras?

La idea que subyace en el ciclo de obras titulado Soffi es el sentido de pertenencia y sus contradicciones, es una confrontación directa entre una especie de jaula y la masa de vidrio que se hace sitio en su interior adaptándose a las limitaciones impuestas. Formalmente, parto de objetos metálicos familiares, objetos decorativos, a menudo remilgados, que utilizo para dar forma a espacios vacíos en cuyo interior soplo vidrio hasta el límite del colapso.

¿Le interesa la dimensión mnemotécnica que conllevan estos objetos?

Estas obras surgen como reacción a un estado de ánimo de impaciencia, el proceso que las genera me da la oportunidad de procesar formalmente el sentimiento inicial para transformarlo e ir más allá. La memoria, de la que son testigos los objetos que elijo, es un componente de la obra junto con otros elementos, pero la escultura en su realización actúa de forma casi autónoma transformando objeto y contenido.

¿Dónde empezó a realizar estas obras?

Cuando surgió el deseo de utilizar el vidrio, tuve la suerte de conocer a un artesano que tenía un taller en lo alto de una colina en la provincia de Pisa, un joven americano enamorado del soplado de vidrio y que realizaba el trabajo de forma totalmente independiente, Isack Listad, un compañero inigualable. Hice la mayoría de las piezas con él.

¿La idea de utilizar el vidrio surgió de la conciencia de una tradición vinculada a sus orígenes?

Yo diría que no, nací en Treviso, pero no creo que la elección del vidrio tenga nada que ver con mis orígenes, la primera pieza que hice fue un centro de mesa de hierro forjado con un recipiente de vidrio rojo escarlata en su interior. Un día, rebuscando en el desván, encontré la estructura de metal, cuya parte de cristal se había perdido, era un objeto que había formado parte de mi infancia, el sarmiento simulado en el metal se me apareció como una arteria y sentí el deseo de llenar el vacío.

Qué importancia tiene el objet trouvé en su obra?

Creo que muchos estarán de acuerdo conmigo en decir que Duchamp ha contribuido a socavar magistralmente el panorama de la creatividad al seguir dándonos, después de más de un siglo, unos agradables quebraderos de cabeza con respecto a la originalidad. Los objetos para los artistas, desde Duchamp en adelante, son instrumentos de análisis, son medios para narrar al ser humano, sus debilidades y contradicciones. Lo que me fascina de los objetos es su historia, lo que expresan a través de las huellas que llevan, la historia que sugieren. Cuando elijo un material o un artefacto, intento ejercer una transformación para que el objeto conserve su identidad pero se desvíe ligeramente de ella, hay una ambigüedad formal y visual que me interesa activar para despertar una especie de mirada interior. El verano pasado participé en una residencia en la antigua fábrica de juguetes Faro (Sensitive Cartography 2022/ Cars Omegna) y al visitar el archivo encontré piezas de fundición de metal de principios de la posguerra que se utilizaban para producir piezas de aluminio para juguetes. Eran objetos gráficamente muy interesantes, huecos y la parte posterior de algunos de ellos estaba moleteada y no entendí por qué: eran piezas de tanques que se habían reciclado, ya que en aquella época era difícil encontrar hierro disponible. Había al menos dos historias significativas que podían leerse en un solo artefacto y yo quería seguir la historia, así que decidí imprimirlas en papel, dándoles forma de bajorrelieves muy ligeros, de esta manera el objeto sufre una manipulación para que siga existiendo bajo una nueva forma. Para responder a su pregunta, el objet trouvé en su definición histórica no me interesa porque está vinculado a un lenguaje puramente conceptual que no me pertenece.

De hecho, yo también creo que la cuestión del objet trouvé desde la época de Duchamp se ha complicado considerablemente y que la dimensión conceptual por sí sola sólo representa uno de los muchos aspectos de la cuestión. Así que la pregunta es la siguiente: ¿tiene algún atractivo a sus ojos la dimensión del vertedero como almacén de formas, historias e ideas?

En mi opinión todo depende de la calidad de la obra, de la intensidad con la que se crea, hay una cierta vibración que resuena en ciertas obras, una cierta verdad inconfundible, el resto es incomprensión, conformismo, banalidad. Volviendo a mi relación con los objetos, me gustaría hablarles de una instalación titulada Di qualcosa il fondo, per qualcosa il coperchio, compuesta por una obra en arena comprimida, cuya forma se obtiene llenando una minibañera (media bañera). Por su tamaño y volumen, la bañera invertida recuerda a ciertos sarcófagos etruscos de tamaño medio. Un día paseando por Carrara, mientras se realizaba una mudanza, vi esta bañera cargada en un vagón Ape, boca abajo y a la altura de los ojos. Hermosa, silenciosa, con su historia de baños tomados y tomados, su superficie arrancada de azulejos y su enorme sinuosidad diseñada para alojar el cuerpo, ¡me pareció perfecta! Los sarcófagos etruscos y sus secretos ocultos en el interior fueron los fundadores de la gran escultura moderna desde Henry Moore, y todos estos aspectos juntos encendieron en mí el deseo de dar forma a una visión. De nuevo era una cuestión de transformación, de encontrar la manera de dar vida al misterio. La técnica de la arena comprimida se utiliza en los trabajos de fundición para rellenar el vacío interno de las formas, estos vacíos se llaman almas. El alma tiene la característica de ser sólida y compacta pero fácilmente rompible, esta vulnerabilidad del material junto con la referencia a los juegos en la orilla del mar, me pareció que concordaba con mi proyecto: vida, juego y muerte compactados en una sola presencia. La instalación formó parte de la exposición individual Al tempo stesso en la Galería Teké de Carrara y se colocó en el sótano de la antigua tienda reconvertida en galería. El equipo de la galería se desvivió por satisfacer mis necesidades, rediseñando los espacios interiores para dar cabida a todo el proyecto, que se expandió por los espacios interiores y 14 escaparates. También en el Blu Corner de Carrara, otro espacio expositivo de fuerte carácter y sede de la galería dirigida por Nicola Ricci, expuse algunas piezas en arena comprimida tituladas Sin demasiado ruido. En los años que pasé en Carrara, las exposiciones en Blu Corner fueron numerosas, y sin duda la más significativa fue la exposición individual Soffi e altre stanze donde, también en esa ocasión, intervine en las hermosas ventanas exteriores. Todo esto para hablarte de tus lugares, Gabriele, que también fueron los míos, y para darte una idea de la relación que establezco con los objetos que busco y encuentro.

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