Obras maestras del mundo flamenco en los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica

Se dice de Bruselas que es una capital a la que pertenece su propio Estado, queriendo destacar la impresionante escala de la ciudad en términos de tamaño y población en el contexto de un país relativamente pequeño. El mismo tópico podría esgrimirse para su Museo Real de Bellas Artes de Bélgica (Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, o Koninklijke Musea voor Schone Kunsten van België), si no se tuviera en cuenta que, a pesar de su tamaño, Bélgica es un gigante de la pintura, capaz de aportar una contribución fundamental a varias épocas de la historia del arte. Esta riqueza se refleja en un sistema museístico del más alto nivel, que encuentra su punta de lanza en Bruselas, en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica. A principios de la década de 2000, este extraordinario aparato se reorganizó y en la actualidad está organizado en varios departamentos, que recientemente han sido reordenados: por este motivo, algunos de ellos están actualmente cerrados al público.

Los diferentes departamentos se dividen en cuatro grandes colecciones: elMuseo de Maestros Antiguos, el Museo del Fin de Siglo, el Museo Moderno y el Magrittemuseum, y dos museos más pequeños dedicados a dos artistas: el Wiertzmuseum y el Constantin Meuniermuseum. Mientras que estos últimos se encuentran en distintos puntos de la ciudad, las cuatro colecciones están ubicadas en lugares próximos entre sí, en el corazón de la capital belga, en la colina de Coudenberg, también conocida como el Barrio Real, por albergar el Palacio Real y la Plaza de los Reyes, así como otros edificios institucionales. En la actualidad, el Museo del Fin de Siglo y el Museo Moderno están cerrados por obras de renovación, pero sus colecciones se muestran en parte organizando algunas exposiciones importantes. Si, en general, el cierre de los dos museos puede causar pesar, el visitante que se ve generosamente privado de una elección muy difícil debe alegrarse, porque el Museo del Viejo Maestro y el Museo Magritte son en sí mismos dos instituciones que el turista no puede esperar agotar ni siquiera en numerosas visitas.

Aunque las colecciones tienen historias bastante diferentes, los orígenes del Museo Real se remontan al frenesí que se extendió durante el dominio napoleónico sobre Europa, impulsado por la visión ilustrada de crear museos enciclopédicos que pudieran encerrar dignamente dentro de un perímetro amurallado todas las manifestaciones del arte consideradas más interesantes. Inaugurado en 1803, tras ocupar algunos locales provisionales, el museo encontró su sede definitiva en el imponente Palacio de Bellas Artes, de estilo clásico, construido por Alphonse Balat hacia 1880.

Aún hoy, este gigantesco edificio alberga el Museo de los Viejos Maestros, una inmensa colección de extraordinarias obras maestras de la historia flamenca y europea de los siglos XV al XVIII. Se trata de una rica selección de pinturas, que hace difícil cualquier intento de ofrecer una visión exhaustiva de todo el museo. Los colores de cada sección identifican las diferentes escuelas y periodos históricos. Evidentemente, el corpus más importante e interesante está formado por los artistas de la escuela flamenca, cuyos protagonistas más significativos y toda la parábola están representados. Un espectacular desfile de obras maestras muestra a los primitivos flamencos, entre maestros desconocidos y los grandes maestros que constituyeron la gloria de esta escuela.

Superlativa es la puerta de un políptico desmembrado y esparcido por media Europa, que representa al profeta Jeremías, mientras que en el reverso aparece el historiado Noli me tangere, del misterioso Maestro de la Anunciación, considerado uno de los más altos representantes de la pintura provenzal del siglo XV, pero también fuertemente influido por las tendencias flamencas y borgoñonas. La plasticidad inmóvil y austera del profeta, descrito en el interior de la hornacina con atributos y elementos de su actividad, recuerda soluciones posteriores retomadas por Antonello da Messina.

De uno de los primeros grandes iniciadores de la pintura flamenca, Rogier van der Weyden, se exponen varias obras religiosas, como la Piedad y el Tríptico de los Sforza, y retratos de una calidad superlativa, como el retrato de Carlos el Temerario, el de Laurent Froimont y el de Antonio de Borgoña. Son cuadros que muestran la capacidad sin límites del pintor para modular plenamente los volúmenes y situarlos en el espacio, para sondear las temperaturas emocionales a través de la representación lenticular y fundar una nueva iconografía en las poses seculares del retrato. De los otros pioneros de la pintura flamenca Jan van Eyck y Robert Campin, se exponen algunas piezas pero con atribuciones dudosas.

De los artistas de la generación siguiente, hay que citar al menos una Lamentación de Petrus Christus, obra que refleja la influencia de la Deposición de la cruz de Rogier van der Weyden, hoy en el Prado, pero purgada de sus acentos más dramáticos en favor de una quietud más acentos dramáticos para favorecer, en cambio, un tranquilo sentido de la contemplación sugerido por las figuras que se mueven en un espacio rural, que transforma Jerusalén en una ciudad flamenca; y el díptico con La justicia del emperador Otón, gran obra maestra de Dieric Bouts, donde figuras larguiruchas vestidas con suntuosas túnicas muestran un renacimiento de los personajes del Gótico Internacional. También se exponen suntuosas obras de los dos artistas más significativos de finales del siglo XV, Hugo Van der Goes y Hans Memling, en las que emerge el dibujo más caligráfico, casi como un arabesco continuo, y colores de deslumbrante brillantez.

Pero el visitante que recorra las salas sólo en busca de la firma famosa cometería aquí, más que en otros museos, un gran error, ya que incluso artistas cuyos nombres permanecen desconocidos produjeron obras maestras del más alto nivel, como el cuadro Virgo inter virgines del Maestro de la Leyenda de Santa Lucía o el Maestro de la Vida de José autor del Tríptico de Zierikzee en el que aparecen las representaciones en ébano de Felipe el Hermoso y Juana la Loca.

Antes de encontrarnos con los desarrollos posteriores de esta exitosa escuela, encontramos también piezas de pintores de la escuela alemana, muchos de los cuales se formaron y trabajaron en la zona flamenca. Los logros más elevados son los alcanzados por los dos Lucas Cranach, padre e hijo, en particular se exponen obras maestras del Viejo como Adán y Eva y Apolo y Diana, en las que se aprecian los extremos del linealismo fluido encaminado a una representación elegante y armoniosa. A medida que avanzaba el siglo, los artistas de esta parte del mundo empezaron a incorporar a sus lienzos modelos y soluciones derivados del arte italiano.

Entre ellos, ocupa un lugar destacado Gérard David, uno de los máximos exponentes de la Escuela de Brujas, cuyaAdoración de los Magos, expuesta en el museo, se basa en una escena repleta de personajes que habitan un espacio creado con gran rigor perspectivo y sensibilidad para los datos luminísticos, mientras que las figuras están revestidas de ambiciones monumentales. También son de gran valor las obras de Quentin Metsys (o Massys) donde la plasticidad se mezcla perfectamente con la caligrafía y la linealidad. Pero los dos genios que destacan por su originalidad en el siglo XVI y cuya lección tuvo inmensas repercusiones en la pintura flamenca son Jerónimo Bosch y Pieter Bruegel, ambos presentes en el museo. El primero, cuya parábola comenzó en el siglo anterior y terminó en las primeras décadas del XVI, está representado por una Crucifixión con Donante, obra de refinada brillantez y copia de taller del famoso Tríptico de las Tentaciones de San Antonio, conservado en el Museo Nacional de Arte Antiguo de Lisboa. Fue del maestro holandés de quien Bruegel el Viejo tomó su mordaz sátira y su gusto por lo grotesco, y en Bruselas está representado por una sala entera, la verdadera joya del museo. Caricaturesca y onírica es la Caída de los ángeles rebeldes, mientras que obras como la Caída de Ícaro, laAdoración de los Magos y el Censo de Belén muestran la persuasiva malicia de sus paisajes, bañados de poesía musical, en los que se escenifica una humanidad torpe y frágil, lejos de cualquier idealización. Todavía larga es la lista de grandes nombres de la pintura flamenca que se abre ante nuestros ojos, demostrando la importancia de esta fecunda escuela.

La otra cumbre de la colección es la pintura del siglo XVII, que demuestra cómo la grandeza del arte flamenco no terminó con el paso de los siglos. Y es en particular la gran sala roja enteramente dedicada a Rubens la que deja sin aliento a cualquier visitante, en una experiencia casi vertiginosa. Aquí se exponen numerosas obras maestras del genio de Amberes, uno de los padres del Barroco europeo. Las carnaciones suaves y tibias que emergen de las pinceladas de Rubens sobresalen de los grandes lienzos, trazados con la grandiosidad que le es tan característica, realzados por colores exquisitos que se vuelven más brillantes e imaginativos cuando describen triunfos, o más calibrados y dramáticos cuando incitan al recogimiento y al patetismo. El arremolinamiento impetuoso de los paños y las poses y la bruma tersa que ocupa el cielo, abriéndose sólo de vez en cuando para dejar pasar el resplandor traslúcido de Dios, transforman el relato sagrado en unaépica mítica, como en el Martirio de San Lievín, la Subida al Calvario o el cuadro La Intercesión de la Virgen y San Francisco detiene los rayos divinos; en el extremo opuesto se encuentran composiciones como laAdoración de los Magos, donde una tranquilidad doméstica no se ve interrumpida ni siquiera por la aglomeración de numerosos curiosos.

Y cuántas increíbles aventuras tiene aún que ofrecer este museo al ojo que aún no está saciado a estas alturas, cuántos viajes, desconciertos y redescubrimientos ofrece esta suntuosa colección, entre las figuras austeras y aristocráticas cinceladas por la mano segura de Antoon van Dyck, las conexiones psicológicas que delatan los ojos de los retratos de Rembrandt y la opulencia que desbordan los lienzos de Jacob Jordaens. Los nombres y las obras maestras son interminables, y aún hay sitio para los franceses como Philippe de Champaigne, Simon Vouet, Lorrain y otros, pero también para los italianos Annibale Carracci, Mattia Preti, Tintoretto, Crivelli, Barrocci, por citar sólo algunos.

Pero hay al menos una última obra maestra que no puede pasarse por alto, cuya iconicidad la convierte en una de las obras más famosas y célebres de la historia del arte: La muerte de Marat pintada por Jacques-Louis David en 1793. Después de ver el tema sagrado tratado con una grandeza sin igual, es asombroso ver cómo David consiguió transfundir la misma intensidad para transformar a un héroe de la Revolución Francesa en un santo mártir. En una escena ocupada en gran parte por un fondo sombrío, emerge el cuerpo blanco del político francés sin vida. El nuevo Cristo es cogido con el brazo abandonado, lo que recuerda el de algunas famosas Deposiciones, mientras que la jofaina se convierte en su tumba, del mismo modo que la sábana, que originalmente servía para evitar que el calor del agua se dispersara, hace las veces de sudario manchado de sangre por una herida en el costado.

Llegados a este punto, el visitante podría considerarse suficientemente satisfecho y abandonar cualquier otro empeño cultural, conservando energías para el día siguiente, pero si es un consumidor implacable y ávido de cultura, debe saber que apenas un pasillo y un ascensor le separan de la más importante colección de obras de René Magritte, reunida precisamente en el Museo Magritte. Este museo monográfico, ubicado en el edificio neoclásico del Hôtel du Lotto, es el colofón perfecto para conocer a fondo los últimos coletazos del arte flamenco, aunque sea del siglo XIX.

De hecho, aunque René François Ghislain Magritte nació en 1898 en Lessines, en la parte valona de Bélgica, mientras vivía y trabajaba en Bruselas, heredó con su arte esas peculiaridades irónicas y mórbidas de la pintura flamenca basadas en la atención a la representación mimética de la realidad. La fundación del Museo Magritte es bastante reciente, data de 2009, cuando gracias a una política previsora de captación de donaciones y depósitos de obras importantes, consiguió establecer una realidad capaz de describir toda la carrera del surrealista más famoso de Bélgica, y convertirse en una institución muy visitada. El museo se distribuye en tres plantas, de la más alta a la más baja, y expone más de 150 pinturas, dibujos, cartas, esculturas y objetos.

La exposición da testimonio de los inicios de Magritte en el campo del arte, lejos de su producción más conocida y, en cambio, cercana a los ideales artísticos promovidos por la revista 7 Arts, homóloga belga de De Stijl, que impulsaba tendencias de abstraccionismo geométrico y plástico. Se trata de pinturas a caballo entre las sugerencias futuristas y constructivistas, de paleta brillante, pero sin especial originalidad. El recorrido continúa con los dibujos publicitarios de estilo cubo-futurista que el artista realizó para subsistir durante los años veinte. El impluvio en el arte de Magritte llega con el encuentro con la obra de Giorgio de Chirico, Canción de amor, que muestra al belga las posibilidades compositivas e imaginativas que permite el arte figurativo. Ese momento marca también su acercamiento al grupo surrealista liderado por André Breton, pero manteniendo una poética independiente, en la que se limita el azar, y en la que vemos en cambio la evocación de un absurdo racional. Así, el artista abandona el arte abstracto formal aunque utiliza constantemente la abstracción, no en su dimensión estética, sino en su dimensión conceptual, aislando los detalles de su realidad concreta y rebajándolos a contextos oníricos.

A través de numerosas obras, expuestas en rotación en las oscuras salas de exposición, es posible profundizar en los múltiples aspectos de su arte, entre ellos el uso del detalle como forma de investigar y subvertir el orden en su dimensión objetiva, sometiendo al observador a una constante duda sistemática, alimentada por atmósferas paradójicas y títulos enigmáticos, a menudo elegidos de forma totalmente aleatoria con la única intención de desorientar al observador.

Pero también denota su concepción de una dimensión orgánica de la realidad, que reverbera en obras como Sangre del mundo, donde la naturaleza está atravesada por un misterio inexpresable y esquivo. La contaminación entre la representación y la palabra, quizá herencia de su compromiso como diseñador gráfico en publicidad, es otro de los pilares sobre los que se asienta su arte, como en L’usage de la parole, o la aún más famosa La traición de las imágenes (Ceci n’est pas une pipe), aquí expuesta a través de gráficos y dibujos. Pero el museo también muestra producciones menos conocidas, como el periodo conocido como vache, en el que las imágenes se vuelven más grotescas, con colores desmesurados y diseños dentados.

Por último, la visita concluye con una sección que se centra en el concepto de serialidad en el corpus de Magritte, quien estaba bien dispuesto a repetir sus obras más conocidas en detalles o en su totalidad, incluso trasladándolas a distintos soportes, para complacer al mercado. Al final, el visitante saldrá desolado pero con la certeza de haber abarcado con la mirada las mayores maravillas artísticas del mundo flamenco.

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