Moda y arte. ¿Un debate aún abierto?

Durante el siglo XX, uno de los grandes méritos de la moda (y de la fotografía de moda) fue que desempeñó un papel clave en la popularización del arte, ayudando a difundir motivos artísticos en grupos sociales con los que era más difícil entrar en contacto.

En la actualidad, muchas casas de moda de alta costura, como Dior, Chanel, Jean Paul Gaultier o Louis Vuitton, colaboran con artistas no sólo en la producción de sus prendas, sino también en la realización de campañas fotográficas, diseños de desfiles y promoción de colecciones. El caso de Dior es quizá el más emblemático. Christian Dior, fundador de la casa de moda que lleva su nombre, era un admirador del arte, amigo de muchos nombres importantes de la vanguardia de principios del siglo XX: Salvador Dalí, Pablo Picasso, Juan Miró, Max Ernst, Giorgio De Chirico. La combinación de arte y moda siempre ha estado presente en la historia de la casa de modas, desde Marc Bohan, que en 1984 creó una colección basada en las obras de Jackson Pollock, hasta Gianfranco Ferré, director creativo de Dior a principios de los años noventa, cuyas colecciones se inspiraban abiertamente en Tiziano, Rembrandt, Cétanne, a John Galliano que reinterpretó a Gustav Klimt en 2008, hasta los directores creativos de los últimos diez años, Raf Simons y Maria Grazia Chiuri, que han forjado colaboraciones con artistas como Sterling Ruby, Pietro Ruffo, Marinella Senatore, Sharon Eyal, Paola Mattioli, Matteo Garrone.

Vestidos de Marc Bohan inspirados en Jackson Pollock (1984)

Vestidos de John Galliano inspirados en Gustav Klimt (2008)

Si bien es cierto que la moda casi siempre ha intentado construir canales de confrontación con el arte, para este último la moda ha representado un campo de debate crítico que a menudo ha llevado a enfatizar su otro papel, especialmente en términos de comercialización.

El debate entre arte y moda, fundamental para los movimientos artísticos del siglo XX, tuvo su primera expresión en 1863, cuando Charles Baudelaire, en su ensayo Le peintre de la vie moderne, en el que concibió por primera vez la idea delidea del flâneur, se refiere a la “gravedad en lo frívolo” (“gravité dans le frivole”) y sugiere una nueva conciencia de la moda como paraíso artificial con el que vestirse en la modernidad. La moda como actitud moderna: como forma de pensar, sentir y actuar en la modernidad, con una obvia alusión a la obra de Charles Frederick Worth, el primero en establecer una casa de modas de alta costura en París en 1858. Anticipándose a los tiempos, Baudelaire era muy consciente de que pronto el fenómeno de la moda popularizaría y comercializaría en cierto modo la obra de los artistas.

Las vanguardias históricas y los movimientos culturales de principios del siglo XX han dialogado a menudo y de buen grado con la alta costura, aunque este diálogo siempre ha permanecido marginal dentro de la historia del arte y la crítica artística. No siempre se recuerda, de hecho, que los futuristas habían escrito dos manifiestos sobre este tema: Il vestito antineutrale (1914) e Il manifesto della moda femminile futurista (1920), a los que el propio Giacomo Balla había aportado una importante contribución.

Otro experimento para combinar arte y moda fue el de la pintora Sonia Delaunay, cuya Boutique Simultané (organizada en colaboración con el modisto Jacques Heim) se presentó en la sección de moda de la Exposición Internacional de París de 1925. La intención de la pintora era plasmar sus cuadros en telas y prendas destinadas a encapsular el frenesí de la modernidad. No menos importante por parte de Delaunay fue su contribución al vestuario del primer espectáculo dadaísta de Tristan Tzara, Le Coeur à gaz, en 1923, que poco más de cincuenta años después inspiraría la ropa que lucen David Bowie y Klaus Nomi.

Salvador Dalí, exponente del surrealismo, también había colaborado en los años treinta con Elsa Schiaparelli, para quien diseñó el “sombrero-zapato” (1937), el “vestido de organza con langosta” (1937) y el “vestido-lágrima” (1938).

Sociólogos y críticos culturales como Georg Simmel y Walter Benjamin escribieron sobre la moda, afirmando que era uno de los principales medios por los que se manifestaba la modernidad, además de ayudar a construir su identidad y el “espíritu de la época”.

Vestuario de Sonia Delaunay para Le coeur à gaz (1923), de Tristan Tzara.

Elsa Schiaparelli y Salvador Dalí, Vestido de langosta (1937)

Elsa Schiaparelli y Salvador Dalí, Vestido Lacrima (1938)

Hay dos puntos de no retorno en la relación entre arte y moda y ambos están vinculados a dos revistas: en el primer caso, es la obra de arte la que aparece representada en una revista de moda; en el segundo, es una prenda de alta costura la que aparece por primera vez en la portada de una de las revistas de arte contemporáneo más importantes de los últimos cincuenta años.

1951 fue el año en que el fotógrafo Cecil Beaton realizó una sesión de fotos para la revista Vogue, en la galería Betty Parsons de Nueva York, delante de dos cuadros derramados de Jackson Pollock, que en este caso sirven de telón de fondo para la presentación de las últimas prendas femeninas. El historiador del arte T.J. Clark criticó duramente este intento de relacionar el arte con la industria cultural que representaban Vogue y el mundo de la moda. A principios de la década de 1960, la reflexión sobre el arte comercial y la moda convertida en arte se vio profundizada por la cultura “pop” y sus artistas, que intentaron restablecer la distinción entre alta y baja cultura, negándose deliberadamente a distinguir entre un diseño para una prenda de moda y la obra de arte en sí, como fue el caso de Andy Warhol y su The Souper Dress (1961). El debate se centró en algo de lo que podría beneficiarse la industria de la moda y con lo que el arte tendría que competir en algún momento.

1982 fue el año en que un vestido del diseñador japonés Issey Miyake apareció en la portada de Artforum International. El editorial de ese número llevaba las firmas de la escritora estadounidense Ingrid Sischy y del crítico de arte italiano Germano Celant, que afirmaban que la moda podía considerarse un nuevo tipo de “producción artística que conserva su autonomía al entrar en la cultura de masas en la frontera indistinta del arte y el comercio” (Artforum International, Editorial, febrero de 1982). Ambos entendieron que fue el arte pop el primero en romper las jerarquías entre “lo alto y lo bajo, lo puro y lo impuro” y “lo inútil y lo útil”.

A partir de este reconocimiento oficial en las páginas de la revista de arte contemporáneo, algunas piezas de alta costura que para entonces habían pasado a la historia, como las de Yves Saint Laurent de 1965 basadas en las obras de Piet Mondrian, comenzaron a ser expuestas y adquiridas por museos de arte contemporáneo como fue el caso del Met y la retrospectiva de Yves Saint Laurent en 1983.

Una de las fotografías de Cecil Beaton para Vogue (1951)

Andy Warhol, The Souper Dress (1966-1967; Nueva York, Museo Metropolitano)

La portada de Artforum International, febrero de 1982

Vestido de Yves Saint Laurent inspirado en Mondrian. Foto de François Larry

Melissa Marcello, El guerrero, autorretrato (2021)

Melissa Marcello, Naturaleza (2020)

Melissa Marcello, Rojo (2020)

Al mismo tiempo, la fotografía de moda también recibió cada vez más atención, con varias exposiciones importantes, como la del MoMA en 2004. Este retraso en la exposición en comparación con la “fotografía artística” demuestra que pasó mucho tiempo antes de que la fotografía de moda se considerara una forma de arte. Muy a menudo quedaba excluida de las grandes exposiciones fotográficas por considerarse demasiado comercial. Hoy en día, es importante considerar cómo, en la medida en que la fotografía de moda es cada vez más aceptada como arte, la propia moda parece estar moviéndose gradualmente en la misma dirección.

En los últimos años, ha aumentado el interés de los fotógrafos de moda por el mundo de la fotografía artística con el objetivo de romper las diferencias entre “alta fotografía” y “baja fotografía”. El medio está siendo utilizado por fotógrafos profesionales para campañas de moda (como el ya mencionado caso de Paola Mattioli para Dior), pero también por fotógrafos emergentes para proyectos que combinan arte pictórico, alta costura y fotografía, como UTPICTURA de la fotógrafa de moda milanesa Melissa Marcello. UTPICTURA une arte y alta costura, reinterpretando el pasado de forma contemporánea con la intención de deconstruir el retrato fotográfico para obtener una imagen nueva, material, que contenga sólo un recuerdo del mundo pasado, sin ser una copia fiel de él. Uno de los objetivos del proyecto de Melissa Marcello es hacer que el retrato, que desde un punto de vista artístico siempre ha sido un género elitista, sea accesible a las masas, dando a todos la oportunidad de formar parte de él.

Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.