Los paisajes de Edward Hopper: los vastos espacios estadounidenses entre la melancolía y el progreso

Casas en primer plano con árboles y vegetación al fondo y alrededor, colinas interminables con faros, gasolineras y carreteras desiertas, vías férreas con puestas de sol en el horizonte: los paisajes de Edward Hopper (Nyack, 1882 - Manhattan, 1967) parecen encerrados en una burbuja amortiguada, donde reinael silencio. A menudo representados sin ninguna presencia humana, incluso cuando una figura femenina o masculina aparece en el interior o justo al otro lado de la puerta de una vivienda, hay una ausencia total de sonido o de palabra. No hay diálogo, no hay intercambio. Lo que Hopper representa es un paisaje mudo y melancólico. Y la impresión es a menudo la de estar ante paisajes infinitos, de los que, sin embargo, sólo una parte es visible para el observador, una pequeña porción de un todo inmenso.

Hopper es el pintor que, más que ningún otro, ha sabido relatar en profundidad la pura americanidad de los paisajes sin límites, donde todo parece infinito, donde las distancias se extienden desmesuradamente, donde kilómetros y kilómetros discurren entre una ciudad y otra por carreteras interminables interrumpidas sólo por estaciones de servicio. La verdadera alma americana se refleja en la vasta inmensidad de espacios que parecen no tener fronteras; no es la que está hecha de lentejuelas y purpurina, de estrellas y Hollywood, sino aquella en la que el progreso, la transformación del paisaje por el hombre, ha provocado la soledad. Hopper retrató bien el concepto de una América melancólica, haciendo hincapié en el lado oscuro del progreso que, en contra de lo que cabría pensar, ha provocado un mayor distanciamiento entre los individuos. Los paisajes americanos de Hopper son composiciones claras y lineales: son frecuentes las casas, que simbolizan el asentamiento humano; las imágenes de vías de ferrocarril que discurren horizontalmente significan el deseo del hombre de conquistar grandes y extensos espacios; un cielo inmenso con detalles luministas particulares, como el sol pleno del mediodía o el resplandor crepuscular, hace referencia a la infinitud y a la constante transformación de la naturaleza; un faro puede convertirse en un punto de referencia en la inmensidad del mar y de la costa. Esta cara triste y solitaria de América también ha sido retratada en varias películas de éxito: ejemplos son North by Northwest, de Alfred Hitchcock, Bailando con lobos, de Kevin Costner , y París, Texas , de Wim Wenders. Este último incluso realizó, con motivo de la actualexposición dedicada a Edward Hopper hasta el 20 de septiembre de 2020 en la Fundación Beyeler, que presenta sesenta y cinco de sus obras de 1909 a 1965, un cortometraje en 3D titulado Dos o tres cosas que sé de Edward Hopper: un homenaje personal al artista estadounidense a través de un viaje por carretera a Estados Unidos en busca del “espíritu americano” de Hopper. El famoso cineasta recorrió América para recoger sus impresiones sobre el pintor y dar vida a una obra cinematográfica en la que las obras más famosas del artista, como Morning Sun o Gas, se ven realizadas en momentos evocadores en la película, permitiendo al espectador sumergirse literalmente en el paisaje americano y en los melancólicos escenarios representados en los cuadros de Hopper. Conocido en todo el mundo sobre todo por sus escenas de la vida urbana en interiores domésticos, o al menos a la puerta de casa, y en lugares públicos de reunión donde, sin embargo, siempre se perciben el silencio y la monotonía, el aspecto paisajístico de su arte todavía se aborda poco en las exposiciones: la amplia muestra que la Fundación Beyeler ha dedicado a este tema es, por tanto, casi única. Al mismo tiempo, el célebre museo suizo ha decidido ofrecer a sus visitantes otra exposición dedicada al silencio: Visión silenciosa. Imágenes de la calma y el silencio en la Fundación Beyeler pretende, de hecho, recorrer su colección, desdeel Impresionismo hasta la contemporaneidad, siguiendo el tema de la calma y el silencio. La modernidad, como era del progreso caracterizada por el movimiento y la velocidad, ha visto surgir un deseo opuesto de desaceleración , que se ha expresado artísticamente con nuevas imágenes de quietud y silencio.

Edward Hopper, Gas (1940; óleo sobre lienzo, 66,7 x 102,2 cm; Nueva York, The Museum of Modern Art)

Win Wenders, Two or three things I know about Edward Hopper (2020; fotogramma da film)

Win Wenders, Dos o tres cosas que sé sobre Edward Hopper (2020; fotograma de película)

Nacido en 1882 en Nyack, una pequeña ciudad no muy lejos de Nueva York, Edward Hop per asistió brevemente a la escuela de ilustradores antes de estudiar pintura en la Escuela de Arte de Nueva York. Allí recibió principalmente la influencia de Robert Henri, en particular sobre la idea de que la vida cotidiana estadounidense podía proporcionar nuevos temas que abordar en el arte, pero también le enseñó a apreciar a grandes maestros como Diego Velázquez, Jan Vermeer, Francisco Goya y Édouard Manet, artistas que habían comenzado a proporcionar una visión de la realidad. Más tarde permaneció en París, realizando sus estudios en museos y en la calle, y al principio asimiló los principiosdel Impresionismo: le influyeron la observación atenta y el uso de los colores y la luz. El pintor realizó principalmente óleos, pero también se dedicó al grabado. Su primer cuadro adquirido para formar parte de las colecciones del recién fundado Museo de Arte Moderno en 1930 fue Casa junto alferrocarril, en el que ya se apreciaban las características de su estilo: formas claramente delineadas en paisajes luminosos, una composición construida desde un punto de vista casi cinematográfico y una sensación de inquietante tranquilidad. A partir de una exposición celebrada en el MoMA unos años más tarde, Hopper fue célebre por su estilo altamente reconocible, en el que ciudades, paisajes e interiores domésticos estaban impregnados de silencio y sensación de extrañeza. A menudo sin figuras humanas, sus escenas con ciudades desiertas, gasolineras vacías y ferrocarriles igualmente vacíos son símbolos del silencio y la soledad; si están presentes, las personas rara vez aparecen en sus propias casas, sino en habitaciones de hotel, bares o restaurantes, siempre envueltas en esa alienante sensación de tranquilidad.

El artista y su esposa, Josephine Verstille Nivison, también artista, pasaron todos los veranos desde la década de 1930 hasta aproximadamente la de 1950 en Cape Cod, Massachusetts, donde tenían su casa: hay muchos cuadros ambientados en Cape Cod. Aunque en una época de prosperidad y optimismo reinante, su arte siguió mostrando el fuerte sentimiento de soledad de la América de posguerra. Sin embargo, hasta su muerte en 1967, Hopper gozó del éxito del público, que lo eligió como máximo exponente de la nueva generación de artistas del realismo estadounidense, definido como la representación de la vida cotidiana de la gente corriente en una sociedad contemporánea.

En Cape Cod se encuentra uno de los cuadros más famosos del artista: Cape Cod Morning. La obra, creada en 1950 y conservada actualmente en el Smithsonian American Art Museum, puede verse dividida en dos partes: a la derecha, los árboles que forman un denso bosque al fondo; a la izquierda, una casa blanca con contraventanas verdes, ante cuya ventana mirador se encuentra una mujer de perfil con el cuerpo inclinado hacia delante; tanto el cuerpo como la mirada de la figura femenina están vueltos hacia fuera, hacia algo que el observador no puede ver. Es posible vislumbrar la mesa sobre la que apoya ambas manos, en posición tensa, una lámpara y el respaldo de un sillón, pero el pintor, como acostumbra, no revela al espectador el tema que tanto llama la atención de la mujer. Las figuras femeninas de los cuadros de Hopper tienen como modelo a su Jo, su esposa Josephine Nivison. Esta obra, como muchas otras del artista, documenta un momento de la vida cotidiana que, sin embargo, no se permite ver en absoluto al espectador, llevándole a imaginar lo que hay más allá de la escena representada. Como señala el poeta y ensayista Mark Strand en su Edward Hopper. A Poet Reads a Painter, “los cuadros de Hopper son breves momentos aislados de descripción que sugieren el tono de lo que va a seguirles del mismo modo que ponen de relieve el tono de lo que les ha precedido [...].Cuanto más teatrales y escenográficas son, más nos incitan a imaginar lo que sucederá a continuación; cuanto más fieles a la realidad son, más nos incitan a construir la narración de lo que ha sucedido antes”. Y añade en una declaración que encaja con la mujer de la ventana: “Las personas de Hopper parecen no tener ocupación alguna. Son como personajes abandonados por sus guiones que ahora, atrapados en el espacio de su propia espera, deben hacerse compañía a sí mismos, sin un destino claro, sin futuro”.

Edward Hopper, Cape Cod Morning (1950; óleo sobre lienzo, 86,7 x 102,3 cm; Washington, Smithsonian American Art Museum)

Edward Hopper, Second Story Sunlight (1960; óleo sobre lienzo, 102,1 x 127,3 cm; Nueva York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Lighthouse Hill (1927; óleo sobre lienzo, 73,8 x 102,2 cm; Dallas, Museo de Arte de Dallas)

Lo mismo ocurre con la pareja protagonista de Second Story Sunlight, que Hopper pintó en el último periodo de su vida, siete años antes de su muerte, y que hoy se conserva en el Whitney Museum of American Art. En el balcón de una casa, una mujer está sentada tomando el sol en bikini en la barandilla, mientras otra lee el periódico, disfrutando de los rayos del sol que calientan su rostro. El uso de la luz adquiere aquí una importancia central: las fachadas de los edificios están totalmente iluminadas por la luz directa del sol y las figuras humanas representadas disfrutan de sus beneficios. Bajo los intensos rayos del sol, los colores son mucho más vivos que en las zonas de sombra, en particular en el bosque circundante, lo que crea un juego de luces y sombras.

Una figura masculina destaca (y casi se confunde) en el famoso cuadro Gas, de 1940, conservado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. También aquí se crea una yuxtaposición de luces y sombras: por un lado, la impenetrabilidad del bosque que enmarca la escena; por otro, la luz artificial procedente de las ventanas de la gasolinera. Los tres surtidores de gasolina se sitúan en el centro y la presencia del hombre no aporta nada a la escena, su presencia o ausencia es irrelevante para el conjunto de la composición. En Retrato de Orleans, cuadro de 1950 conservado en los Fine Arts Museums de San Francisco, se ve en primer plano el letrero de una estación de servicio en una curva de las calles desiertas de Orleans. Una serie de edificios se representan delante de árboles y sólo un coche circula por la calle en la distancia. Una sensación de soledad y ausencia invade también la zona edificada de la conocida ciudad estadounidense.

Edward Hopper, Retrato de Or leans (1950; óleo sobre lienzo, 66 x 101,6 cm; San Francisco, Fine Arts Museum of San Francisco)

Edward Hopper, Carretera y casas, South Truro (1930-1933; óleo sobre lienzo, 68,4 x 109,7 cm; Nueva York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Graneros de Cobb, South Truro (1930-1933; óleo sobre lienzo, 74 x 109,5 cm; Nueva York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Cape Ann Granite (1928; óleo sobre lienzo, 73,5 x 102,3 cm; Colección privada)

Edward Hopper, Railroad Sunset (1929; óleo sobre lienzo, 74,5 x 122, cm; Nueva York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Lee Shore (1941; óleo sobre lienzo, 71,8 x 109,2 cm; Colección Middleton)

Edward Hopper, Roca cuadrada, Ogunquit (1914; óleo sobre lienzo, 61,8 x 74,3 cm; Nueva York, Whitney Museum of American Art)

Las figuras humanas desaparecen por completo en los paisajes típicos de Hopper, que describen paisajes muy cercanos al artista, como la serie de cuadros del Whitney Museum of American Art ambientados en los alrededores de Truro, Cornualles, los pastos con grandes rocas de granito de Cape Ann, Massachusetts, los ferrocarriles encontrados a través de América, las colinas sobre las que se alza un faro blanco.

Hopper realizó el cuadro Cape Ann Granite, que perteneció a la colección Rockefeller y que ahora forma parte de la Fundación Beyeler como préstamo permanente, en el verano de 1928, época en la que también ejecutó numerosas acuarelas que representan el paisaje local. Los pastos verdes y escarpados, interrumpidos aquí y allá por grandes rocas de granito, se inclinan probablemente hacia el océano, que se encuentra a la derecha, más allá del cuadro. La obra muestra un gran interés por el paisaje y por los efectos de luz que el pintor consigue crear sobre los prados.

En cambio,Atardecer en el ferrocarril , en el Whitney Museum of American Art, se basa en un uso evocador del color siguiendo líneas horizontales. Desplazado hacia la izquierda se ve el pequeño edificio de señales ferroviarias flanqueado por un alto poste telefónico y, sobre ondulantes colinas verdes, el cielo se vuelve rojo, naranja, amarillo, con salpicaduras de azul, los colores de una espectacular puesta de sol en el horizonte. Después de casarse, Hopper y Josephine Nivison emprendieron varios viajes en tren a Colorado y Nuevo México, y en 1929, año en que el artista pintó este cuadro, viajaron de Nueva York a Charleston, Carolina del Sur, Massachusetts y Maine. Sin embargo, más que un lugar definido, el cuadro pretende mostrar la inmensidad y el vacío de los paisajes americanos, los que sin duda vio la pareja durante sus viajes.

Los paisajes marinos de Hopper son también menos conocidos, pero no por ello menos significativos: no sólo colinas, pastos y carreteras, sino también mares dominados por casas blancas, velas blancas desplegadas y cuyas olas chocan contra las rocas, como en Lee Shore , de 1941, y Square Rock, Ogunquit, de 1914.

Los paisajes de Edward Hopper merecen ser más conocidos, al igual que sus escenas de la vida urbana, ya que dan una idea del verdadero espíritu estadounidense, a menudo oculto por la ostentación y las celebridades.

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