Los dos cuadros "italianos" de Gustav Klimt: Las tres edades de la mujer y Judith II

Las mujeres , representadas por Gustav Klimt (Baumgarten, 1862 - Viena, 1918) en la mayoría de sus cuadros, son exaltadas ahora por su sensualidad, ahora por su orgullo. El cuerpo femenino, todo menos oculto, se convierte en símbolo de seducción y dulzura maternal, características que toda mujer posee. Elementos que también son evidentes en las dos únicas obras de Klimti que se conservan en Italia (a excepción del retrato femenino robado de la Galería Ricci Oddi de Piacenza en 1997): Judith II y Las tres edades de la mujer, protagonistas de un arte que pretende representar en el lienzo todos los aspectos de la feminidad, de la mujer-niña a la mujer-niño, de la pasión carnal a la maternidad y la vejez. En cada caso, una mujer consciente de su esencia, su temperamento y su feminidad. Además, el arte de la pintora austriaca se sitúa en una época en la que la sexualidad y los estudios sobre ella invadían todos los campos del saber, especialmente en la Viena de principios del siglo XX, gracias a la aportación médica y psicoanalítica de Sigmund Freud (Freiberg, 1856 - Hampstead, 1939) y a la literaria de Arthur Schnitzler (Viena, 1862 - 1931). Aportaciones fundamentales que trascendieron las convenciones y la respetabilidad burguesa e hicieron del desnudo un aspecto natural del ser humano, encaminado a un mayor conocimiento y conciencia del propio cuerpo.

De hecho, la desnudez es recurrente en las figuras femeninas de Klimt, desde las que están en la infancia hasta las más maduras: así se aprecia inequívocamente en el famoso óleo sobre lienzo Las tres edades de la mujer, conservado en la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma, a la que fue destinado después de que el Estado italiano lo comprara en 1911. Esta obra representa las tres fases de la vida de una mujer, una al lado de la otra: en el lado derecho, una joven aparece de frente con una niña en brazos, mientras que en el lado izquierdo, una anciana aparece de perfil. Los dos núcleos de figuras parecen a la vez cercanos y distantes, ya que no sólo están pintados desde puntos de vista distintos, sino que sus respectivos fondos también son diferentes; sin embargo, están colocados en un núcleo central para significar presumiblemente una especie de sucesión temporal inherente al curso de la vida. La niña y la joven están tiernamente abrazadas, como una madre lo hace con su hija; ambas están desnudas, de modo que cada una siente el calor del cuerpo de la otra y cada una vive de ese calor, de ese amor inconmensurable. Ambas mantienen los ojos cerrados, como para disfrutar plenamente de este íntimo momento maternal, y una gran sensación de ternura brilla en los dos rostros, ambos relajados y distendidos, así como ligeramente sonrojados en las mejillas, probablemente para acentuar esa calidez antes mencionada.

Gustav Klimt, Las tres edades de la mujer (1905; óleo sobre lienzo, 180 x 180 cm; Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea)

Gustav Klimt, Judith II (1909; óleo sobre lienzo, 178 x 46 cm; Venecia, Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro)

La mujer mayor está colocada de perfil hacia las dos figuras mencionadas, con las que el único contacto visible parece ser entre el cabello de la primera y el pelo rojo y el hombro derecho de la mujer más joven. El rostro de la figura mayor está oculto por el pelo rizado y gris que cae sobre sus pechos, y además se cubre la cara con una mano. Su cuerpo está marcado por la edad y la maternidad pasada: la piel parece casi curtida y arrugada, la complexión es enjuta y curvada, los pechos han perdido firmeza y el vientre pronunciado indica un embarazo lejano. Otro detalle a destacar es la diferencia entre las respectivas manos de las mujeres: la de la anciana se caracteriza por una visible aspereza con dedos finos y nudosos; más delicadas, suaves y blancas las de la joven madre, con las que sostiene al niño. La pequeña mano de este último asoma tiernamente por debajo de la pequeña barbilla para apoyarse en el pecho de la madre.

La proximidad de la figura mayor a las otras dos indica un deseo de presencia física y afectiva, pero con su posición es como si quisiera dejar espacio a la más joven, que tiene toda una vida por delante, aún por disfrutar plenamente, mientras ella avanza hacia la decadencia. De hecho, las flores que rodean la cabeza de la madre y caen sobre sus hombros subrayan la fertilidad; sus piernas también están envueltas en un fino velo azul claro que también envuelve parcialmente las del niño: tal vez indicando el estrecho e inseparable vínculo que los une.

En cuanto a los respectivos fondos, visiblemente diferentes, podría decirse que una sensación de vitalidad y fertilidad impregna los decorados en los que madre e hija están inmersas: un campo de pequeñas y medianas flores de vivos colores; sobre un fondo algo dorado y algo negro , en cambio, se alza la anciana, probablemente indicando una edad en la que coexisten la vida (con pequeñas flores de colores apagados) y el pensamiento de la muerte (donde ya no hay flores). En este sentido, es significativa la superficie sobre la que descansan los pies de esta última: a horcajadas sobre una especie de línea, uno se sitúa en la zona dorada, mientras que el otro, el más exterior, se sitúa en la zona negra, sin flores, sin formas de vida. Como a caballo entre la vida y la muerte. La mano que se lleva a la cara podría ser, en este sentido, un signo de tristeza por su existencia a punto de llegar a su fin.

Influyente para los adornos del fondo de las tres mujeres fue el viaje de Klimt en 1903 a Rávena, en el país de los mosaicos: en los cuadros del pintor austriaco, los ornamentos recuerdan, tanto por el color como por la composición, la técnica del mosaico. El artista experimentó un increíble asombro cuando visitó la Basílica de San Vitale y todos los demás lugares de Rávena donde el gusto bizantino produjo maravillosas obras maestras, aún hoy admiradas y queridas por miles de personas, en las que el azul, el verde y el oro crean composiciones elaboradas pero precisas y definidas. Muy similares, en mi opinión, a los fondos ornamentales de esta pintura klimtiana, son la bóveda de cañón y la cúpula con motivos florales y estrellados del Mausoleo de Galla Placidia. Lainspiración de Rávena dio lugar a sus famosas obras maestras, caracterizadas tanto por estos motivos multicolores y florales como por las teselas de mosaico dorado de las que surgió la"edad de oro" de su producción. El cuadro de Las Tres Edades data de 1905, apenas dos años después de su viaje a la ciudad de Romaña; se expuso en la sala habilitada con obras de Klimt en la Bienal de Venecia de 1910, junto con Judith II, de 1909, que hoy se encuentra en la Galería de Arte Moderno de Venecia (fue adquirido por el Ayuntamiento de Venecia en 1910).

Rávena, Mosaicos de la basílica de San Vitale. Foto Crédito Finestre sull’Arte

Rávena, Mosaicos de la bóveda del Mausoleo de Galla Placidia

Rávena, Mosaicos de la cúpula del Mausoleo de Galla Placidia. Foto Crédito Finestre sull’Arte

El artista ya había representado en el lienzo a laheroína bíblica, que se convirtió en símbolo de la fuerza y el valor femeninos y de la venganza contra el abuso de poder masculino: la bella y joven Judit consiguió salvar a su pueblo judío seduciendo al general asirio Holofernes, que había sitiado el territorio contrario, y finalmente lo mató cortándole la cabeza. Klimt terminó Judith I, actualmente en la >Österreichische Galerie Belvedere de Viena, en 1901. Es una obra llena de sensualidad y erotismo que transpira el cuerpo y la mirada de la figura femenina: el vestido que deja al descubierto sus pechos desnudos y la mirada que guiña cautivan al espectador; es una femme fatale ante la que uno se encuentra. La cabeza de Holofernes se vislumbra a medias en el ángulo inferior derecho, sujeta por el cabello de la mujer en un gesto similar a una caricia, pero que en realidad oculta un acto asesino. Se cree que el artista tomó como modelo para este cuadro a Adele Bloch-Bauer, una mujer de la alta sociedad vienesa, cuyo retrato pintó en 1907.

La característica figura esbelta, casi monumental, que confiere sensualidad a las mujeres de Klimt, persiste también en Judith II , pero a diferencia de la Judith anterior, ésta está representada de perfil y con líneas más curvas, dando la impresión de que la heroína está sentada con las piernas hacia un lado. Su mirada no está dirigida hacia el observador y sus pechos están totalmente descubiertos, sin ninguna prenda sobre el torso; una decoración con motivos geométricos la envuelve del vientre hacia abajo, dejando sólo las manos al exterior. En una mano, ricamente decorada con brazaletes de piedras preciosas, sostiene la cabeza del general Holofernes colgando de su larga cabellera, cuyo rostro se vislumbra de rasgos más finos y cuidados que el retratado en Judit I. Este último, de hecho, tenía un aspecto más tosco, con una espesa barba y pelo grueso. Nótese el hecho de que en Judit II la cabeza cortada aparece metida en un saco negro, como de hecho hizo la heroína bíblica con la ayuda de su sierva para escapar de la tienda del general asirio. Un elemento que debe hacernos reflexionar sobre la atribución del tema representado: de hecho, este cuadro ha sido comparado en muchos casos con la representación de Salomé, otra mujer bíblica vinculada a la decapitación de un hombre, pero en aquella ocasión la cabeza de San Juan Bautista era transportada en una bandeja.

Gustav Klimt, Judith I (1901; óleo sobre lienzo, 84 x 42 cm; Viena, Österreichische Galerie Belvedere)

Gustav Klimt, Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907; óleo sobre lienzo, 138 x 138 cm; Nueva York, Neue Galerie)

Arte asirio, Relieves de Laquis, detalle (c. 700 a.C.; escayola; Londres, Museo Británico)

Los fondos de las dos versiones de Judit también son notablemente diferentes: en la primera, un paisaje estilizado con árboles y colinas está completamente dorado, cita de un relieve asirio del palacio de Senaquerib en Nínive (hoy en el Museo Británico). En este lienzo, eldorado es el color predominante, que, además del paisaje, invade con ornamentos circulares la túnica transparente y el lujoso cuello Art Nouveau, así como el propio marco realizado por el hermano del artista, Georg (Viena, 1867 - 1931), escultor y cincelador. Las decoraciones de este último presentan, como ya se ha dicho, motivos geométricos que van de espirales a triángulos y rectángulos; aquí, el oro también enmarca la composición pictórica alternando negros, amarillos, rojos, morados, blancos y azules.

Gabriella Belli, comisaria de la exposición En torno a Klimt. Judith, heroísmo y seducción , que se celebró en Mestre de diciembre de 2016 a marzo de 2017, escribió en el catálogo de la exposición: “Judith retrocederá a través de los siglos hasta la época de Klimt, despojándose poco a poco en la literatura, la poesía y el arte de su castidad, su virtud y aquella fortaleza que la había sostenido en la prueba de su gesto extremo de heroísmo, en una inversión negativa del mito que será precisamente cantado por Klimt en el magnífico cuadro de 1909. Lo que el maestro vienés nos muestra ya no es una heroína de la historia, no es una salvadora, no es casta, es más bien una mujer que ha descubierto su propia sexualidad, que rechaza su propia marginalidad social, que ha descendido a las tinieblas del inconsciente descubriendo sus propias pulsiones más íntimas, incluso las ligadas al deseo de dar la muerte”.

Las mujeres protagonistas de las citadas obras de Klimt representan en sus actitudes y poses la cultura vienesa de principios del siglo XX, pero haciendo evidentes las influencias del artista procedentes de Italia, de los famosos monumentos de Rávena. Obras en las que pintura y mosaico conviven en lienzos extraordinarios y evocadores que se han convertido en obras maestras de la historia del arte.

Bibliografía de referencia

• Dani Cavallaro, Gustav Klimt. A Critical Reappraisal, McFarland, 2018
• Gabriella Belli (ed.), Attorno a Klimt. Judith, heroísmo y seducción, catálogo de la exposición (Mestre, Centro Culturale Candiani, del 14 de diciembre de 2016 al 5 de marzo de 2017), Linea d’Acqua, 2016
• Patrick Bade, Gustav Klimt, Parkstone International, 2011.
• Robert Weldon Whalen, Primavera sagrada: Dios y el nacimiento del modernismo en la Viena de fin de siglo, William B. Eerdmans Publishing Company, 2007.
• Eligio Imarisio, Donna poi artista: identità e presenza tra Otto e Novecento, FrancoAngeli, 1996
• Adriano Donaggio, Biennale di Venezia: un secolo di storia, Giunti, 1988

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