Le déjeuner sur l'herbe", la escandalosa obra de Édouard Manet

El ser humano busca constante y afanosamente algo a lo largo de su vida, con la esperanza de que ese algo deje en el mundo siquiera un rasguño insignificante. Queremos ser recordados: hay quien busca la fama, quien busca la felicidad plena e ilimitada, y quien busca una luz y una oscuridad tan cegadoras que dejan tras de sí medias tintas. Y fueron precisamente estos fugaces destellos de oscuridad los que persiguió Édouard Manet (París, 1832 - 1883) al verse atrapado en la búsqueda de su camino. El ahora conocido como “padre del modernismo” fue inicialmente un simple pintor de origen burgués que emprendió su camino con un sinfín de dificultades y complicaciones: Comenzó a exponer, a partir de 1861, en el Salón oficial, el de la Académie des Beaux-Arts de París, aunque las obras que le aceptaban eran principalmente las que se hacían eco de Velázquez y de su estilo españolizado que, en aquella época, gozaba de gran popularidad. Aunque aspiraba a la grandeza del salón oficial, Manet decidió mantener abierta una pequeña ventana que le permitiera expresarse con mayor libertad: la del salón privado.

El marchante Martinet expuso los cuadros de Manet hasta 1863, incluido el Ballet español de 1862, pero sobre todo sus cuadros explícitamente dedicados a la vida moderna, que nunca se mostraron en el Salón hasta los años setenta. En su biografía Souvenirs, el compañero de toda la vida de Manet , Antonin Proust, escribió: “Su breve estancia en países soleados encendió una concepción en la que todo se le aparecía con una sencillez que Thomas Couture no comprendía... Suprimió por completo los medios tonos. Buscaba constantemente la transición inmediata de la sombra a la luz”. El irreverente artista, aunque consideraba inadecuada y mortificante la mera disciplina académica, trabajó en el taller de Thomas Couture (Senlis, 1815 - Villiers-le-Bel, 1879) durante seis años, muy consciente de que sus obras eran muy apreciadas por la intelectualidad de la época y, sobre todo, eran las que entraban en los codiciados Salones.

Aunque era una especie de " enfant terrible " de su época, un pintor que parecía rechazar la tradición pintando de forma precipitada e incluso inacabada y descuidada, Manet quería ser aceptado y siguió compitiendo por el reconocimiento oficial, sometiendo constantemente sus obras a un jurado que casi nunca las encontraba estéticamente aceptables. Y en 1863 presentó, bajo el título de Le bain ("El baño"), un gran lienzo que ahora se conoce como Le déjeuner sur l’herbe (" Desayuno sobre la hier ba"). Se trataba de un cuadro de un tamaño habitualmente reservado a las obras del género histórico y había sido concebido como la parte central de un tríptico, un cuadro bandera(tableau-drapeau, término del Salón para un cuadro que ocupa el centro de una pared) con dos temas españoles a sus lados: el retrato de un joven con traje de Majo y el retrato de una joven con traje de España, ambos de 1862.

La obra fue rechazada. Desgraciadamente, como no se levantó acta, no disponemos de una herramienta fundamental para entender por qué se rechazó esta obra, pero ese mismo año, y por primera vez, la multitud de obras rechazadas llevó a Napoleón III a abrir el Salon des Refusés, el salón donde se exponían las obras rechazadas en el Salón. Así, la obra de Manet se expuso en las nuevas salas del Palacio de la Industria en la retrospectiva de los horrores (o al menos de los que se consideraban como tales), de los rechazos y de los eternos rechazados. Esta segunda exposición, el Salón de los Rechazados, atrajo a una avalancha de visitantes intrigados por la pintura moderna, pero poco preparados para lo que iban a descubrir. Y descubrirían cuadros como la Sinfonía en blanco de Whistler, La féerie de Fantin-Latour y, sobre todo, El desayuno sobre la hierba de Manet.

El artista muestra aquí a una mujer desnuda que mira, despreocupada, hacia el espectador mientras enmarca su rostro con una mano. La modelo es Victorine Meurent, una obrera de Montmartre. A su lado y frente a ella, dos estudiantes, una de medicina y otra de derecho, vestidas con sus mejores galas, conversan mientras, a lo lejos, otra mujer en slip se baña las piernas en un arroyo. Una escena aparentemente sencilla que no hace más que representar un desayuno, o más bien un almuerzo al aire libre, poniendo al descubierto los vicios de la burguesía de la época. Sin embargo, hasta 1904 no se descubrió que el grupo principal no sólo declaraba una continuidad con el Concierto campestre de Tiziano, sino que también remitía al ejercicio académico de la copia por grabado: en concreto, de la estampa de Marcantonio Raimondi del Juicio de París (1513-1515) de Rafael, un fresco que se ha perdido. Manet toma las tres figuras principales y las reinventa. En lugar de dioses del río y ninfas, presenta a parisinos modernos del siglo XIX disfrutando de un picnic. No se sabe por qué los críticos contemporáneos no lo mencionaron, ya que la obra de Raimondi era bien conocida y en la École nationale supérieure des beaux-arts se había incluido durante doce años seguidos como trabajo de examen para copiar a partir de grabados.

Sin embargo, aunque tal pedigrí histórico-artístico puede, muy a menudo, avalar la cultura de un artista, en esta obra en particular parece subrayar aún más la distancia entre Manet y las fuentes del siglo XVI. La idea de ver a dos hombres vestidos conversando con una mujer que no está desnuda, sino simplemente desvestida, extremadamente traviesa, y que busca abrumadoramente la mirada del espectador, fue algo chocante para los contemporáneos del artista. La profunda perturbación se acentúa aún más por las referencias sexuales explícitas, como el pájaro que vuela y, sobre todo, por lainexplicabilidad de la escena: no hay en esta obra ninguna narración que pueda explicar el contraste entre la mujer y los hombres, el desinterés de la primera, la falta de pudor de los segundos. Es lo contrario de cualquier pintura tradicional en la que los modelos se convierten en desnudos, generalmente figuras mitológicas. Aquí Manet parte del modelo de referencia preciso (la ninfa de Rafael) y elige deliberadamente dar un vuelco a los cánones del uso del desnudo. Toma una ninfa desnuda y bella y la desnuda, convirtiéndola en prostituta y aludiendo a una vida disoluta y oculta.

Las figuras están ambientadas en un bosque que los historiadores han identificado en el Bois de Boulogne, conocido por los paseos de prostitutas, o en Gennevilliers, puerto fluvial del Sena situado a diez kilómetros al noroeste de París, donde la familia Manet poseía tierras.

Sin embargo, la inquietante iluminación de la obra se ha comparado a menudo con una escena iluminada por los flashes de una cámara, que acentúan los contrastes y aplanan las figuras del primer plano. Y Le déjeuner sur l’herbe fue tachada por sus contemporáneos de obra escabrosa, indecente y escandalosa, y las razones son muchas. Destacan, por ejemplo, el bodegón tizianesco del primer plano, improbable porque los melocotones y las cerezas maduran en estaciones diferentes, y sobre todo las figuras nítidas y luminosas perfectamente silueteadas sobre el fondo seco que recuerda el fondo de un estudio fotográfico. Así pues, no fue sólo el contenido lo que suscitó interminables polémicas, sino también y sobre todo la técnica del artista y la forma deliberadamente cruda de aplicar los colores, caracterizados por violentos contrastes entre luces y sombras que abolían el claroscuro. Habiendo estudiado con Thomas Couture, Manet conocía los métodos académicos de construcción de la imagen, el uso del claroscuro: sin embargo, optó por no aplicar las reglas aplanando las formas y acentuando la superficie del lienzo. Así empezó a crear mujeres que parecían cadáveres, sumergidas en un manto de yeso, espacios con una perspectiva plana y todo menos tradicional, empezó a eliminar las gradaciones de tono dejando yuxtaposiciones abruptas de luz y oscuridad.

Édouard Manet fue un hombre desgarrado entre dos mundos y eternamente a caballo entre ellos: la burguesía, a la que pertenecía por sangre, y el París más pobre, verdadero y desencantado. Inventó un nuevo lenguaje por el que nunca fue realmente aceptado, salvo por los marginados y los extraños impresionistas a cuyas exposiciones nunca asistió. Manet quería ser grande, quería ser aceptado y recordado, pero siempre debemos tener mucho cuidado con lo que deseamos porque, como escribió Oscar Wilde en 1895, “cuando los dioses quieren castigarnos, responden a nuestras plegarias”.

Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.