Las Noches de Correggio. El sorprendente descubrimiento de una obra maestra allegriana

Podemos preguntarnos: ¿las Noches de Correggio tienen algo en común con Las Noches de Cabiria? ¡No se asusten! La heroína de Fellini (que tanto transmite de su autor) está vivamente impregnada de una alegría muy humana, de una radiante expresión de felicidad efervescente, buscada para sí y para los demás, pero lánguidamente superada por un misterioso aflato de fracaso y muerte. No intentaremos descifrarlo aquí, aunque nos invite a ello ese final traicionero, pero recordaremos cautelosamente al lector un dualismo casi análogo presente en el carácter del arte de Correggio, observado a lo largo de toda su carrera.

Antonio Allegri, el pintor de la alegría, ha deslumbrado siempre (desde Vasari en adelante) a todos los críticos por el esplendor de su pintura, por el resplandor beatífico de sus cuadros, por la impregnación de luz de sus retablos, de sus frescos bañados en esplendor. De Correggio se dijo: “este es el mediodía del arte”. Para quienes conocen el valle del Po, el mediodía de la temporada alta es un éxtasis de calor, un baño total y casi insoportable de luminosidad en la bóveda celeste. Sí, aquel que se firmaba a sí mismo “laetus” transpuso varias veces la luz como elemento dominante de sus composiciones, y como primer elemento de la paleta de colores. En los andamios de la restauración de la cúpula de la catedral de Parma, Renato Pasqui nos mostró el “principio de la luz” del proceso de Correggio: un comienzo no sólo técnico, sino ciertamente intelectual y psíquico. Una elección básica que impregnaría toda la obra, conservándose siempre.

Pero, ¿por qué “las Noches”? Curiosamente, podemos observar que los dos retablos más famosos de Nostro se llamaban “El Día” y “La Noche”. He aquí, pues, la otra cara, la que en realidad hace del Pittor delle Grazie un maestro extraordinario, capaz de extraer de su paleta audacias luminísticas nunca vistas hasta entonces y juzgadas como imposibles (indescifrables, diría Eugenio Riccomini). Nos referimos explícitamente a composiciones ambientadas de noche, y por tanto privadas de cualquier fuente de luz natural. Por esta razón, y por el redescubrimiento de una obra maestra, se nos ha ocurrido aquí investigar estas excepciones en el corpus general de Allegri, que se sitúan en una serie de momentos creativos bastante distantes. Tengamos en cuenta, además, que la fortísima personalidad del pintor estaba ya formada desde su avanzada juventud, y llena de herramientas siempre dispuestas a adaptarse a sus inspiraciones.

Y he aquí ese misterioso vínculo con la amarga balada de la frágil alegría de Fellini: en todas las “Noches” de Correggio, la muerte se cierne, inmediata o en temblorosa latitud, pero presente. Y es una muerte sagrada.

Correggio, Il Giorno (Madonna del San Girolamo) (óleo sobre tabla, 205 x 141 cm; Parma, Galleria Nazionale) Es uno de los paradigmas de la plenitud pictórica solar, alabado a lo largo de los siglos.

Hacia 1510, tras su aprendizaje con Mantegna, Antonio Allegri (1489 - 1534) se había dedicado a numerosos viajes y a un amplio estudio de maestros de diversas regiones; sin duda le llamó la atención la experimentación nórdica de los efectos de luz artificial y quiso probar desde muy pronto este nuevo carácter que parecía haber sido ignorado en Italia. Así, el pequeño panel que hoy es el orgullo del Museo de Bellas Artes de Estrasburgo se convirtió para él en un ejercicio apasionante sobre un tema que el pintor mantenía fuertemente restringido: la matanza de Holofernes por Judit. El episodio, tomado del libro de Judit (Jdt. 13, 18) es el del asesinato del feroz general de Nabucodonosor que estaba a punto de destruir a los israelitas, pero que, seducido por la audaz mujer para salvar a su pueblo, la acoge en su tienda por la noche y luego es decapitado por ella mientras duerme. La heroína judía, acompañada de su sierva, mete la cabeza del enemigo en un saco y huye. El acontecimiento determinó la salvación bíblica de Israel. Así pues, ¡noche y muerte!

Es importante destacar cómo a partir de este cuadro, realizado principalmente para sí mismo, Correggio se vincula exactamente al momento del acontecimiento (es decir, la oscuridad dentro de la tienda) sin buscar las evasiones que llamaríamos atmosféricas de otros pintores de la época. Todo está extremadamente concentrado, como podemos ver, y la única fuente de luz es la real de la antorcha que perfila la aristocrática víbora y el elegantísimo perfil de Judit junto con el grito deformado de la sierva y la macabra cabeza que se hunde en el saco. Se trata probablemente del primer verdadero nocturno del arte italiano, con colores precisos y centelleantes, lleno de perturbación y patetismo.

Correggio, Asunción de María, detalle (fresco de la cúpula de la catedral de Parma) Atravesando el cielo con una deslumbrante luz sobrenatural, Cristo desciende hacia la Madre.

Correggio, Judith y su esclava con la cabeza de Holofernes (óleo sobre tabla 27 x 20 cm; Estrasburgo, Museo de Bellas Artes) Este es el primer testimonio de la pintura italiana en absoluto nocturno. Un logro temprano del pintor deseoso de experimentar con todas las posibilidades del lenguaje y la adhesión a la verdad histórica.

Correggio se inclina entonces por una serie de obras extremadamente elaboradas, incluso “a mezzo lume”, que le convierten en el mayor pintor del claroscuro, pero vuelve a la inmersión nocturna entre 1516 y 1517, cuando pinta la famosa “Zingarella”. Otra pequeña tabla cuyo tema nace del pensamiento íntimo de una escena amada, de una elección que sólo puede haber descendido de una meditación personal sobre el tema de la Huida a Egipto y que quiere centrar la contemplación exclusivamente en la maternidad de María. Una maternidad consciente de la divinidad de su Hijo y temblorosa por su destino humano, hasta el punto de que esta Madre reúne a todos para anidar y defender a su hijo, con una intensidad de amor que luego golpea a todos los parientes. Una composición muy singular y conmovedora en el marco arbóreo totalmente sombreado tras la puesta de sol, donde sólo un espíritu angélico da testimonio silencioso de las dos presencias del momento evangélico, mientras el inocente conejo las admira.

La fortuna de este icono fue inmensa y enseguida se hicieron y difundieron copias. En efecto, llama la atención la profunda espiritualidad que emana de él; desde el principio fue reconocido como un preludio de la futura Piedad, ya que en él se percibe realmente la preconcepción de la pasión y el sacrificio del Hijo. Caravaggio, ardiente admirador de Correggio, la transpuso directamente a su Descanso en la Huida a Egipto en la Galería Doria Pamphili.

Correggio, La gitana (óleo sobre lienzo, 46,5 x 37,5 cm; Múnich, colección particular) En este ejemplar se conservan todos los elementos originales. Tras la puesta de sol, María encierra a su Niño para la noche que desciende.

Caravaggio, Descanso durante la huida a Egipto (óleo sobre lienzo, 135,5 x 166,5 cm; Roma, Colección Doria Pamphilj) Caravaggio retoma la poesía mística de Zingarella y señala a Correggio como su fuente admirada.

Al final de la gigantesca e ingeniosa empresa de los frescos de San Giovanni Evangelista, en Parma, entre 1524 y 1525, Antonio Allegri se dedicó a algunos pasajes de los últimos acontecimientos de la vida de Cristo. Apenas cabe mencionar la profunda formación cristiana de este pintor emilianense, así como su independencia en la elección de sus obras: en efecto, casi siempre se tiene la impresión de que precedía al encargo y, por así decirlo, prevalecía sobre él: ¡hablaba y se manifestaba con gran autoridad! Hablemos pues de dos temas muy raros que Correggio preparó en esa fase de su laboriosa vida que podríamos llamar la “compassio Christi”. Estamos entre 1524 y 1525 y algunas escenas particulares de la Pasión de Jesús aparecen densamente en su catálogo, tocando pasajes evangélicos poco frecuentados antes de él.

En este orden vemos la Oración en el Huerto: otros pintores, siguiendo al pie de la letra los textos de Mateo y Lucas, han colocado a Cristo más lejos y a los tres apóstoles dormidos más cerca, o han buscado soluciones algo más alineadas, pero el insoportable diálogo del Nazzareno con el Padre “pasa de mí este cáliz si es posible...” y la triple llamada a los discípulos adormecidos, y finalmente el descenso del ángel para consolarlo desde el cielo, exigían una cercanía absoluta en este último momento en el que Jesús acepta abiertamente todo el inmenso sacrificio y la muerte, que Él ya conocía bien. Y es aquí donde Correggio, tras la mayor angustia del Dios encarnado, sitúa la inminencia del Ángel suspendido que irradia prodigiosamente a su Señor en la noche y le consuela en su sublime aceptación. La composición, extremadamente difícil e ingeniosa, casi nos ofrece la frontalidad de los dos protagonistas, pero es en la fuerza luminosa que atraviesa la noche donde se sostiene el conjunto de esta impresionante obra maestra que nos atrapa el alma.

En el Huerto de Getsemaní, inmediatamente después de la Oración, se suceden los acontecimientos de la terrible noche, y Correggio capta uno menor con sumo cuidado, pintando un tema nunca tocado directamente por otros pintores, a saber, El joven que escapa a la captura de Cristo. El lienzo, que no es de grandes dimensiones pero se conoce y admira a través de copias desde el siglo XVI, ha sido redescubierto recientemente en excelentes condiciones, hasta el punto de que esta recuperación debe señalarse como un acontecimiento sensacional en el contexto de la cultura artística internacional.

Una joya que, con un fuerte atractivo, ¡debe conservarse para Italia!

Correggio, La Oración de Jesús en el Huerto (óleo sobre tabla, 37 x 40 cm; Londres, Hapsley House) Un nocturno pleno, resuelto por el ángel como un radiador de luz. El encuentro muestra el brillante dominio de Correggio de los cuerpos en la esfericidad del espacio, que Vasari alabó mucho.

Correggio, Joven escapando de la captura de Cristo (óleo sobre lienzo, 56 x 46 cm; Propiedad privada) Una escena única en el contexto del arte italiano, maravillosamente compuesta en movimiento en muchos planos. Incluso en su tamaño, se condensan aquí la extrema habilidad y la punzante espontaneidad del autor.

Retomando el relato, decimos que tras el episodio de la ardiente oración, los guardias dirigidos por Judas no tardan en llegar para arrestar a Cristo, que se entrega libremente, obteniendo que dejen libres a sus discípulos. El grupo se dirige entonces hacia la casa de Caifás, mientras los apóstoles se dispersan, pero el evangelio de Marcos recoge un episodio rápido: un joven sigue de cerca al grupo de Jesús, por lo que los guardias intentan apresarlo, pero él, que iba vestido sólo con un manto, deja su manto en sus manos y “huyó desnudo” (Mc 14,50-52). No sabemos quién era el joven, pero sin duda sentía un vínculo muy fuerte con el Señor: esta verdad impresionó especialmente a Correggio, que pintó la huida del adolescente mientras, al fondo, Jesús recibe un beso de Judas y vuelve a pegar a Malco la oreja que Pedro le había cortado. Un episodio nocturno, en plena oscuridad, como se desprende de la faci que portan los guardias, y preludio de la muerte divina supremamente aceptada. Aquí Correggio crea una composición escalena en movimiento, imbricada con el quiasmo, y se ve obligado a ofrecer directamente un destello místico que irradia al joven desnudo, luego descubre al armiger con sus juntas, y se pierde en la lejanía: y éste es el destello de la fe. He aquí la dialéctica con la oscuridad del mal.

En 1530, Antonio Allegri entregó a la Capilla de los Pratonieri, en la iglesia de San Próspero de Reggio Emilia, lo que podemos llamar “la Noche de las Noches”. La ’Noche’ por excelencia, que le había ocupado desde 1522 con ensayos y pausas, con intuiciones y pensamientos: la “Noche Santa”, ¡el momento del nacimiento de Jesús! El tema había envuelto el alma del pintor y le había conducido a la sublime verdad de Dios que se hace hombre, del Redentor que desciende para traer la Gracia al mundo, de la inmensidad de este acto sobre toda la creación y de este don infinito que compromete a la Trinidad a través de María. Conociendo la formación de Correggio, su práctica monástica, su entusiasmo cristiano que se traducía continuamente en sus visiones preimaginadas, sus formas, sus colores, se puede creer que este panel (definido más tarde por muchos como el cuadro más bello del mundo) fue el fruto de una gracia especial.

Y es una “Noche” que entra en nuestro tema porque la Encarnación del Verbo tiene como objetivo la ofrenda suprema de la muerte en la Cruz. Pero todo aquí es esplendor, todo es luz que nace del Niño, de un cuerpo humano, como nunca nadie había pensado ni hecho en pintura: un prodigio del Maestro del Cielo; una epifanía de luz de Aquel que declararía “Yo soy la luz del mundo” (Jn 8,12). Y es el alma misma de Correggio la que exulta, la que se ilumina.

¡Sí, es un nacimiento! ¡Y es un nacimiento para morir! Pero entonces, ¿qué significa ese regocijo salvaje de los ángeles en el cielo? Significa la gloria de Aquel que será el Resucitado. Noche y luz se funden así en muerte y resurrección salvadoras.

Las Noches de Correggio tuvieron un seguidor en el valle del Po de una fuerza sin igual: Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio.

Ahora, para cerrar de nuevo en la modernidad, podríamos recordar la llamada de un rockero nacido precisamente en Correggio, Luciano Ligabue, que con su guitarra nos insta en la vida a no descansar, a buscar siempre, a alcanzar y comprender las cosas: “Algunas noches el camino no cuenta, y lo que cuenta es sentir que vas”.

Correggio, La Notte (Adoración de los pastores) (óleo sobre tabla, 256,5 x 188 cm; Dresde, Gemäldegalerie) Una obra maestra absoluta de todos los tiempos donde la felicidad de Allegri florece en grado sumo con la increíble “inventio” del cuerpo de un niño generando luz en el mundo y en los cielos.

Correggio, La Notte, detalle del cuerpo radiante. Vasari, profundamente impresionado, cita la realidad de la luz de la protección de los ojos de la joven pastora, que acudió al pesebre de Belén.

Correggio, La Noche, Ángeles. Incluso los ángeles son iluminados por el tierno Niño divino. Esta totalidad hace que la Encarnación del Verbo sea verdaderamente sobrehumana, como la ve Correggio en éxtasis.

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