La puesta de sol de Giorgione, uno de los paisajes más evocadores de la historia del arte

Si tuviera que nombrar a dos o tres de los pintores más fascinantes de la historia del arte, no tendría ninguna duda sobre un nombre, y le asignaría un lugar en este ranking especial a Giorgione. Es de él de quien quiero hablarles en este post.... o mejor dicho: quiero hablaros de la que para mí es una de sus obras más evocadoras, la Puesta de sol de la National Gallery de Londres. La primera impresión que tuve, al encontrarme frente a este cuadro, fue una sensación de calma, serenidad y relajación, sugerida por el que es el verdadero protagonista de este óleo sobre tabla: el paisaje.

Un paisaje rocoso, para ser precisos. A la derecha, los últimos vestigios de una cueva escarpada. A la izquierda, algunos peñascos en cuya superficie alguien, en el pasado, ha querido distinguir rostros monstruosos (pero se trata de una exageración evidente), y a los que se aferra con firmeza una vegetación exuberante. Al fondo, un tranquilo estanque. Los dos elementos naturales de los extremos, es decir, los árboles de la izquierda y la gruta de la derecha, están dispuestos en paralelo, como es típico en el arte de Giorgione, para permitirnos admirar todo lo que hay en medio: un idílico paisaje campestre sobre el que se desarrolla la historia de algunas figuras humanas. En el centro, un arbusto con hojas que acaban de brotar y al fondo, a lo lejos, una aldea campestre, elemento típico del arte de Giovanni Bellini, considerado por muchos como el maestro de Giorgione, aunque sin pruebas históricas. La maravillosa luz rojiza del atardecer ilumina la aldea y sus casas de madera, y casi oscurece las aguas del lago que observamos inmediatamente debajo de las colinas que se pierden más allá del horizonte, y que aparecen azules para sugerir la sensación de lejanía que nos separa de ellas.

Giorgione, La puesta de sol (c. 1506-1508; Londres, National Gallery)

La luz, a la vez natural e innovadora, caracteriza el cuadro hasta tal punto que llevó a Roberto Longhi, en 1934, a sugerir el título por el que hoy es universalmente conocido: La puesta de sol. Longhi fue, además, uno de los primeros en atribuir la obra a Giorgione tras su descubrimiento (dejando de lado las dudas iniciales del historiador de arte piamontés, que sin embargo se disolvieron casi de inmediato): una atribución que fue plenamente aceptada (aunque hubiera dado lugar a alguna disputa en el futuro) cuando el cuadro se expuso en 1955 en la muestra sobre Giorgione, que fue la última dedicada al pintor antes de la de 2010 en Castelfranco Veneto. La obra salió a la luz en 1933 en Villa Garzoni, en Pontecasale, un pueblo de campo a medio camino entre Padua y Rovigo. En el momento del descubrimiento, que corrió a cargo del entonces director del Museo Correr de Venecia, Giulio Lorenzetti, la villa era propiedad de la familia Donà dalle Rose, pero antes había pertenecido a la familia Michiel. Esta última era la familia de la que procedía Marcantonio Michiel, el coleccionista y erudito que, con sus cuadernos y descripciones de obras que poseía o vio en colecciones privadas venecianas, ha ayudado a los historiadores modernos del arte a reconstruir ciertas etapas de la vida biográfica y artística de Giorgione. Por tanto, no es descabellado formular la hipótesis, aun a falta de pruebas firmes, de que el Atardecer procedía de las colecciones de la familia. Posteriormente, en 1934, el cuadro fue adquirido por el historiador del arte de origen ruso Vitale Bloch, que lo poseyó hasta 1957, año en que pasó a formar parte de las colecciones de la National Gallery tras una nueva venta: ésta es la historia de las transiciones de la obra.

Detalle de la puesta de sol sobre el pueblo

Hemos dicho que el protagonista principal de la obra es el paisaje: sin embargo, muchos se han esforzado por desentrañar el nudo de significado de los cuatro personajes que encontramos en el cuadro. Es decir, el anciano entre las rocas de la cueva, el caballero que mata al dragón y los dos hombres sentados en el centro: parece que uno de los dos, el mayor, está examinando la pierna del más joven, probablemente porque está herido. Hasta no hace mucho, la interpretación más acreditada era la que ponía en tela de juicio la religión: el viejo ermitaño de la cueva sería San Antonio Abad, cuya presencia se explicaría también por el cerdo, animal que siempre le acompaña y que en el cuadro aparece en las aguas del estanque del borde inferior. El joven herido del centro se identificaría con San Roque (por la herida, su atributo iconográfico típico), el anciano que le asiste sería su amigo San Gotardo, mientras que el caballero que mata al dragón sería, como es fácil imaginar, San Jorge: todos ellos son santos relacionados con la curación de enfermedades, y así podría interpretarse la obra. La hipótesis fue formulada por primera vez en 1975 por Cecil Gould, conservador de la National Gallery, y luego fue aceptada por otros historiadores del arte. Maurizio Calvesi, en 1970, había propuesto identificar al anciano del centro con Santiago curando a un peregrino, y aún antes Maurizio Bonicatti, en 1964, planteó la hipótesis de que el tema eran las tentaciones de San Antonio, mientras que anteriormente otros como Giorgio Sangiorgi (en 1933) y Lionello Venturi (en 1958) pensaron en Eneas y Anquises en los infiernos.

Detalle del anciano entre las rocas

Detalle de los dos hombres en el centro

La última hipótesis, que también está ganando mucho terreno entre los estudiosos, es la formulada por Enrico Dal Pozzolo en 2009: la escena narraría el mito de Filoctetes, el héroe griego que, durante el viaje a Troya, se hirió un pie en una escala y, convertido en una carga para sus compañeros, fue abandonado en la isla de Lemno. Más tarde, los griegos volvieron para recuperarlo porque un adivino había predicho que Troya no caería a menos que Filoctetes también participara en la lucha. Además, Filoctetes era también el protagonista de una tragedia de Sófocles que había sido impresa en 1502 en Venecia por Aldo Manuzio: es probable, por tanto, que la publicación hubiera suscitado también cierto interés por el personaje entre los artistas. El joven herido del centro sería pues, según esta interpretación, el propio Filoctetes, mientras que el hombre que le ayuda y el anciano entre las rocas serían dos compañeros: el primero se sincera sobre el estado del joven y el otro comprueba que todo va bien. Podemos dejar de lado la interpretación vinculada a la figura a caballo: se trata en efecto, no lo hemos dicho, de unañadido espurio. Las imágenes que acompañan el análisis técnico del cuadro en la página web de la National Gallery nos muestran cómo, en 1933, no había ni rastro del jinete: de hecho, fue añadido tras una restauración en 1934, yuxtaponiendo fragmentos de lienzos antiguos, para cubrir una zona especialmente dañada del cuadro. Por lo tanto, ya no tiene sentido preguntarse por qué estaba ahí.

La Puesta de Sol antes y después de la primera restauración en 1933. Imágenes de la National Gallery de Londres

Sin embargo, nada nos impide pensar que se trata de una sencilla escena pastoril ambientada en un idílico paisaje del Véneto, uno de esos apacibles paisajes campestres que caracterizan la región natal del pintor y constituyen un rasgo distintivo de su arte. Un paisaje en el que los hombres no son más que escasos figurantes. Es un paisaje envuelto en unaatmósfera apagada, que abandona las descripciones minuciosas que constituían una de las principales características de la producción temprana de Giorgione, para abrazar en cambio un uso más extenso y capilar del sfumato de Leonardo, por una parte, y una inspiración más subjetiva, por otra (razones que han llevado a los estudiosos a fechar la obra tardíamente, entre 1506 y 1508 aproximadamente).

Es precisamente este lirismo lo que distingue los paisajes giorgionescos de los paisajes nórdicos, sobre todo flamencos (incluso el pájaro que aparece en las aguas del Lago del Atardecer parece un claro homenaje a la imaginería del Bosco), que circulaban en la Venecia de la época y que habían impulsado a los pintores a crear obras que incluso en un bello paisaje encontraban su razón de ser. Sin interpretaciones moralizantes, sin necesidad de inventar alegorías particulares para justificar un decorado, sin necesidad de encontrar un tema definido. Lo hizo Giorgione, lo hicieron sus contemporáneos como Giulio Campagnola, Bartolomeo Montagna y Cima da Conegliano, lo harían también otros más tarde. Precisamente porque en la Venecia de los primeros años del siglo XVI, impulsada por la llegada de pinturas procedentes de la zona nórdica, había aumentado la demanda de obras en las que el paisaje desempeñaba un papel protagonista, y a veces incluso en las que era el único protagonista, sin que el cuadro tuviera una historia que contar. Y a veces, ¿no es agradable no pensar en posibles temas y dejarse llevar por el instinto creativo del pintor y su capacidad para fascinar al observador sólo con un hermoso paisaje al atardecer?

Giulio Campagnola, Paisaje con dos hombres sentados cerca de un bosque (c. 1510; París, Louvre)

Bartolomeo Montagna, Paisaje con castillo (c. 1500-1510; Tokio, Museo Nacional de Arte Occidental)

Cima da Conegliano, Paisaje con duelo (c. 1510-1515; Berlín, Gemäldegalerie)

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