La pintura de Matteo Pannocchia, entre lentitud y ligereza

Según la visión budista, la ley fundamental del universo encuentra su manifestación en cada ser vivo. “Todas las formas de vida”, afirma Daisaku Ikeda, uno de los maestros budistas más influyentes de nuestro tiempo, “no son elementos aislados, sino que están integradas en la fuerza vital cósmica. Dicho de otro modo, la parte es el todo y el todo es la parte. Los seres humanos y la naturaleza no humana son partes integrantes de la misma fuerza vital cósmica. Son únicos en sus características individuales y un todo en términos de simbiosis. Están inseparablemente interrelacionados”. El eco de las filosofías y la espiritualidad orientales reverbera en la producción pictórica de Matteo Pannocchia, joven artista de Livorno que ha madurado una visión, un reconocimiento y una conciencia de sus propios medios a la edad de treinta años, en la culminación de una trayectoria errática y tortuosa, consagrada a la experimentación, pero coherente en su aparente falta de linealidad. Pannocchia, nacido en 1990, se formó en el Instituto de Arte de Pisa, estudiando grafismo, y más tarde se pasó a la pintura, luego la dejó de lado, volvió a ella y la estudió a fondo en laAcademia de Bellas Artes de Carrara primero y de Bolonia después, luego vuelve a hacer otra cosa, decide desarrollar en paralelo proyectos abiertos en frentes completamente distintos (también es músico, y con su alter ego De Skape Studio produce beats que beben del hip hop, el soul y la música ambiental: Ni que decir tiene que sus temas suenan como traducciones de sus cuadros a notas). Sin embargo, la llama de la pintura sigue ardiendo. No se puede domar, no se puede apagar. Es lo que le ocurre a todo pintor de verdad. Y desde hace al menos dos o tres años, el artista de Livorno vive un periodo de copiosa y brillante productividad.

Matteo Pannocchia remonta los orígenes de su pintura a Notorious B.I.G.: la música rap siempre ha estado entre sus oyentes, así que decidió dedicar el primer cuadro de su carrera a uno de los raperos más relevantes de la historia, al maestro de la escena hip-hop de la Costa Este de los años 90, asesinado cuando aún tenía 27 años. El pequeño lienzo con el que empezó todo sigue en el estudio de Cobweb, algo escondido: es un retrato basado en la que quizá sea la fotografía más famosa de Notorious B.I.G., la toma de Barron Claiborne que le capta de frente, pocos meses antes de su muerte, la mirada sombría pero apagada, la cadena de oro alrededor del cuello, en la cabeza la corona colocada “a sus veintitrés”, como se hubiera dicho hace unas décadas. Pannocchia suaviza los tonos de la fotografía, limpia, difumina, diluye todo, extendiendo sobre la imagen del rapero una pátina opaca que le hace parecer a la vez más humano y más distante, una especie de fantasma. Se trata de la primera obra declarada de Matteo Pannocchia, un ensayo, una prueba, tal vez realizada sin pensarlo demasiado: Sin embargo, ya se vislumbra in nuce la evolución de su pintura, hecha de tonos opacos y tenues, de composiciones evanescentes y nebulosas, de signos sueltos y ligeros, casi gráficos (la pintura de Pannocchia, hay que subrayarlo, se apoya en una abundante producción gráfica, los cuadros proceden a menudo de dibujos también bastante elaborados: el joven artista toscano lleva consigo toda la tradición de su región natal).

A partir de ahí, fue una continua experimentación antes de llegar a lo que hoy es su pintura, un óleo obtenido con ritmos de trabajo lentos: esto podría parecer una contradicción en relación con un arte que en cambio parece instintivo y gestual, pero sin lentitud, los cuadros de Matteo Pannocchia no existirían. “La lentitud”, explica, “la entiendo como ritmo y proceso. No ’lentitud’ en el sentido de encerrarse en la propia zona de confort: en mi experiencia personal, es crecimiento, ser paciente y seguir el propio camino”. Y añade una frase que tiene clavada en el móvil: “Sembrar y regar, para bien o para mal luego surge algo”. En su caso, la cosecha empezó hace tiempo a dar frutos rubios y maduros. Podemos tomar como ejemplo, entre los primeros signos de esta maduración, un cuadro titulado Mejor quedarse fuera: una escena aparentemente banal, una chica sentada en el jardín de su casa, su perro en la hierba caminando hacia el edificio del fondo, un árbol más allá de la valla de los vecinos, aparece impregnada de toda la inquietud que se esconde detrás de la cotidianidad más resignada. La mirada de la niña se pierde en el vacío, el jardín parece un lago ácido, el cielo se tiñe de violeta, la casa tiene proporciones irreales, el árbol parece un esqueleto. Pannocchia interviene las formas y los colores para transmitir al observador esa sensación de alienación propia de su generación, de la nuestra. A veces hay también un aire de suspensión que parece proceder de una profunda reflexión sobre cierto arte americano que va de Edward Hopper a Richard Diebenkorn: No te preocupes demasiado es quizá el cuadro que más se acerca a la imaginería hopperiana, con esa habitación desnuda y humilde donde vuelven la niña y el perro, y donde una abertura indefinida deja entrar una luz dorada, irreal, metafísica. Imágenes concretas, recuerdos, motivos que proceden del inconsciente del artista, para quien la pintura, me dice, es también una especie de autoanálisis, una investigación introspectiva, se mezclan en la superficie del lienzo: es también por esta razón por la que su material parece evocar la dimensión de los sueños y de los recuerdos más que la de la realidad.

En la pintura de Matteo Pannocchia no hay, sin embargo, una investigación meditada sobre los temas. El artista de Livorno se deja guiar por la inspiración del momento. Puede ser un momento de la vida cotidiana, puede ser un recuerdo, puede ser un vídeo visto en Instagram o YouTube, incluso puede ser una canción. La partida, sin embargo, es casi siempre el dibujo. La llegada es una escena que se fundamenta en un marcado sentido de la figura y en una sólida y meditada estructura compositiva, y que sin embargo busca una mediación entre la figuración y la abstracción, aunque inclinándose hacia la primera y aunque casi siempre adoptando la apariencia del espejismo, del recuerdo, de la alucinación. El resultado se consigue a través de un riguroso trabajo sobre el color y la forma. Los colores son fríos, delicados, impalpables, siempre irreales. Y a las formas, Pannocchia aplica un proceso de constante sustracción y aplanamiento: el resultado son figuras que rozan la bidimensionalidad de los grabados japoneses ukiyo-e, otra de sus referencias, a menudo también por los planos oblicuos, fuertemente escorzados. “Matteo prepara su particular narración a través de imágenes”, escribió Jacopo Suggi, “basándose en cortes y encuadres fotográficos, y en una paleta peculiar compuesta de colores claros y brumosos, a veces generalmente por figuras solitarias, hechas aún más solitarias por unapurga de detalles, sustrayendo todo lo que no se considera necesario para transmitir un mensaje, reivindicando el deseo del pintor de confiar al público obras de gran inmediatez e inteligibilidad, un significado a menudo reforzado por la presencia de inscripciones y eslóganes”. También puede ocurrir que se haga explícita la fuente que inspiró el cuadro: no pocas veces, Pannocchia llena sus cuadros de frases de la literatura, el cine, la música. “Soy un hombre extraño, que sólo puede verte a ti, abrázame”: el verso de una canción de Piero Ciampi cubre la imagen ligera, etérea, incorpórea, de un pequeño carruaje en el que se sienta una pareja de enamorados y que es tirado por un caballo: La escena de antaño transporta al espectador al paseo marítimo de un Livorno de principios del siglo XX que parece salido directamente de un cuadro de Guglielmo Micheli o Renato Natali, bañado por el rosa ácido de una puesta de sol que vuelve a menudo en la obra de Pannocchia. Un rosa que deriva de la lección de Philip Guston y que el artista de Livorno ha hecho suyo con el objetivo de dar ligereza a sus cuadros. Al fin y al cabo, la búsqueda de la ligereza es una de las principales preocupaciones de su arte. Un poco por cálculo práctico: seguimos hablando de un objeto que una persona pone en su casa, me dice. Y no es fácil encontrar un artista dispuesto a considerar el producto de su talento también por lo que será para quien lo compre: un mueble. Y como pocos quieren colgar un cuadro opresivo en su pared, es mejor que sea ligero. Pero la ligereza que busca Pannocchia es también un reflejo de su forma de entender la vida. No es una “percepción superficial de la vida”, explica, “sino una consecuencia de un trabajo interior personal. Es una forma de vivir confiada y optimista, una especie de conciencia del propio valor y potencial y de que todo, incluso los momentos más difíciles de la vida, pueden convertirse en algo positivo”. “Ligereza” es quizá el sustantivo más recurrente mientras me enseña los cuadros en su estudio, un pequeño espacio abierto a la calle que parece un poco una galería en miniatura y un poco un pied-à-terre, en pleno Livorno judío, justo detrás del Fosso Reale donde cuenta la leyenda que Modigliani se tiró la cabeza, en el corazón de un barrio que siempre ha frecuentado la comunidad judía.un barrio que siempre ha sido frecuentado por artistas en los últimos doscientos años, una zona de la ciudad donde se puede oír esa ligereza en el ruido de las calles, verla en la gente, respirarla en el viento, experimentarla incluso en uno mismo aunque nunca se haya estado aquí antes, porque así es como se vive aquí. Despacio. Con esa ligereza fresca, joven y también ligeramente melancólica que Giorgio Caproni, lejos de su Livorno, intentaba recuperar lejos de casa en sus Versi livornesi, la ligereza que intentaba evocar, hacia la que quería volver (“Mia mano, fatti piuma: / fatti vela; e leggera / muovendoti sulla tastiera, / sii cauta. Y cuida, antes / de detener la rima, / que estás escribiendo de uno / que estuvo vivo y fue verdadero. // Ya sabes que mi oración / es contundente, y que el error / está presto a apartar el corazón. / Sé ingenioso y atento: piadoso. / Sé delgado y sé poesía / si quieres ser vida. / Y si no quieres traicionar / su sencilla gloria, / sé fino y popular / como ella fue - sé audaz / y tembloroso, toda la historia / suave, sin ambición”).

Hay obras en la obra de Matteo Pannocchia que parecen evocar esta sensación de ligereza de forma más inmediata que otras, entre otras cosas por el uso de lo inacabado que está presente en casi todas sus obras recientes. Por ejemplo, Cerca del mar, una especie de autorretrato en un club del paseo marítimo de Livorno. Su ciudad, la ciudad que este mismo verano le ha elegido por votación popular el mejor artista en un acto improvisado organizado en la Piazza Garibaldi, que reunió a varios jóvenes artistas de la zona. O ciertos cuadros ambientados en playas que evocan un poco la Toscana, un poco California (aunque las palmeras, podemos estar seguros, no son las de Ocean Boulevard en Long Beach, sino las de Viale Italia en Livorno, en la zona de Terrazza Mascagni). Y luego piscinas, pistas de tenis, avenidas arboladas, interiores domésticos, parques acuáticos, la imagen de un Livorno contemporáneo de ensueño y descolorido. La obra de Matteo Pannocchia es también una ligereza existencial, una forma de responder a la ansiedad de la vida cotidiana, la ansiedad típica de una generación, la de los nacidos entre los años ochenta y noventa, que se ha enfrentado a crisis económicas, crisis inmobiliarias, una pandemia, la revolución de los medios de comunicación de masas, la reaparición de escenarios bélicos en medio de Europa, la de la guerra en medio de Europa, el derrumbe del sistema de valores que se había construido en la posguerra, que golpean hoy a los jóvenes treintañeros, y que como ninguna otra generación antes o después de ellos han experimentado cambios tan fuertes, tan radicales, tan imprevisibles, a tal velocidad. Un periodista estadounidense, Michael Hobbes, en un longform publicado en 2023 en el Huffington Post, animado por gráficos al estilo de los primeros videojuegos, escribía en que los millennials se enfrentan hoy “al futuro financiero más aterrador de cualquier generación desde la Gran Depresión”: una generación que se siente acorralada, abrumada, casi aniquilada. En una palabra: que se siente jodida. La ligereza se convierte entonces en una necesidad.

Colgado en una pared del estudio de Matteo Pannocchia hay un cuadro reciente, Early Morning, que representa a un niño tumbado en una cama con su perro, con un fuerte y atrevido escorzo, una especie de Cristo muerto de Mantegna al revés, visto desde la cabeza. Al fondo, la sala se abre a un exterior, a un saliente donde se ve a un soldado con una trompeta (un “brigadier”, lo llama el artista). Pannocchia no sabe muy bien qué significa este cuadro, pero eso no importa: un artista no está obligado a dar explicaciones sobre su obra. Y quien quiere una explicación de un artista no está tratando de entender, de leer lo que tiene delante, de interpretarlo, sino que simplemente quiere que le cuenten una historia. Lo cierto es que Pannocchia pretende que sea una obra sobre la desobediencia, pero el tema bélico tiene poco que ver: podríamos leerla como una desobediencia a cualquier llamada a las armas, a cualquier expectativa. Un deseo de ser el único en disponer de su vida como mejor le parezca. Tal vez “encontrar una comunión con los animales”, como señalaba Jacopo Suggi en el ensayo que acompañaba la exposición Arterie en la que Matteo Pannocchia expuso su obra en 2023 en la galería Extra Factory de Livorno.

Así que volvemos al punto de partida: esta ligereza, en el arte de Matteo Pannocchia, no sólo implica a seres humanos, es una ligereza que anima un flujo de energía. El perro, una presencia a veces concreta, a veces más inmaterial, mística, espiritual (como parece ser el perro en Perro estirado, es el perro que el artista tenía de niño, me dice, y que así vuelve a manifestarse en una obra reciente tras un recuerdo), casi parece elevarse a símbolo animal de esta fuerza vital que se manifiesta en todos los seres vivos. Si una sociedad ha perdido sus puntos de referencia, si una generación se ha quedado sin nada en lo que reconocerse, para Matteo Pannocchia la forma de reconstruir la relación con uno mismo y con todo lo que le rodea no puede ser otra que el retorno a la naturaleza, a una energía primordial, a un estado de serenergía primordial, a un estado de total ligereza de espíritu, a una forma de liberación que se sustancia en el retorno a una simplicidad consciente y plena, hacia la que tender con una profunda reflexión sobre uno mismo, que puede o no estar mediada por el recurso a alguna disciplina filosófica o espiritual. Parece surgir, más allá de la superficie de muchos de los cuadros de Matteo Pannocchia, un clima, una temperatura que roza el misticismo.

“Creo en que somos gente corriente”, dice mientras me habla de Scorciatoia (Atajo), un cuadro nostálgico, una instantánea de un coche circulando por una carretera secundaria, una carretera provincial, al atardecer, bajo un cielo rosa, sobre una carretera rosa, el rosa que ahora asociamos con el recuerdo de los años ochenta por quién sabe qué razón, ya que no hay carretera. qué razón, puesto que entonces no había tanto rosa (quizá por el neón, quizá por los colores de la ropa, quizá por los primeros videojuegos que sólo enviaban imágenes en cian y magenta, quizá por las tonalidades de las postales descoloridas). Es un cuadro en el que parece leerse una especie de resumen de la todavía joven carrera de Matteo Pannocchia: un recorrido que, a pesar del nombre del cuadro, no tiene nada de rectilíneo, lineal, rápido. Todo lo contrario: es un itinerario sinuoso, lleno de curvas, que hay que recorrer, sin embargo, despacio y con la conciencia del viaje. Observando el paisaje. Comprender que a menudo no hay autopistas para llegar al destino. Pensando en el destino, sí, pero sabiendo que una vez que has llegado puede que tengas que volver a empezar, porque descubres que el itinerario aún no ha terminado.

Y hoy, alcanzada una madurez artística bastante bien definida, Matteo Pannocchia puede compararse fácilmente a esa nueva joven figuración italiana que reúne a un núcleo heterogéneo de artistas nacidos entre los años ochenta y noventa (podemos incluir, sólo a modo de ejemplo, a pintoras como Francesca Bancozzi, nacida en los años ochenta y noventa).ejemplo, pintores como Francesca Banchelli, Romina Bassu, Fabrizio Cotognini, Rudy Cremonini, Alice Faloretti, Andrea Fontanari, Patrizio Di Massimo, Diego Gualandris, Davide Serpetti) capaces de moverse entre la realidad y el sueño, entre la impresión y la expresión, pintores que a menudo miran a América (a veces incluso demasiado) pero entienden que permanecer ligados a la tradición de nuestro país es la única manera de emerger, artistas que están abriendo (o más bien, puede decirse que ya han abierto) una nueva, importante y fructífera temporada para la pintura italiana. Algunos de ellos ya tienen carreras consolidadas y ya han expuesto en contextos nacionales e internacionales, mientras que otros acaban de empezar a dejar su huella; es un movimiento que hay que apoyar y alentar. Ciertamente, para Matteo Pannocchia, ese viaje lento, incierto y lleno de curvas que se desprende de sus cuadros no ha hecho más que empezar.

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