La metamorfosis de la creación y la percepción en las nuevas tecnologías del arte

Este texto trata del vínculo entre arte y tecnología. Y me refiero a la tecnología que realmente permite la creación artística. La tecnología como protagonista, compañera y, al mismo tiempo, herramienta indispensable en el proceso creativo de los artistas contemporáneos. Algunas obras de arte nacen de códigos y píxeles, desafiando al observador.

De esto hablé en mi conferencia del pasado septiembre en Futura Seoul, una galería de arte de Seúl (Corea del Sur). En los años 60, Billy Klüver (Múnich, 1927 - Nueva Jersey, 2004), comisario y visionario sueco, creó Experiments in Art and Technology (EAT), un proyecto revolucionario que reunía a artistas, científicos y tecnólogos. Al colaborar con los Laboratorios Bell de Nueva Jersey, a la vanguardia de sus revolucionarios descubrimientos e inventos, los artistas pudieron experimentar con tecnologías antes inaccesibles. Esto les permitió ampliar su creatividad.

Conocí a Klüver durante mis estudios y me influyó su trabajo. El concepto estaba claro: si el ingeniero había logrado crear el EAT, hoy podríamos desarrollar algo parecido. Y de esta reflexión nació el proyecto NEAT. En realidad, la idea surgió tras asistir a una conferencia inspirada en EAT, aunque las raíces de mi interés se encontraban en los escritos del sociólogo Marshall McLuhan (Edmonton, 1911 - Toronto, 1980). En concreto, cito Understanding Media, de McLuhan, de 1964, obra en la que destacaba la capacidad del arte para anticiparse a los cambios sociales y tecnológicos. Según el sociólogo, el arte actúa como un sistema de alerta, preparándonos para futuras transformaciones. El arte no se limita a la estética, sino que se convierte en un entrenamiento perceptivo esencial. También en 1964, el artista Nam June Paik (Seúl, 1932 - Miami, 2006) construyó el Robot K-456, desafiando la idea tradicional de la televisión como medio pasivo. Paik convirtió la televisión en arte y utilizó las transmisiones por satélite para crear obras que conectaban a personas de todo el mundo. A finales de los 90 y principios de los 2000, conocí a Paik y sus palabras influyeron en mi forma de pensar: Paik creía que la tecnología no debía limitarse al entretenimiento, sino convertirse en una herramienta para liberar el potencial poético y promover el diálogo entre culturas. Esta visión sigue siendo relevante hoy en día, teniendo en cuenta las nuevas perspectivas que ofrecen internet, el blockchain, la inteligencia artificial y la realidad aumentada. Además, Paik insistía a menudo en el potencial de la tecnología para conectar a las personas a un nivel más profundo, un objetivo que, en su opinión, aún no se había alcanzado plenamente.

Creo que la constante evolución de la tecnología también muestra cómo el futuro a menudo surge de elementos heredados del pasado. En 2000, comisarié mi primera exposición en Seúl, inspirada por Paik. En Seúl, me fascinaron las enormes pantallas electrónicas de la ciudad, entonces una rareza en las metrópolis europeas. En colaboración con Paik y otros artistas como Christian Boltanski, Pipilotti Rist y Arthur Jafa, concebí una exposición que utilizaba grandes y eclécticas vallas publicitarias para llegar a un público amplio y casual. ¿El resultado? Un gran avance que superó los confines de las galerías tradicionales. Aquellos años también fueron cruciales para mi encuentro con el científico Heinz von Foerster (Viena, 1911 - Pescadero, 2002), entonces ya nonagenario. Figura destacada de la cibernética, von Foerster fue uno de los artífices de los movimientos cibernéticos de segundo orden. Su carrera, iniciada en los años cuarenta, culminó en los sesenta con el desarrollo del “segundo poder de aplicación automática”. Un aspecto clave de su teoría era la visión del observador como elemento esencial del sistema, situado en el centro de todo proceso creativo y científico. Según el científico, los seres humanos no son simples entidades externas al sistema.

He explorado este tema en numerosas exposiciones, pero en 2006 decidí centrarme más en un único instituto. Anteriormente, trabajé principalmente con el Musée d’Art Moderne de París como comisaria de exposiciones itinerantes. Desde 2006, soy codirectora y directora artística de la Serpentine Gallery. A partir de ahí, empecé a pensar en cómo integrar más profundamente la tecnología en una institución artística. Más tarde, di una charla TEDx en Marrakech sobre el papel de la tecnología en los museos. Tras el acto, mantuve una conversación con John Nash, un experto en tecnología que expresó su preocupación por la falta de atención de las instituciones culturales a la tecnología y los museos. Esta conversación puso de manifiesto una realidad clara y preocupante: muchos museos carecían de un CTO, o Chief Technology Officer, una función que hoy en día es indispensable en cualquier organización. Pero, ¿por qué? ¿Y cuál es exactamente el papel de un CTO dentro de una organización?

El Director de Tecnología es el responsable de identificar, analizar y presentar al consejo de administración las tecnologías que deben integrarse en la empresa, con el objetivo de optimizar los procesos empresariales y productivos. ¿Cómo es posible que todas las empresas tengan un Director de Tecnología, mientras que los grandes museos carecen de él?

Por aquel entonces, John formaba parte de un grupo de artistas, críticos y comisarios de Londres: entre ellos estaba Ben Vickers, un tecnólogo visionario, junto con otros artistas, escritores y mentes brillantes. Pronto quedó claro que Vickers, con su sólida formación y su deseo de llevar la tecnología a las instituciones, era la persona adecuada para el puesto de Director Técnico. En un principio yo le invité a asumir el papel de conservador tecnológico, pero más tarde fue nombrado Director de Tecnología, con la tarea de crear un departamento específico.

Se fijaron dos objetivos: el primero era tener un CTO. El segundo objetivo era crear un departamento con autoridad propia. Hoy el departamento cuenta con seis miembros, entre ellos cinco conservadores digitales, y una estructura para organizar exposiciones y eventos. Mi visión apunta a una integración armoniosa de tecnología y arte, evitando la compartimentación. Cada exposición incorpora elementos digitales, como demuestra mi colaboración de diez años con el artista Refik Anadol (Estambul, 1985), experto en inteligencia artificial. En la actualidad, las obras de varios artistas conceptuales transforman las galerías en ecosistemas inmersivos. Las imágenes surgen de la actividad cerebral de las personas invitadas a imaginar escenarios específicos y se remodelan continuamente mediante la interacción con los visitantes. En este contexto, a diferencia de las exposiciones tradicionales, en las que los objetos permanecen estáticos en el espacio y carecen de dinamismo, las obras de arte se convierten en organismos vivos capaces de responder y adaptarse al sistema contemporáneo. Desde 2012 hemos creado el departamento de Arte y Tecnología en la Serpentine, en el que ahora trabajan cinco comisarios. Esto nos permite trabajar y mostrar inteligencia artificial y desarrollar videojuegos. Algunos ejemplos recientes son Gabriel Massan, comisariada por Tamar Clark Brown, y The Call, de Holly Herndon y Matt Dryhurst, comisariada por Eva Jager.

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