La Luna en la historia del arte: 14 obras importantes con nuestro satélite como protagonista

A las 22:17 hora italiana del 20 de julio de 1969, el astronauta estadounidense Neil Armstrong, al frente de la misión Apolo 11 (la tripulación de la nave la completaban Edwin Aldrin y Michael Collins), inició su paseo por la Luna. Por primera vez en la historia, el hombre pisaba nuestro satélite. Para celebrar este importante acontecimiento exactamente cincuenta años después, hemos reunido una galería de obras que tienen como protagonista a la Luna, conquistada por los artistas mucho antes que por los astronautas. ¡conquistada mucho antes que por los astronautas!

1. Galileo Galilei, Astronomía. Observaciones de las fases lunares, noviembre-diciembre de 1609 (1609; manuscrito autógrafo en papel, dibujos en acuarela sobre papel, 33 x 23 x 1,7 cm; Florencia, Biblioteca Nazionale Centrale, ms. Galileiano 48
Comencemos nuestra reseña con una hoja que no es realmente una obra de arte, ya que contiene los dibujos de las fases de la luna realizados por Galileo Galilei (Pisa, 1564 - Arcetri, 1642) durante sus observaciones astronómicas en el otoño de 1609: no obstante, es el primer registro gráfico de la luna tal y como la conocemos hoy (con sus cráteres, sus mares, sus depresiones). Antes de que Galileo descubriera que la Luna tenía una superficie rugosa e irregular, la creencia común, alimentada por la religión, era que la Luna era un cuerpo perfecto. Además, Galileo también sentía una gran pasión por el arte, y era amigo de uno de los más grandes artistas de la época, Ludovico Cardi conocido como Cigoli, toscano como él. Y el gran científico pisano, al ofrecernos la primera representación realista de la Luna, demostró tener una mano experta de dibujante: al fin y al cabo, saber dibujar era casi un requisito indispensable en aquella época para ser un excelente científico.

Galileo Galilei, Astronomía. Observaciones de las fases lunares, noviembre-diciembre 1609

2. Adam Elsheimer, Huida a Egipto (1609; óleo sobre cobre, 31 x 41 cm; Múnich, Alte Pinakothek)
En este cuadro del pintor alemán Adam Elsheimer (Fráncfort del Meno, 1578 - Roma, 1610), el papel del episodio, la huida a Egipto, adquiere un papel casi marginal: de hecho, la obra ha pasado a la historia del arte no tanto por su contenido religioso como por su... contenido celestial. En efecto, vemos que, en este admirable nocturno, Elsheimer representó una cascada de estrellas que toman el aspecto de la Vía Láctea: Algunos estudiosos (entre ellos Anna Ottani Cavina) han formulado la hipótesis de que el artista de Fráncfort estaba familiarizado de algún modo con los estudios de Galileo Galilei sobre el tema, aunque hay que recordar que el Sidereus nuncius, el tratado astronómico en el que también se menciona la superficie de la Luna, se publicó en 1610 (pero no se puede descartar que Elsheimer retocara la obra en ese año). Pero el cielo de Elsheimer también podría ser el resultado de observaciones directas de los astros, luego reelaboradas en clave “artística”, ya que hay varias incoherencias, empezando por la gran protagonista, la luna: si en realidad el cielo estuviera tan nublado, las estrellas (al menos las cercanas) apenas serían visibles. Sin embargo, la luna es la gran protagonista de la obra, e ilumina el estanque en el que se refleja (aunque su reflejo parezca un poco irreal, por sugerente).

Adam Elsheimer, Escapada a Egipto

3. Ludovico Cardi conocido como Cigoli, Asunción de la Virgen o Inmaculada Concepción (1610-1612; fresco; Roma, Santa Maggiore, Capilla Paulina)
Como ya se ha mencionado, Ludovico Cardi conocido como Cigoli (Cigoli di San Miniato, 1559 - Roma, 1613), casi de la misma edad que Galileo, fue un gran amigo del científico, y al igual que éste era un apasionado del arte, Cigoli lo era de la astronomía. Y es gracias a su amistad con Galileo que el artista de San Miniato nos legó la primera representación realista de la luna en una obra de arte: se trata del fresco con la Madonna (interpretada alternativamente como Asunción de la Virgen y como Inmaculada Concepción) encargado por el Papa Pablo V para la Capilla Paulina de la Basílica de Santa Maria Maggiore de Roma. La Iglesia, pues, pensaba que la Luna era un cuerpo puro, liso, perfecto, sin asperezas. Sin embargo, Cigoli no fue censurado: las autoridades eclesiásticas prefirieron mantener la cautela. Hemos hablado con detalle de esta obra y de esta historia en un artículo que puede encontrar en este enlace.

Ludovico Cardi conocido como Cigoli, Asunción de la Virgen o Inmaculada Concepción.

4. Guercino, Endymion (1647; óleo sobre lienzo, 125 x 105 cm; Roma, Galleria Doria Pamphilj)
Según la mitología griega (o al menos, según la versión más popular del mito), Endimión era un joven y hermoso pastor del que Selene, la diosa de la Luna, se enamoró perdidamente. Selene estaba tan enamorada de él que pidió a Zeus la posibilidad de concederle la eterna juventud y un estado de sueño eterno, para que la diosa pudiera acudir a él para siempre: de hecho, Selene estaba atormentada por la idea de que la condición mortal de Endymion pudiera privarla de él tarde o temprano. Muchos artistas han intentado representar el mito, y una de las interpretaciones más bellas es la de Guercino (Giovanni Francesco Barbieri; Cento, 1591 - Bolonia, 1666), quien, siguiendo la iconografía típica, representó a Endimión dormitando, con la luna (que vemos en el cielo) vigilándole. Hay un detalle muy interesante en esta obra: la presencia del telescopio apoyado en las rodillas del joven, un telescopio que tiene la forma y el tamaño de los “galileanos”. Según una interpretación reciente del erudito Pierluigi Carofano, la obra podría ser un encargo de los Médicis y responder a un intento de éstos de rehabilitar la memoria del científico tras la censura eclesiástica. Curiosamente, según algunas versiones antiguas del mito, el propio Endimión habría sido astrónomo. Sea cual sea el significado de la presencia del catalejo, la de Guercino es, en cualquier caso, una imagen que transmite bien el clima de la época, ya que en la Florencia de los Médicis, sobre todo tras la muerte de Galileo, el interés por sus estudios y descubrimientos era grande.

Guercino, Endymion

5. Maria Clara Eimmart, Fases lunares (finales del siglo XVII; pastel sobre cartón azul, 64 x 52 cm; Bolonia, Universidad de Bolonia, Museo Specola)
Maria Clara Eimmart (Núremberg, 1676-1707) fue una de las primeras mujeres astrónomas de la historia y, al igual que Galileo, era una excelente dibujante, entre otras cosas porque era hija del arte: su padre Georg Christoph era de hecho pintor (también fue director de la Academia de Bellas Artes de Núremberg a principios del siglo XVIII), y también hizo sus pinitos en astronomía. La desafortunada joven (murió de parto a los 31 años, justo un año después de casarse con el profesor de matemáticas Johann Heinrich Müller) demostró su gran talento, tanto como astrónoma como dibujante, en una serie de dibujos al pastel, algunos de los cuales se conservan en el Museo Specola de Bolonia. Estos dibujos nacieron tras cuidadosas observaciones con el telescopio y fueron reunidos por María Clara en una serie titulada Micrographia stellarum phases lunae ultra 300 (“Más de 300 micrografías de las estrellas y fases de la luna”). Las láminas boloñesas fueron entregadas a Luigi Ferdinando Marsili (Bolonia, 1658 - 1730), gran científico y amigo de Georg Christoph, quien las llevó a Emilia. Muchas otras, sin embargo, se han perdido, principalmente a causa de un incendio que devastó la biblioteca del colegio donde se encontraba el manuscrito, que incluía varias de sus láminas (que fueron conservadas por su marido tras su desaparición). Las que sobreviven, sin embargo, sorprenden por su gran precisión y son una prueba más del gran desarrollo que experimentó la astronomía entre los siglos XVII y XVIII.

Maria Clara Eimmart, Fases lunares

6. Donato Creti, Observaciones astronómicas. Luna (1711; óleo sobre lienzo, 51 x 35 cm; Ciudad del Vaticano, Museos Vaticanos)
El ya mencionado Luigi Ferdinando Marsili, como habrán adivinado, aunque se dedicó principalmente a las ciencias naturales, cultivó un gran interés por la astronomía. Así, en 1711, encargó a uno de los más grandes pintores de la época, Donato Creti (Cremona, 1671 - Bolonia, 1749), una serie de óleos sobre lienzo: cada uno de ellos debía representar la observación astronómica de un cuerpo celeste diferente. La luna, por supuesto, no podía faltar, y Creti la representó muy fielmente: una presencia que se cierne con fuerza sobre los dos astrónomos que, a la luz de una noche clara, la observan con su telescopio. El tamaño de la luna puede no ser cierto, pero poco importa: el objetivo de Marsili era convencer a las autoridades eclesiásticas de la necesidad de estudiar las estrellas. Por eso, el noble boloñés, que estaba bien relacionado en los círculos romanos (Bolonia formaba parte de los Estados Pontificios, y Marsili era una especie de héroe de guerra: antes de dedicarse a la ciencia, luchó contra los turcos, incluso fue capturado, y más tarde ocupó cargos diplomáticos en nombre del Imperio), se lo regaló al Papa Clemente XI. Un regalo que quizá tuvo que resultar convincente, ya que, a instancias del Senado boloñés, entre 1712 y 1726 se construyó en el palacio Poggi la Torre della Specola, precisamente con la intención de convertirla en un observatorio astronómico (fue el primer observatorio público de Italia). Marsili vio así coronado su sueño, y nos gusta pensar que el arte tuvo mucho que ver en ello.

Donato Creti, Observaciones astronómicas. Luna

7. Canaletto, La víspera de Santa Marta (c. 1760; óleo sobre lienzo, 119 x 187 cm; Berlín, Gemäldgalerie)
En la producción de Giovanni Antonio Canal, conocido como Canaletto (Venecia, 1697 - 1768), no faltan espléndidos y precisos nocturnos a la luz de la luna: al artista le gustaba pintar su Venecia nocturna con motivo de festividades. Entre ellas, la víspera de Santa Marta, celebración de la santa acompañada de una fiesta popular. La santa era la patrona del barrio de la ciudad del mismo nombre, y el 29 de julio, en pleno verano, se la celebraba con una fiesta popular. A la luz de la luna, los venecianos abarrotan las orillas, iluminadas para la ocasión con luces artificiales, con puestos y carpas instalados para la fiesta, mientras algunas barcas surcan el mar. Todo está oscuro, pero la luna llena, con su resplandor, ilumina el mar y los contornos de las figuras que bordean las orillas de la ciudad.

Canaletto, La víspera de Santa Marta

8. Caspar David Friedrich, Dos hombres contemplando la luna (1819-1820; óleo sobre lienzo, 20,35 x 44,5 cm; Dresde, Galerie Neue Meister)
Dos hombres contemplando la luna es uno de los paisajes románticos más representativos del arte de Caspar David Friedrich (Greifswald, 1774 - Dresde, 1840), donde el satélite es a menudo el principal protagonista, con vistas iluminadas por la luna de mares solitarios, o con figuras que, como en este caso, deambulan por densos bosques y luego se detienen a admirarlos. En este cuadro de Dresde, la luz de la luna y la forma del cielo sugieren que, en realidad, la noche está terminando y se acerca el amanecer. Una sensación de inquietud y melancolía, acentuada por las ramas desnudas de los árboles y las áridas rocas, envuelve toda la composición: tensión místico-espiritual, conciencia de que el hombre es minúsculo en comparación con el cosmos, temor y al mismo tiempo atracción por el poder de la naturaleza (típico de la estética de lo sublime) son algunos de los elementos que se desprenden de este paisaje, del que Friedrich realizó posteriormente otras versiones (una de ellas con una pareja formada por un hombre y una mujer). No sabemos quiénes son los dos hombres absortos en la contemplación de la luna, pero es probable que uno de ellos sea el propio Friedrich. También se ha dado una interpretación política de la obra, sugerida irónicamente por el propio Friedrich: cuando el poeta Karl Förster visitó al artista en 1820 y observó la obra, el pintor le dijo que las dos figuras “están tramando alguna intriga demagógica”. Alemania vivía, por aquel entonces, una época muy agitada, y en 1819 se promulgaron las llamadas Deliberaciones de Karlsbad, una serie de decretos que introducían medidas de vigilancia sobre las actividades de las universidades y la prensa, todo ello con el fin de reprimir cualquier disidencia liberal en la Confederación Germánica establecida tras el Congreso de Viena. Medidas que fueron muy criticadas por los intelectuales de la época (y quizá también en este cuadro de Friedrich).

Caspar David Friedrich, Dos hombres contemplando la Luna

9. Salvatore Fergola, Nocturno en Capri (c. 1843; óleo sobre lienzo, 106 × 131 cm; Nápoles, Museo e Real Bosco di Capodimonte)
Uno de los cuadros nocturnos más bellos del romanticismo italiano, Notturno a Cap ri de Salvatore Fergola (Nápoles, 1799 - 1874) representa una vista de la bahía de Nápoles frente a la Marina Piccola, con las rocas de los Faraglioni como telón de fondo, tal como se canta en las canciones populares napolitanas, con el mar sobre el que “brilla la estrella de plata”, la luna iluminando el cielo y las barcas de los pescadores de Capri amarradas a poca distancia de la orilla con las velas aún izadas para secarse. La obra se conserva actualmente en el Museo Nacional de Capodimonte, adonde llegó en 1967 como herencia de la colección de Nicola Santangelo, que fue ministro del Interior bajo el reinado de Fernando II de Borbón: Santangelo sentía una gran predilección por los nocturnos de Fergola. Los nocturnos de Fergola fueron los primeros productos de la escuela romántica napolitana: el artista se inspiró en las pinturas francesas de moda en la época y fue el primero en difundir el gusto por este tipo de vistas en la zona napolitana.

Salvatore Fergola, Nocturno en Capri

10. Vincent van Gogh, Noche estrellada (1889; óleo sobre lienzo, 72 x 92 cm; Nueva York, Museo de Arte Moderno)
La noche estrellada(De sterrennacht en neerlandés) es una de las obras más emblemáticas de Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890), así como una de las más representativas de la última parte de su carrera. El cuadro data de 1889 y fue pintado en Saint-Rémy-de-Provence, donde en aquel momento estaba ingresado en una clínica psiquiátrica. Fue durante esa estancia cuando el arte de van Gogh experimentó un giro que le llevó a un estilo más “expresionista” que “impresionista”, y el lienzo pronto se convirtió en el lugar donde el artista de Zundert plasmaba los paisajes tal y como los veía en su interior, una respuesta de su imaginación a la naturaleza. Esta mañana“, escribió Vincent en una carta a su hermano Theo el 6 de junio de 1889, ”he contemplado el campo desde mi ventana mucho antes de que saliera el sol, sin nada más que el lucero del alba, que parecía realmente grande“. Daubigny y Rousseau ya han pintado este tema, expresando toda la intimidad, la paz y la majestuosidad, y añadiendo un sentimiento tan fuerte y personal. No me arrepiento de estas emociones. Sigo sintiendo un enorme remordimiento cuando pienso en mi obra, tan poco en armonía con cómo me gustaría. Espero que con el tiempo pueda hacer cosas mejores, pero aún no he llegado a ese punto”. Van Gogh realiza así su paisaje con pinceladas densas y suaves, representando un paisaje en parte real, pero en parte inventado (la iglesia con la alta aguja evoca los edificios religiosos de la campiña holandesa donde el artista había crecido). No se trata, pues, de un paisaje real, sino más bien de una visión interior del artista, una especie de sueño que pone de manifiesto las emociones del pintor en ese momento.

Vincent van Gogh, Noche estrellada

11. Osvaldo Licini, Amalassunta sobre fondo azul (1951; óleo sobre lienzo, 25,5 x 34 cm; colección particular)
El gran pintor Osvaldo Licini (Monte Vidon Corrado, 1894 - 1958) sentía un fuerte vínculo con la luna, a la que llamaba “Amalassunta”: en una carta al crítico Giuseppe Marchiori, fechada el 21 de mayo de 1950, Licini escribía que Amalassunta es “nuestra hermosa luna, plata garantizada para la eternidad, personificada en pocas palabras, la amiga de todo corazón un poco cansado”. La luna se convierte en un objeto de contemplación serena, a menudo surrealista, capaz de dar lugar a extraordinarias visiones oníricas en las que el satélite adopta un rostro humano y de vez en cuando interactúa con los personajes a los que Licini da vida. No sabemos por qué Licini decidió llamar a la luna “Amalassunta”: En una entrevista concedida con motivo de la Bienal de Venecia de 1958, el pintor declaró que le fascinaba el nombre de una princesa de Rávena, Amalasunta, que vivió entre los siglos V y VI d.C. Recientemente, Lorenzo Licini, sobrino del artista, asoció el nombre de “Amalassunta” a dos anagramas (“la santa musa” y “Malus, Satán”), acercando las obras del artista a los poemas de Baudelaire, de quien era muy aficionado.

Osvaldo Licini, Amalassunta sobre fondo azul

12. Giulio Turcato, Superficie lunar (1968; óleo y técnica mixta sobre gomaespuma, diámetro 90 cm; colección particular)
Entre los artistas italianos de los años sesenta, uno de los más sensibles al tema de los viajes lunares fue Giulio Turcato (Mantua, 1912 - Roma, 1995), que dedicó a la Luna toda una parte de su producción, las Superficies lunares. La intención del gran artista era construir la imagen de la Luna utilizando materiales cotidianos, en particular gomaespuma. La conquista del espacio y la carrera por la luna se convertían así en materia concreta del arte de Turcato, que miraba con optimismo el progreso tecnológico y científico de aquellos años. “Utilizo el caucho”, declaró el propio Turcato en 1971, “porque su corteza rugosa está llena de nuevas advertencias y maravillas”. Y, en efecto, actuando sobre la gomaespuma, Turcato recrea la superficie de la Luna con sorprendente verosimilitud.

Giulio Turcato, Superficie lunar

13. Andy Warhol, Moonwalk (años 80; serigrafía; varios lugares)
Como testigo importante de su época, Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - Nueva York, 1987) no podía dejar de rendir homenaje a Neil Armstrong poniendo el pie en la Luna por primera vez. Así, la célebre fotografía que retrata al astronauta americano junto a la bandera de Estados Unidos se ha convertido también en un icono del arte pop. Sin duda no uno de los más conocidos, pero presente no obstante.

Andy Warhol, Moonwalk

14. Anish Kapoor, Espejo lunar (2014; acero inoxidable y laca, diámetro 114 cm; Colección privada).
Entre los artistas contemporáneos, Anish Kapoor (Bombay, 1954) es de los que más se interesan por los temas astronómicos y son varias sus obras al respecto. También es un gran admirador de Galileo: y el científico parece doblemente homenajeado en el Espejo lunar, una exitosa vertiente de la producción de Kapoor. La forma y las inserciones lacadas recuerdan el cuerpo celeste, mientras que el espejo es un homenaje a los instrumentos que utilizan los astrónomos para observar el satélite (y las estrellas en general).

Anish Kapoor, Espejo lunar. Cortesía de la Galería Massimo Minini

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