La Judith de Artemisia Gentileschi: una reinterpretación del tema en el contexto histórico-artístico de principios del siglo XVII

En el imaginario colectivo, la representación sangrienta de ciertas escenas en las obras de Artemisia Gentileschi (Roma, 1593 - Nápoles, 1653) se remonta a un episodio de la vida de la artista: el asalto y violación por parte de Agostino Tassi (Roma, 1578 - 1644). Este último era un pintor, colega del padre de Artemisia, Orazio Gentileschi (Pisa, 1563 - Londres, 1639), asiduo visitante de la casa de los artistas que, un día de mayo de 1611, entró por la fuerza en la habitación de Artemisia, aprovechando la ausencia de Orazio, y la violó mientras ella se afanaba en pintar ante su caballete. Se celebraron varios juicios. Artemisia, que entonces sólo tenía diecisiete años, había hecho su declaración: la agresión con la consiguiente pérdida de su virginidad y el atentado contra el honor de su familia la habían marcado sin duda profundamente. En la primavera de 1612, Orazio escribió una súplica al tribunal papal en la que acusaba a Tassi de haber violado a su hija. Éste le había prometido a Artemisia convertirla en su esposa, pero ya estaba casado, por lo que el matrimonio no fue posible. El incidente había provocado la condena de Agostino al destierro, pero en realidad nunca llegó a cumplirla: el juez le había puesto ante una encrucijada, o cinco años de trabajos forzados o el destierro de Roma; él eligió el destierro, pero permaneció en Roma hasta abril de 1613, cuando consiguió que se anulara la sentencia.

La terrible violación fue la causa de esquemas simplistas que salpicaron toda la actividad artística de la pintora: se consideraba que su arte estaba completamente impregnado de su biografía, es decir, que lo que Artemisia representaba en escenas llenas de violencia se convertía en una especie de autobiografía. Y de nuevo en los años setenta, Artemisia se convirtió en un emblema de la reivindicación feminista, pues aunque tuvo que soportar no sólo el sufrimiento inmediato y el carácter trágico del acto, sino también todas las consecuencias en términos de juicios y ataques a su honor, se afirmó artísticamente, se convirtió en una de las mujeres artistas más famosas de todos los tiempos (en la época en que vivió Artemisia, la mayoría de los artistas consagrados eran hombres) y también se hizo independiente no sólo como mujer, sino también como hija, ya que su éxito se debió únicamente a sus capacidades artísticas y a sus elecciones temáticas y pictóricas. Siguió sus ideas, distanciándose de su padre, que ya era un pintor famoso, especialmente al trasladarse a Florencia.

Estudios recientes, que culminaron con la exposición Artemisia Gentileschi y su época, celebrada el año pasado en el Palazzo Braschi de Roma, han desplazado la atención hacia el contexto y los años contemporáneos de la pintora, así como hacia la preponderancia de los temas representados por artistas de su época, subrayando el alejamiento de la interpretación habitual del arte de Artemisia. El principio en el que se basaba la citada exposición de Roma era un intento de eliminar los prejuicios ligados a la violación cometida por Tassi y las subsiguientes teorías autobiográficas y feministas, demostrando que la propia Artemisia había sido capaz de superar con cierta rapidez las vicisitudes relacionadas con la violencia que había sufrido, y que esas escenas violentas que habían dado pie a tales teorías representaban temas y asuntos muy recurrentes en las obras de artistas contemporáneos a ella y que, por tanto, entraban dentro del contexto histórico-artístico en el que Artemisia trabajaba.

Ya Caravaggio (Milán, 1571 - Porto Ercole, 1610) había representado en torno a 1602 a Judit cortando la cabeza de Holofernes, cuadro que se conserva en la Galleria Nazionale d’Arte Antica del Palazzo Barberini de Roma. Aquí, Michelangelo Merisi alcanzó un extraordinario nivel de realismo que impresionará al espectador. En efecto, el espectador no puede dejar de advertir la crudeza de la escena representada, cuyo centro es el corte que Judit hace en la garganta de Holofernes, del que brota inevitablemente un vehemente reguero de sangre que mancha la sábana blanca sobre la que yace el hombre. Y el espectador oye también el grito ahora inútil de Holofernes, que con los ojos muy abiertos y la cabeza hacia atrás se lanza a la muerte. La espada sostenida con fuerza en la mano derecha de Judit aparece ahora cruelmente clavada en el tajo de la garganta causado por la muchacha, que con la mano izquierda agarra el pelo de Holofernes y tira de él hacia sí. La mirada de la muchacha parece concentrarse en el acto sangriento y casi parece chocar con la escena: de hecho, parece antitético que una muchacha tan bella pueda realizar este acto sangriento. La sangre que brota también se capta cromáticamente en el suave cortinaje que en la escena parece descender desde arriba justo por encima del hombre. La grotesca escena representada está en total armonía con el perfil de la anciana, lasierva Abra, que se encuentra junto a la doncella: un perfil grotesco y ceñudo que presagia la escena que, como en un cuento, continúa en la parte izquierda del cuadro. De hecho, este último puede leerse horizontalmente de derecha a izquierda debido a la particular elección compositiva, desde la mirada grotesca de la anciana hasta el último grito que suelta Holofernes antes de morir; en el centro está la heroína Judith, que toma la decisión premeditada.

Caravaggio, Judith y Holofernes (1602; óleo sobre lienzo, 145 x 195 cm; Roma, Galerías Nacionales de Arte Antiguo, Palacio Barberini; Fotografía de Mauro Coen)

La historia de Judit y Holofernes es muy conocida y se relata en la Biblia: durante el reinado de Nabucodonosor, Judit, una hermosa doncella rica y viuda, habitante de Betulia, ciudad sitiada durante mucho tiempo por el general asirio Holofernes, decide salvar su ciudad antes de que se rinda a la sumisión total. Una noche se viste elegantemente y, acompañada de una vieja sirvienta, atraviesa el territorio enemigo fingiendo traicionar a sus conciudadanos. Holofernes cae en la trampa y la acoge, convencido también de que puede poseerla. La invita a un banquete y se emborracha con vino: Judit se cuela entonces en su tienda con la criada y con dos golpes de espada le arranca valientemente la cabeza. Después la envuelve en un paño y la muestra a su pueblo. Éste, reconfortado por el éxito del gesto, derrota a los asirios, conmocionados por la muerte de su general.

Caravaggio había representado en su famoso cuadro una escena conmovedora, el momento mismo de la matanza. Orazio Gentileschi, padre de Artemisia, representó a Judith con su sierva en el momento posterior a la matanza, cuando la cabeza cortada de Holofernes ya está en la cesta, aún por cubrir con el paño blanco que se vislumbra colgando de ella. El cuadro data de cinco años después de la pintura de Caravaggio, entre 1607 y 1608 aproximadamente, y se conserva en el Nasjonalmuseet for Kunst de Oslo. La escena representada no es violenta a los ojos del espectador, pues el acto sangriento ya se ha realizado. Sobre un fondo de paños verde oscuro, en primer plano se encuentran la bella Judit, ataviada con un elegante vestido rojo carmín embellecido con finos adornos y sosteniendo en su mano derecha la espada con la que cortó la cabeza del general asirio, y su sierva de confianza Abra, que a diferencia de la representada por Caravaggio es joven. Esta última está de espaldas, lleva un vestido ocre con mangas azules y la cabeza envuelta en un largo turbante blanco, áspero y deshilachado, que le cae por la espalda; a su izquierda sostiene con ambas manos la cesta con la cabeza de Holofernes. Ambas jóvenes miran presumiblemente hacia la salida de la tienda en cuyo interior ha tenido lugar el gesto y están iluminadas por una suave luz que las hace destacar de su entorno.

Orazio Gentileschi, Judith con su sierva (c. 1607-1608; óleo sobre lienzo, 136 x 160 cm; Oslo, Nasjonalmuseet)

Más tarde, hacia 1613, Artemisia representó la misma escena representada por su padre en el cuadro de Oslo, pero con mayor tensión: las dos doncellas aparecen mucho más juntas y el encuadre está más en primer plano que antes; el entorno está indefinido, sólo Judit y su sierva Abra ocupan toda la escena. El hecho sangriento ya se ha consumado, pero la tensión del momento sigue presente: Judit se coloca firmemente la espada en el hombro en señal de victoria, mientras con la mano izquierda se agarra al hombro de su doncella, representada de nuevo de espaldas. También en este cuadro, ahora en el Palacio Pitti de Florencia, la mirada de ambas se aparta del cesto con la cabeza de Holofernes. Se capta plenamente la determinación y la autoridad de Judit en su rostro, aún enrojecido por la excitación del momento y también por el peligro de ser vista por sus enemigos. Esto hace que el cuadro resulte más atractivo que el de Horacio.

Un detalle a destacar es el paño blanco que sale del cesto abundantemente manchado de sangre: gotas rojas han ensuciado incluso el propio cesto de mimbre. De nuevo, la diferencia entre Judith y su criada Abra se acentúa por la calidad de las ropas: más rica, ornamentada y elegante la de Judith, de color más oscuro, más sencilla la de Abra. Esta última lleva un turbante drapeado en la cabeza que cae menos ampliamente sobre la espalda que en la obra de Horacio, mientras que la riqueza de Judith se acentúa aún más por la preciosa horquilla que recoge una especie de trenza en su pelo y la empuñadura de su espada decorada con el rostro de una máscara gritona. Ambas aparecen iluminadas por un haz de luz que las destaca del conjunto de la escena.

Artemisia Gentileschi, Judith y la doncella Abra (c. 1613; óleo sobre lienzo, 114 x 93,5 cm; Florencia, Palazzo Pitti, Galería Palatina)

Así pues, los dos cuadros de Oslo y del Palazzo Pitti parecen estar relacionados entre sí, con una evidente influencia entre padre e hija: probablemente, dado que la obra de Oslo fue ejecutada cuando Orazio y Artemisia trabajaban juntos en Roma, el padre siguió los consejos de su hija para la realización del cuadro más antiguo que el del Palazzo Pitti y tal vez la propia Artemisia participó en la ejecución del primero.

En 1617, Artemisia retomó el tema de Judit y Holofernes y en este caso lo hizo con una pintura decididamente cruda y violenta: ya no se representa el momento posterior al asesinato del general, sino el acto mismo, en el interior de la tienda. El espectador capta inmediatamente lainfluencia caravaggesca, subrayada por el ímpetu que esta vez no pertenece sólo a Judit, sino también a su sierva; de hecho, ésta, con gran fuerza, valor y determinación, toma parte activa en la decapitación, sujetando los poderosos brazos de Holofernes, que intenta con sus últimas fuerzas liberarse: El brazo izquierdo del general es inmovilizado por la sierva, mientras que con el derecho se agarra al cuello del vestido de éste, pero la espada de Judit toma el relevo, cortándole la cabeza. La sierva es así parte activa del gesto y deja de ser una mera espectadora. Lo que destaca en este cuadro, hoy conservado en el Museo Capodimonte de Nápoles, es precisamente la gran fuerza y determinación de las dos doncellas, que se convierten en heroínas de su pueblo. El esfuerzo físico queda bien subrayado por el cruce de brazos desnudos que ocupa el centro de la escena: las dos muchachas, con las mangas de sus vestidos arremangadas, ponen toda su fuerza en Holofernes, mientras éste intenta en vano liberarse hasta el último momento de su vida.

La violenta escena resulta aún más sangrienta por la copiosa sangre que mana de la cabeza del hombre e impregna la sábana blanca sobre la que yace. Los rostros de ambas mujeres están enfocados hacia la espada, el instrumento con el que Judit lleva a cabo la decapitación, mientras que la cabeza de Holofernes está hacia atrás, mantenida inmóvil por la poderosa mano de ésta, que le agarra del pelo; los ojos del general están en el vacío y su boca entreabierta. También en este caso, la diferencia de posición social de las doncellas se pone de relieve por la calidad de sus vestimentas: la de Judit, de color azul, parece más elegante y adornada, la de la sierva, de color rojo, es más sencilla. Con este cuadro, Artemisia se ha alejado considerablemente del estilo de su padre Orazio, siguiendo una línea más dramática y apasionada. Ahora es una mujer independiente, que ya no trabaja con su padre, que había abandonado Roma hacía algunos años. Probablemente sintió la influencia florentina, el vivo cromatismo característico de Cristofano Allori (Florencia, 1577 - 1621), amigo del pintor.

Tres años más tarde repitió el cuadro, en una versión que hoy se conserva en los Uffizi, mostrando sin embargo una mayor teatralidad y atención al detalle en los ropajes, adornos y telas: se confirma así un cambio de estilo hacia pintores florentinos como Cristofano All ori y Giovanni Bilivert. (Florencia, 1585 - 1644). De hecho, Artemisia añadió un peinado más elaborado y refinado en Judit, un brazalete que adorna su brazo izquierdo y un suave paño rojo colocado sobre el cuerpo de Holofernes. Además, el general asirio está representado casi de cuerpo entero, a diferencia del cuadro de Capodimonte en el que sus piernas no están representadas: aquí, en cambio, aparecen firmemente sujetas al lecho en el que está tendido el hombre. La espada, punto de apoyo de la composición, es totalmente visible, desde la empuñadura hasta la punta, y la sangre brota impetuosamente hacia Judit, pero ya ha manchado en varios lugares el suntuoso juego de sábanas y mantas sobre el que yace Holofernes. Esta obra estaba destinada a Cosme II de Médicis, que sólo concedió al pintor una generosa recompensa tras las buenas palabras de Galileo, como se deduce de una carta escrita en 1635 en Nápoles por Artemisia dirigida a Galilei: de hecho, ambos habían mantenido buenas relaciones en Florencia.

Artemisia Gentileschi, Judith decapitando a Holofernes (1617; óleo sobre lienzo, 158,8 x 125,5 cm; Nápoles, Museo Nazionale di Capodimonte)

Artemisia Gentileschi, Judith decapitando a Holofernes (1620-1621; óleo sobre lienzo, 146,5 x 108 cm; Florencia, Uffizi)

Cristofano Allori, Judith con la cabeza de Hol ofernes (1610-1612; óleo sobre lienzo, 139 x 116 cm; Florencia, Palazzo Pitti, Galería Palatina)

El vívido cromatismo característico de Cristofano Allori se ejemplifica con fuerza en uno de sus cuadros de 1620, conservado en las Galerías Uffizi. El tema representado es de nuevo el episodio bíblico de Judit y Holofernes: la escena muestra a la muchacha que acaba de decapitar al general y enseña orgullosa al espectador su trofeo. En efecto, la cabeza cortada de Holofernes cuelga de la mano izquierda de la heroína, que la sujeta sólo por un mechón de pelo en la parte central de la cabeza. Holofernes tiene los ojos cerrados, la boca entreabierta y todo el rostro rodeado por una espesa cabellera y barba. Judit está situada en primer plano, en el centro de la escena, y junto a ella se vislumbra el rostro de su fiel sierva Abra, que en esta obra aparece representada como una anciana, con la cabeza envuelta en un gran y suave turbante. Sin embargo, lo que más llama la atención es el vestido de Judith, que Allori ha pintado y decorado con gran atención al detalle en la representación de los distintos tejidos y en la elección de los colores: amarillo brillante para el vestido adamascado, azul y rojo para el largo manto que, partiendo de la nuca, desciende suavemente por su espalda, y blanco para las anchas mangas de la túnica que lleva debajo y para el fajín que ciñe su cintura. El entorno también está ricamente decorado: al fondo se ve una cortina verde, del mismo color que un elegante cojín que asoma por la esquina inferior derecha del cuadro.

Queda claro así que, durante el siglo XVII, el tema bíblico de Judit y Holofernes fue representado de manera recurrente: muchos artistas lo eligieron como tema de sus cuadros, cada uno siguiendo sus propios métodos compositivos, decorativos y cromáticos. Artemisia Gentileschi se acercó más que ninguna otra artista a este tema como reivindicación de la mujer frente a los abusos del hombre, pero en realidad siguió una de las “modas” de la época, si es que podemos llamarla así, personalizándola sin embargo con su propio estilo, pasión y dramatismo.

Bibliografía de referencia

• Francesca Baldassari, Judith Mann, Nicola Spinosa (eds.), Artemisia Gentileschi e il suo tempo, catálogo de la exposición (Roma, Museo di Roma, del 30 de noviembre de 2016 al 7 de mayo de 2017), Skira, 2016.
• Tiziana Agnati, Artemisia Gentileschi, Giunti, 2016
• Keith Christiansen, Judith Mann, Orazio y Artemisia Gentileschi, catálogo de exposición (Roma, Palazzo Venezia, del 15 de octubre de 2001 al 6 de enero de 2002; Nueva York, Metropolitan Museum, del 6 de febrero al 12 de mayo de 2002; Saint Louis, The Saint Louis Art Museum, del 15 de junio al 15 de septiembre de 2002), The Metropolitan Museum, 2001
• Mieke Bal, The Artemisia Files: Artemisia Gentileschi for Feminists and Other Thinking People, University of Chicago Press, 2006
• Giuliana Babini (ed.), Los libros de Tobías, Judit y Ester, Città Nuova, 2001

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