La Adoración del Niño de Correggio: una escena íntima y universal del milagro de la Natividad

Hay toda la esencia de la Navidad, entendida como nacimiento, en la Virgen en Adoración del Niño de Antonio Allegri, conocido como Correggio (Correggio, c. 1489 - 1534), de su ciudad natal en la llanura de Reggio Emilia. Una escena íntima y acogedora, pero al mismo tiempo extraordinariamente viva y comunicativa, que se convierte en símbolo universal de todos los lugares y todos los tiempos: las miradas y los gestos entre los dos únicos protagonistas del cuadro bastan para comprender el amor mutuo que fluye entre ellos. El de una madre que acaba de dar a luz a su hijo, y el de un niño que, tras oír sólo la voz de su madre, por fin puede verla con sus ojitos y sentir el calor de su abrazo. No hacen falta palabras porque la intensa mirada que intercambian habla por sí sola; hay una magia silenciosa que impregna toda la obra. Un diálogo silencioso y tierno que parece expandirse más allá de los confines del lienzo. Y así, el observador se convierte en parte de ese momento: el milagro de la Natividad ya no es lejano en el tiempo, sino que sucede aquí, ante sus ojos.

El pintor opta por situar únicamente a la Virgen arrodillada ante el Niño en el centro de la escena; ningún otro personaje a su alrededor, ni ángeles ni pastores, ni siquiera San José. Toda la atención se centra únicamente en la relación entre la madre y el niño, en sus primeros momentos juntos, en el milagro de la vida que tiene lugar cada vez que nace un niño, en la alegría del feliz acontecimiento.

Es un cuadro que palpita de intimidad y espiritualidad, pero también de inmensa humanidad. Es una escena sagrada que, sin embargo, representa lo más humano y, por tanto, puede ser abordada por todas las madres del mundo. La belleza de esta Adoración reside en la capacidad de Correggio para fundir lo humano y lo trascendente, con una delicadeza que sólo poseen los grandes maestros. En la atmósfera enrarecida de un amanecer, la Virgen, joven y radiante, se arrodilla ante su hijo recién nacido, contemplándolo con infinita ternura. Su rostro dulce y absorto esboza una leve sonrisa, e incluso sus ojos, de los que sólo se ven los párpados, sonríen. Sus cabellos recogidos bajo su largo manto. Las manos abiertas frente a su rostro en posición de adoración indican asombro y admiración. El Niño desnudo, tumbado sobre un paño blanco que le sirve de cuna, con paja dorada extendida sobre un borde del manto azul de María, mira con ojos muy abiertos a su madre y mientras tanto levanta su manita en un gesto típico de los recién nacidos, para intentar agarrar el manto de su madre. Un detalle sencillo, tierno y cotidiano, que revela una vez más el íntimo vínculo entre ambos. La figura de la Virgen es la de una madre terrenal que, en unaatmósfera de suspensión, como si el tiempo mismo se hubiera detenido, se convierte en emblema del asombro del mundo ante este nacimiento milagroso. Por esta razón, el pintor consigue, con sólo dos figuras y algunos gestos esenciales , encerrar la esencia de un momento sagrado, pero al mismo tiempo tangible y humano, e implicar al espectador en laAdoración del Niño. En efecto, la pintura de Correggio se basa en la representación de la ternura de los afectos, como se aprecia claramente en este cuadro, pero también en las formas espontáneas de representarlos.

También llaman la atención los colores vivos y brillantes del vestido y del manto de María, en particular el azul del manto, símbolo de pureza y realeza, que contrasta con la blancura de la piel de la Virgen y del Niño. La vivacidad se acentúa aún más por la luz que se propaga desde lo alto sobre las dos figuras: una luz que no sólo impregna el centro de la composición, sino que también conduce la mirada del observador desde el rostro sereno de la Virgen hasta el pequeño cuerpo del Niño. Pero en realidad hay dos fuentes de luz: la luz divina y la luz delamanecer que ilumina el paisaje del fondo. Se crea así unaanalogía entre lo sagrado y lo temporal: el nacimiento de Jesús es divino, querido por el Padre para traer la Palabra a la Tierra, y tiene lugar a través de María, que da vida humana al Niño en el comienzo de laera de la salvación, representada por la aurora.

El paisaje en el que están inmersos la Virgen y el Niño, formado por edificios en ruinas, es peculiar. En efecto, es sobre los escalones casi de un altar, bajo la base de una gran columna de mármol, donde la Madre ha colocado a Jesús en el lecho de paja. Las ruinas, en medio de las cuales crece la hierba y la naturaleza se apodera de ellas, se han leído como la caída del paganismo y su superación con la difusión del cristianismo, que se impone como una nueva civilización espiritual y moral. Pero estos no son los únicos elementos que remitirían a diversos significados simbólicos posibles, enriqueciendo así la lectura del cuadro. La escalera que se ve detrás de la figura de la Madonna recordaría la escalera bíblica del sueño de Jacob que unía la tierra y el cielo, aquí sin embargo en ruinas debido al pecado de la humanidad. Junto a la escalera se ve una higuera, el árbol del Jardín del Edén, vinculado al pecado de Adán y Eva. La asociación de la higuera con las ruinas podría, sin embargo, sugerir un tema fundamental de la teología cristiana: el sacrificio de Cristo como acto que redime la primera desobediencia de Adán. El árbol, surgiendo de las ruinas, se convierte así en un signo de esperanza y regeneración, destacando la superación del pecado original. Al fondo, en cambio, aparece la palmera, que en la tradición cristiana representa el martirio y es el símbolo final de la redención.

En primer plano a la derecha aparece en cambio una silla de montar que alude a la huida a Egipto; un detalle que podría pasar desapercibido, pero que en cambio recuerda el momento en que la Sagrada Familia se refugió en Egipto para escapar de la matanza de inocentes ordenada por Herodes. Por último, el paño blanco sobre el que se deposita al Niño es otro detalle cargado de significados simbólicos. A menudo interpretado en clave eucarística, también puede leerse como una alusión al sudario que envolverá a Cristo en el momento de la sepultura, anticipando así el tema de la Pasión y del sacrificio redentor.

Esta obra, fechable entre 1525 y 1526 y hoy conservada en los Uffizi, forma parte de la plena madurez estilística del pintor, un momento particularmente fértil de su carrera, entre la realización de los frescos de la cúpula de San Juan Evangelista de Parma y los de la cúpula con laAsunción de la Virgen de la catedral de la misma ciudad. Téngase en cuenta que fue entre 1523 y 1525 cuando Correggio pintó los dos lienzos de la capilla Del Bono de San Giovanni de Parma, que representan la Lamentación y el Martirio de cuatro santos, donde la gama cromática se vuelve rica y vibrante a partir de este momento, especialmente en los ropajes de los personajes, haciendo resaltar los tonos de la carne de manera decididamente luminista, como sucede en nuestra Adoración, y donde la participación emocional está muy presente tanto entre las figuras representadas como entre éstas y el observador. Fue también entre 1526 y 1528 cuando pintó el gran retablo Il Giorno (El día), donde de nuevo se invita al espectador a participar en la alegría del momento (obsérvese cómo aquí todos los personajes sonríen), y fue entre 1522 y 1530 cuando completó su famosísima Notte (Noche), uno de los Nacimientos más bellos, conmovedores y envolventes de toda la historia del arte. Y es precisamente entre 1525 y 1526 cuando en los dos lienzos pintados para el conde Maffei de Mantua aparece Venus: en laEducación de Cupido junto a Cupido y Mercurio, y junto a Cupido y un sátiro en el cuadro hoy conservado en el Louvre.

La Virgen en Adoración del Niño comparte también con otros cuadros de la producción de Correggio la propensión del artista a representar Madonas tiernas, que destacan por su conmovedora humanidad, su intensidad emocional, pero sobre todo por su pacífica intensidad emocional, pero sobre todo por su tranquilo intimismo, como la Virgen del Canasto (1525-26), actualmente en la National Gallery de Londres, las Bodas místicas de Santa Catalina (1520-21) y La gitana (1516-17), ambas en el Museo de Capodimonte, la Virgen con el Niño y San Juan (1517-1518) en el Prado, la Virgen con el Niño (1513) en el Kunsthistorisches Museum de Viena, y la Virgen Barrymore (c. 1506) en la National Gallery of Art de Washington.

Destinada a la devoción privada, los orígenes de esta Virgen en adoración son desconocidos: suprocedencia original y su encargo aún se nos escapan; sin embargo, aparece desde el siglo XVII en el inventario de los Médicis. De hecho, parece que la obra fue donada por el duque de Mantua Ferdinando Gonzaga al gran duque Cosme II de Médicis: un regalo de gran prestigio entre dos de las cortes italianas más influyentes del Renacimiento. Llegó a los Uffizi en 1617 y se colocó el 6 de noviembre del mismo año en la sala reservada exclusivamente a los tesoros más significativos de la colección de los Médicis, la Tribuna, donde permaneció hasta 1848. Por ello, fue admirada aquí por generaciones de visitantes, entre ellos pintores, como el alemán Johann Zoffany (Fráncfort del Meno, 1733 - Chiswick, 1810), que trabajó principalmente en Inglaterra.

El artista retrató la Galería de los Uffizi, poblada de caballeros admirando pinturas y esculturas famosas, en uno de sus famosos cuadros terminados en 1777, encargado por la reina Carlota de Mecklemburgo-Strelitz, consorte del rey Jorge III, y hoy en la Colección Real, en el que se puede reconocer la Madonna in Adorazione del Nino de Correggio en la pared izquierda, entre la Madonna della Seggiola de Rafael y el Retrato de Galileo Galilei de Justus Sustermans. Sin embargo, no es seguro que esta fuera la disposición real de las obras en el interior de la Tribuna cuando Zoffany la vio.

No cabe duda, sin embargo, de que la Madonna de Correggio es una obra tierna e íntima, rica en símbolos, que hoy, como ayer, sigue siendo capaz de conmover el corazón de quien la contempla.

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